Lev Nikolayeviç Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolaevich Oborin, Sovyet müzikal performans sanatları tarihinde uluslararası bir yarışmada (Varşova, 1927, Chopin Yarışması) ilk zaferi kazanan ilk Sovyet sanatçısıydı. Bugün, çeşitli müzikal turnuvaların kazananları birbiri ardına yürüdüğünde, içlerinde sürekli olarak yeni isimler ve yüzler göründüğünde, “sayısız” olan Oborin'in 85 yıl önce yaptıklarını tam olarak takdir etmek zor. Bu bir zafer, bir sansasyon, bir başarıydı. Kaşifler her zaman onurla çevrilidir - uzay araştırmalarında, bilimde, halkla ilişkilerde; Oborin, J. Flier, E. Gilels, J. Zak ve diğer birçok kişinin parlak bir şekilde takip ettiği yolu açtı. Ciddi bir yaratıcı yarışmada birincilik ödülü kazanmak her zaman zordur; 1927'de, burjuva Polonya'da Sovyet sanatçılarla ilgili olarak hüküm süren kötü niyet atmosferinde, Oborin iki, üç kat zordu. Zaferini bir tesadüfe ya da başka bir şeye borçlu değildi - bunu yalnızca kendisine, büyük ve son derece çekici yeteneğine borçluydu.

• Ozon çevrimiçi mağazasında piyano müziği →

Oborin, Moskova'da bir demiryolu mühendisi ailesinde doğdu. Çocuğun annesi Nina Viktorovna piyanoda vakit geçirmeyi severdi ve babası Nikolai Nikolaevich harika bir müzik aşığıydı. Zaman zaman Oborins'te doğaçlama konserler düzenlendi: konuklardan biri şarkı söyledi veya oynadı, bu gibi durumlarda Nikolai Nikolayevich isteyerek eşlik etti.

Geleceğin piyanistin ilk öğretmeni, müzik çevrelerinde iyi bilinen Elena Fabianovna Gnesina idi. Daha sonra konservatuarda Oborin, Konstantin Nikolaevich Igumnov ile çalıştı. “Derin, karmaşık, tuhaf bir doğaydı. Bazı yönlerden, benzersiz. Igumnov'un sanatsal bireyselliğini bir ya da iki terim ya da tanım yardımıyla karakterize etme girişimlerinin – ister “söz yazarı” ister aynı türden başka bir şey olsun – genellikle başarısızlığa mahkum olduğunu düşünüyorum. (Igumnov'u sadece tek kayıtlardan ve bireysel sözlü tanıklıklardan tanıyan Konservatuar gençleri bazen bu tür tanımlara eğilimlidir.)

Doğruyu söylemek gerekirse, – hocası Oborin hakkındaki hikayeyi sürdürdü, – Igumnov bir piyanist olarak her zaman eşit değildi. Belki de en iyisi evde, sevdiklerinin çemberinde oynadı. Burada, tanıdık, rahat bir ortamda kendini rahat ve rahat hissetti. Böyle anlarda ilhamla, gerçek bir coşkuyla müzik yaptı. Ayrıca evde, enstrümanında her şey onun için her zaman “çıktı”. Konservatuarda, bazen birçok insanın toplandığı sınıfta (öğrenciler, misafirler…), piyanoda artık o kadar özgürce “nefes almıyor”. Burada oldukça fazla oynadı, ancak dürüst olmak gerekirse, her zaman ve her zaman her şeyde eşit derecede başarılı olmadı. Igumnov, öğrenciyle çalışılan çalışmayı baştan sona değil, parçalar halinde (şu anda işte olanlar) gösterirdi. Halka yaptığı konuşmalara gelince, bu performansın kaderinin ne olacağını önceden tahmin etmek asla mümkün değildi.

Müziğin ruhuna en ince sızma ile damgasını vuran, ilk notadan son notaya kadar ruhsallaştırılan, inanılmaz, unutulmaz clavirabend'ler vardı. Ve onlarla birlikte eşit olmayan performanslar vardı. Her şey dakikaya, ruh haline, Konstantin Nikolayevich'in sinirlerini kontrol edip edemediğine, heyecanının üstesinden gelip gelmediğine bağlıydı.

Igumnov ile temaslar, Oborin'in yaratıcı yaşamında çok şey ifade ediyordu. Ama sadece onlar değil. Genç müzisyen genellikle, dedikleri gibi, öğretmenlerle “şanslıydı”. Konservatuar akıl hocaları arasında, genç adamın kompozisyon dersleri aldığı Nikolai Yakovlevich Myaskovsky de vardı. Oborin profesyonel bir besteci olmak zorunda değildi; sonraki yaşam ona böyle bir fırsat bırakmadı. Ancak, çalışma sırasındaki yaratıcı çalışmalar ünlü piyaniste çok şey verdi - bunu bir kereden fazla vurguladı. “Hayat öyle bir hale geldi ki,” dedi, sonunda besteci değil, sanatçı ve öğretmen oldum. Ancak şimdi hafızamda gençlik yıllarımı canlandırırken, bu beste denemelerinin o zamanlar benim için ne kadar faydalı ve faydalı olduğunu sık sık merak ediyorum. Mesele şu ki, sadece klavyede “deney yaparak” piyanonun ifade edici özelliklerine dair anlayışımı derinleştirdim, aynı zamanda kendi başıma çeşitli doku kombinasyonları yaratıp pratik yaparak, genel olarak bir piyanist olarak ilerledim. Bu arada, çok çalışmak zorunda kaldım – oyunlarımı öğrenmek için değil, örneğin Rachmaninov'un onlara öğretmediği gibi, yapamadım ...

Ve yine de asıl şey farklı. Kendi elyazmalarımı bir kenara bırakıp, başkalarının müziğini üstlendiğimde, başka yazarların yapıtlarını, bu yapıtların biçimini ve yapısını, iç yapılarını ve ses malzemesinin örgütlenmesini bir şekilde daha net anladım. O zaman karmaşık tonlama-armonik dönüşümlerin anlamını, melodik fikirlerin gelişiminin mantığını vb. çok daha bilinçli bir şekilde araştırmaya başladığımı fark ettim. müzik yaratmak bana, icracıya paha biçilmez hizmetler verdi.

Hayatımdan ilginç bir olay sık sık aklıma geliyor” diyen Oborin, beste yapmanın sanatçılar için faydaları hakkında konuşmayı sonlandırdı. “Bir şekilde otuzlu yaşların başında Alexei Maksimovich Gorky'yi ziyaret etmeye davet edildim. Gorki'nin müziğe çok düşkün olduğunu ve bunu incelikle hissettiğini söylemeliyim. Doğal olarak, sahibinin isteği üzerine enstrümanın başına oturmak zorunda kaldım. Daha sonra çok oynadım ve öyle görünüyor ki, büyük bir coşkuyla. Aleksey Maksimovich, çenesini avucunun içine dayayarak, zeki ve nazik gözlerini benden ayırmadan dikkatle dinledi. Beklenmedik bir şekilde sordu: “Söyle bana Lev Nikolaevich, neden kendin beste yapmıyorsun?” Hayır, cevap veriyorum, eskiden buna bayılırdım, ama şimdi zamanım yok - seyahatler, konserler, öğrenciler ... “Yazık, yazık” diyor Gorky, “eğer bir bestecinin hediyesi zaten doğuştan geliyorsa doğanız gereği içinizde korunmalı – bu çok büyük bir değer. Evet ve performansta muhtemelen size çok yardımcı olur… ”Genç bir müzisyen olarak bu sözlerden derinden etkilendiğimi hatırlıyorum. Hiçbir şey söyleme - akıllıca! O, müzikten çok uzak bir adam, sorunun özünü çok hızlı ve doğru bir şekilde kavradı - icracı-besteci'.

Gorki ile görüşme, Oborin'in XNUMX'lerde ve XNUMX'lerde başına gelen bir dizi ilginç toplantı ve tanıdıktan yalnızca biriydi. O sırada Shostakovich, Prokofiev, Shebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky ile yakın temas halindeydi. Tiyatro dünyasına yakındı – Meyerhold'a, “MKhAT”a ve özellikle Moskvin'e; yukarıda adı geçenlerden bazılarıyla güçlü bir dostluğu vardı. Daha sonra, Oborin ünlü bir usta olduğunda, eleştiriler hayranlıkla yazılacaktır. iç kültür, oyununda değişmez bir şekilde doğasında, onun içinde hayatta ve sahnede zekanın cazibesini hissedebilirsiniz. Oborin bunu mutlu gençliğine borçluydu: aile, öğretmenler, diğer öğrenciler; bir sohbetinde, gençlik yıllarında mükemmel bir “besin ortamına” sahip olduğunu söyledi.

1926'da Oborin, Moskova Konservatuarı'ndan zekice mezun oldu. Adı, Konservatuar Küçük Salonu'nun fuayesini süsleyen ünlü mermer Onur Kurulu'na altınla kazınmıştı. Bu ilkbaharda oldu ve aynı yılın Aralık ayında Moskova'da Varşova'daki Birinci Uluslararası Chopin Piyano Yarışması için bir prospektüs alındı. SSCB'den müzisyenler davet edildi. Sorun, yarışmaya hazırlanmak için neredeyse hiç zaman kalmamasıydı. Oborin daha sonra “Yarışmanın başlamasından üç hafta önce Igumnov bana yarışma programını gösterdi” dedi. “Repertuarım zorunlu yarışma programının yaklaşık üçte birini içeriyordu. Bu koşullar altında eğitim anlamsız görünüyordu.” Yine de hazırlanmaya başladı: Igumnov ısrar etti ve o zamanın en yetkili müzisyenlerinden biri olan Oborin'in görüşünü en üst düzeyde değerlendirdiği BL Yavorsky. Yavorsky, Oborin'e, "Eğer gerçekten istiyorsan konuşabilirsin," dedi. Ve inandı.

Varşova'da Oborin kendini son derece iyi gösterdi. Oybirliğiyle birincilik ödülüne layık görüldü. Yabancı basın, şaşkınlığını gizlemeyen (yukarıda zaten söylendi: 1927 idi), Sovyet müzisyeninin performansı hakkında coşkuyla konuştu. Tanınmış Polonyalı besteci Karol Szymanowski, Oborin'in performansını değerlendirirken, dünyanın birçok ülkesinin gazetesinin bir anda atladığı şu sözleri dile getirdi: “Bir fenomen! O'na tapmak günah değildir, çünkü o Güzelliği yaratır.

Varşova'dan dönen Oborin aktif bir konser faaliyetine başlar. Yükseliyor: turlarının coğrafyası genişliyor, performans sayısı artıyor (kompozisyon terk edilmeli - yeterli zaman veya enerji yok). Oborin'in konser çalışmaları özellikle savaş sonrası yıllarda geniş çapta gelişti: Sovyetler Birliği'ne ek olarak ABD, Fransa, Belçika, İngiltere, Japonya ve diğer birçok ülkede çalıyor. Bu kesintisiz ve hızlı tur akışını yalnızca hastalık keser.

... Otuzlu yıllardaki piyanisti hatırlayanlar, hem sanatsız, hem de gençlik dolu tazelik ve hislerin dolaysızlığıyla çalmasının ender çekiciliğinden söz ediyor oybirliğiyle. IS Kozlovsky, genç Oborin hakkında konuşurken, “lirizm, çekicilik, insan sıcaklığı, bir tür parlaklık” ile vurduğunu yazıyor. “Parlaklık” kelimesi burada dikkat çekiyor: etkileyici, pitoresk ve mecazi, bir müzisyenin görünümünde çok şey anlamaya yardımcı oluyor.

Ve içinde bir tane daha rüşvet verildi - basitlik. Belki de Igumnov okulunun bir etkisi vardı, belki Oborin'in doğasının özellikleri, karakterinin yapısı (büyük olasılıkla her ikisi), - sadece bir sanatçı olarak onda inanılmaz netlik, hafiflik, bütünlük, iç uyum vardı. Bu, kamuoyunda ve piyanistin meslektaşları üzerinde neredeyse karşı konulmaz bir izlenim bıraktı. Piyanist Oborin'de, Rus sanatının uzak ve görkemli geleneklerine geri giden bir şey hissettiler - konser performans tarzında gerçekten çok şey belirlediler.

Programlarında büyük bir yer Rus yazarların eserleri tarafından işgal edildi. Dört Mevsim, Dumka ve Çaykovski'nin İlk Piyano Konçertosu'nu harika bir şekilde çaldı. Mussorgsky'nin Bir Sergideki Resimleri ve Rachmaninov'un eserleri - İkinci ve Üçüncü Piyano Konçertoları, prelüdler, etütler-resimler, Müzikal Anlar - sık sık duyulabilirdi. Oborin'in repertuarının bu kısmına ve Borodin'in “Little Suite”i, Lyadov'un Glinka'nın Bir Tema Üzerine Varyasyonları, Piyano ve Orkestra için Konçerto, Op. 70 A. Rubinstein. Karakterinde, görünüşünde, tavrında, sanatsal zevklerinde ve sevgilerinde tam anlamıyla Rus kökenli bir sanatçıydı. Bütün bunları sanatında hissetmemek imkansızdı.

Ve Oborin'in repertuarından bahsederken bir yazarın daha adı geçmeli – Chopin. Müziğini sahneye çıktığı ilk günden ömrünün sonuna kadar çaldı; bir keresinde makalelerinden birinde şöyle yazmıştı: “Piyanistlerin Chopin'e sahip olduğu sevinç duygusu beni asla terk etmiyor.” Oborin'in Chopin programlarında çaldığı her şeyi - etütler, prelüdler, valsler, geceler, mazurkalar, sonatlar, konçertolar ve çok daha fazlasını - hatırlamak zor. saymak zor o oynadı, bugün performans vermek daha da zor, as o yaptı. J. Flier, “Onun Chopin'i – kristal berraklığında ve parlak – tüm izleyicileri bölünmeden yakaladı” dedi. Oborin'in hayatındaki ilk ve en büyük yaratıcı zaferini büyük Polonyalı bestecinin anısına adanan bir yarışmada yaşaması elbette tesadüf değil.

… 1953 yılında Oborin – Oistrakh düetinin ilk performansı gerçekleşti. Birkaç yıl sonra bir üçlü doğdu: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. O zamandan beri, Oborin müzik dünyasında sadece solist olarak değil, aynı zamanda birinci sınıf bir topluluk oyuncusu olarak da tanındı. Küçük yaşlardan itibaren oda müziğini severdi (gelecekteki ortaklarıyla tanışmadan önce bile, D. Tsyganov ile Beethoven Quartet ile birlikte bir düet yaptı). Gerçekten de, Oborin'in sanatsal doğasının bazı özellikleri - performans sergileyen esneklik, duyarlılık, yaratıcı temasları hızlı bir şekilde kurma yeteneği, stilistik çok yönlülük - onu düetlerin ve üçlülerin vazgeçilmez bir üyesi yaptı. Oborin, Oistrakh ve Knushevitsky adına, onlar tarafından yeniden çalınan büyük miktarda müzik vardı - klasikler, romantikler, modern yazarların eserleri. Doruk başarılarından bahsedersek, Oborin ve Knushevitsky tarafından yorumlanan Rachmaninoff viyolonsel sonatının yanı sıra Oborin ve Oistrakh tarafından aynı anda icra edilen on Beethoven keman ve piyano sonatını isimlendirmede başarısız olamaz. Bu sonatlar, özellikle 1962'de, Sovyet sanatçılarının tanınmış bir Fransız plak şirketi tarafından davet edildiği Paris'te yapıldı. Bir buçuk ay içinde performanslarını kayıtlara geçirdiler ve ayrıca - bir dizi konserde - onu Fransız kamuoyuna tanıttılar. Ünlü ikili için zor bir dönemdi. DF Oistrakh daha sonra “Gerçekten çok ve çok çalıştık” dedi, “hiçbir yere gitmedik, şehirde baştan çıkarıcı yürüyüşler yapmaktan kaçındık, çok sayıda misafirperver daveti reddettik. Beethoven'ın müziğine dönersek, sonatların genel planını bir kez daha düşünmek (ki bu önemli!) ve her ayrıntıyı yeniden yaşamak istedim. Ancak konserlerimizi ziyaret eden seyircinin bizden daha fazla zevk alması pek olası değil. Her akşam sahneden sonat çaldığımızda çok eğlendik, bunun için tüm koşulların yaratıldığı stüdyonun sessizliğinde müziği dinleyerek sonsuz mutlu olduk.”

Diğer her şeyin yanı sıra Oborin de öğretti. 1931'den yaşamının son günlerine kadar Moskova Konservatuarı'nda kalabalık bir sınıfa başkanlık etti - aralarında birçok ünlü piyanistin de bulunduğu bir düzineden fazla öğrenci yetiştirdi. Kural olarak, Oborin aktif olarak gezdi: ülkenin çeşitli şehirlerine seyahat etti, yurtdışında uzun zaman geçirdi. Öyle oldu ki, öğrencilerle yaptığı görüşmeler çok sık değildi, her zaman sistematik ve düzenli değildi. Bu, elbette, sınıfındaki sınıflar üzerinde belirli bir iz bırakamazdı. Burada, pedagojik bakıma özen gösteren günlük bakıma güvenmek zorunda değildi; birçok şeyi “Oborintler” kendi başlarına bulmak zorunda kaldılar. Görünüşe göre, böyle bir eğitim durumunda hem artıları hem de eksileri vardı. Artık başka bir şeyle ilgili. Bir şekilde öğretmenle seyrek toplantılar özellikle son derece değerli evcil hayvanları - vurgulamak istediğim şey bu. Belki de diğer profesörlerin sınıflarından daha değerliydiler (daha az seçkin ve hak edilmiş olmasalar da, daha "yerli" olsalar bile). Oborin ile bu tanışma dersleri bir olaydı; onlar için özel bir özenle hazırlanmış, onları beklemiş, neredeyse bayram gibi olmuştur. Lev Nikolayevich'in bir öğrencisi için, örneğin Konservatuar'ın Küçük Salonunda herhangi bir öğrenci akşamında performans sergilemede veya yokluğunda öğrendiği öğretmeni için yeni bir parça çalmada temel bir fark olup olmadığını söylemek zor. Bu yükseltilmiş duygu Sorumluluk sınıftaki gösteriden önce, Oborin ile sınıflarda bir tür uyarıcı - güçlü ve çok spesifik - oldu. Profesörle olan ilişkisinde, koğuşlarının psikolojisi ve eğitim çalışmalarında çok şey belirledi.

Hiç şüphe yok ki, öğretimin başarısını yargılayabileceği ve yapması gereken ana parametrelerden biri şudur: yetki öğretmen, öğrencilerin gözündeki profesyonel prestijinin bir ölçüsü, öğrencileri üzerindeki duygusal ve isteğe bağlı etkinin derecesi. Oborin'in sınıftaki otoritesi tartışılmaz derecede yüksekti ve genç piyanistler üzerindeki etkisi son derece güçlüydü; tek başına bu bile ondan önemli bir pedagojik figür olarak bahsetmek için yeterliydi. Onunla yakından iletişim kuran insanlar, Lev Nikolaevich'in bıraktığı birkaç kelimenin diğer en görkemli ve çiçekli konuşmalardan bazen daha ağır ve anlamlı olduğunu hatırlıyorlar.

Söylemek gerekir ki, uzun pedagojik monologlardan ziyade Oborin'e genellikle birkaç kelime tercih edilirdi. Aşırı sosyal olmaktan ziyade biraz kapalı, her zaman oldukça özlüydü, ifadelerde cimriydi. Her türlü edebi saptırmalar, analojiler ve paralellikler, renkli karşılaştırmalar ve şiirsel metaforlar - bunların hepsi onun derslerinde kuraldan ziyade istisnaydı. Müziğin kendisi - karakteri, görüntüleri, ideolojik ve sanatsal içeriği - hakkında konuşurken, ifadelerinde son derece özlü, kesin ve katıydı. Açıklamalarında hiçbir zaman gereksiz, isteğe bağlı, uzaklaştıran bir şey olmadı. Belagatin özel bir türü vardır: sadece ilgili olanı söylemek, başka bir şey söylememek; Bu anlamda, Oborin gerçekten belagatliydi.

Lev Nikolaevich, sınıfının yeni öğrencisi olan gösteriden bir veya iki gün önce provalarda özellikle kısaydı. “Öğrenciyi şaşırtmaktan korkuyorum” dedi bir keresinde, “en azından bir şekilde yerleşik konsepte olan inancını sarsmak için, canlı performans hissini“ korkutmaktan ” korkuyorum. Bence konser öncesi dönemde bir öğretmen için en iyisi, genç bir müzisyene tekrar tekrar ders vermemek, ders vermemek, onu desteklemek, neşelendirmek…”

Başka bir karakteristik an. Oborin'in her zaman spesifik ve amaçlı olan pedagojik talimatları ve yorumları genellikle pratik piyanizmde taraf. Böyle performansla. Örneğin, şu ya da bu zor yeri nasıl oynamalı, mümkün olduğunca basitleştirme, teknik olarak daha kolay hale getirme; burada hangi parmaklama en uygun olabilir; parmakların, ellerin ve vücudun hangi pozisyonunun en uygun ve uygun olacağı; hangi dokunsal duyumların istenen sese yol açacağı vb. - bu ve benzeri sorular genellikle Oborin'in dersinde ön plana çıkarak özel yapıcılığını, zengin “teknolojik” içeriğini belirledi.

Oborin'in bahsettiği her şeyin, bir tür altın rezervi olarak, piyanist "zanaatının" en mahrem sırlarına dair bilgisine dayanan engin profesyonel performans deneyimiyle "sağlanması" öğrenciler için son derece önemliydi.

Konser salonunda gelecekteki sesi beklentisiyle bir parça nasıl icra edilir? Bu konuda ses üretimi, nüans, pedal çevirme vs. nasıl düzeltilir? Bu tür tavsiyeler ve tavsiyeler ustadan defalarca geldi ve en önemlisi, şahsen kim pratikte hepsini test etti. Oborin'in evinde gerçekleşen derslerden birinde öğrencilerinden birinin Chopin'in İlk Ballade'sini çaldığı bir durum vardı. Çalışmayı her zamanki gibi başından sonuna kadar dinleyen Lev Nikolayevich, “Pekala, fena değil” diye özetledi. “Ama bu müzik kulağa çok odacık geliyor, hatta “oda gibi” diyebilirim. Ve Küçük Salon'da gösteri yapacaksınız... Bunu unuttunuz mu? Lütfen yeniden başlayın ve bunu dikkate alın…”

Bu arada bu bölüm, Oborin'in öğrencilerine defalarca tekrarladığı bir talimatını akla getiriyor: Sahneden çalan bir piyanistin açık, anlaşılır, çok net bir “azarlama” – “iyi yerleştirilmiş performans gösteren bir diksiyon” olması gerekir. Lev Nikolayevich'in sınıflardan birine koyduğu gibi. Ve bu nedenle: “Daha kabartmalı, daha büyük, daha kesin,” provalarda sık sık talep etti. “Podyumdan konuşan bir konuşmacı, muhatabıyla yüz yüze konuşmaktan farklı konuşacaktır. Aynı şey, topluluk içinde çalan bir konser piyanisti için de geçerlidir. Sadece tezgahların ilk sıraları değil, tüm salon duymalı.

Oborin'in cephaneliğindeki belki de en güçlü araç, öğretmen uzun zamandır şov (resim) cihaz üzerinde; sadece son yıllarda hastalık nedeniyle Lev Nikolaevich piyanoya daha az yaklaşmaya başladı. “Çalışma” önceliği açısından, etkinliği açısından, denilebilir ki, gösterme yöntemi sözlü açıklayıcı olana kıyasla mükemmeldi. Ve bir veya başka bir performans tekniğinin klavyesinde belirli bir gösterinin “Oborints”e ses, teknik, pedal çevirme vb. Çalışmalarında yardımcı olduğu bile değil. Öğretmenin gösterileri-illüstrasyonları, performansının canlı ve yakın bir örneği – Bütün bunlar beraberinde daha önemli bir şey getiriyor. İkinci enstrümanda Lev Nikolaevich'i çalmak ilham piyanizmde yeni, daha önce bilinmeyen ufuklar ve bakış açıları açan müzikal gençlik, büyük bir konser sahnesinin heyecan verici aromasını solumalarına izin verdi. Bu oyun bazen “beyaz kıskançlığa” benzer bir şeyi uyandırdı: sonuçta, ortaya çıktı. as и o piyanoda yapılabilir... Eskiden Oborinsky piyanosunda bir veya daha fazla çalışmayı göstermek, öğrencinin gerçekleştirmesi en zor durumlara açıklık getirirdi, en karmaşık “Gordian düğümlerini” keserdi. Leopold Auer'in öğretmeni harika Macar kemancı J. Joachim hakkındaki anılarında satırlar var: so!” güven verici bir gülümseme eşliğinde. (Auer L. Keman çalma okulum. – M., 1965. S. 38-39.). Benzer sahneler genellikle Oborinsky sınıfında yaşandı. Piyanistik olarak karmaşık bir bölüm çalındı, bir "standart" gösterildi - ve ardından iki veya üç kelimelik bir özet eklendi: "Bence, yani..."

… Peki, Oborin nihayetinde ne öğretti? Pedagojik “adı” neydi? Yaratıcı etkinliğinin odak noktası neydi?

Oborin öğrencilerini müziğin mecazi ve şiirsel içeriğinin doğru, gerçekçi, psikolojik olarak ikna edici bir aktarımıyla tanıştırdı; bu onun öğretisinin alfa ve omegasıydı. Lev Nikolayevich derslerinde farklı şeyler hakkında konuşabilirdi, ancak tüm bunlar sonunda bir şeye yol açtı: öğrencinin bestecinin niyetinin en içteki özünü anlamasına, zihni ve kalbi ile gerçekleştirmesine, “ortak yazarlığa girmesine yardımcı olmak”. ” müzik yaratıcısı ile fikirlerini maksimum inanç ve ikna ile somutlaştırmak için. “İcracı yazarı ne kadar eksiksiz ve derinden anlarsa, gelecekte icracının kendisine inanma şansı o kadar artar”, bakış açısını defalarca dile getirdi, bazen bu düşüncenin ifadesini değiştirerek, ancak özünü değil.

Eh, yazarı anlamak - ve burada Lev Nikolayevich, onu yetiştiren okulla, Igumnov ile tam bir anlaşma içinde konuştu - Oborinsky sınıfında, eserin metnini mümkün olduğunca dikkatli bir şekilde deşifre etmek, onu tamamen “tüketmek” ve altta, sadece müzik notasyonundaki ana şeyi değil, aynı zamanda bestecinin düşüncesinin içinde sabitlenmiş en ince nüanslarını ortaya çıkarmak için. Bir keresinde bir öğrenci çemberinde “Müzik kağıdındaki işaretlerle tasvir edilen müzik, uyuyan bir güzeldir, hala büyüsünün bozulması gerekiyor” dedi. Metinsel doğruluk söz konusu olduğunda, Lev Nikolayevich'in öğrencileri için gereksinimleri en katıydı, hatta bilgiçlik değil: Oyunda yaklaşık hiçbir şey, alelacele, “genel olarak”, uygun titizlik ve doğruluk olmadan affedildi. “En iyi oyuncu, metni daha açık ve mantıklı bir şekilde aktarandır”, bu sözler (L. Godovsky'ye atfedilir) Oborin'in derslerinin çoğuna mükemmel bir epigraf olarak hizmet edebilir. Yazara karşı -yalnızca ruha karşı değil, aynı zamanda yorumlanan eserlerin harflerine karşı da- karşı herhangi bir günah, burada şok edici bir şey, bir icracının kötü davranışları olarak kabul edildi. Tüm görünüşüyle ​​Lev Nikolaevich, bu gibi durumlarda aşırı memnuniyetsizliğini dile getirdi ...

Görünüşe göre önemsiz tek bir dokulu ayrıntı, tek bir gizli yankı, bulamaç nota vb., profesyonelce keskin bakışlarından kaçmadı. İşitsel dikkatle vurgulayın herşey и herşey Oborin, yorumlanmış bir eserde özün belirli bir eseri “tanımak”, anlamak olduğunu öğretti. “Müzisyen için duymak - anlamına geliyor anlamak“, – derslerden birine düştü.

Genç piyanistlerde bireysellik ve yaratıcı bağımsızlığın dışavurumlarını takdir ettiğine şüphe yoktur, ancak bu niteliklerin özdeşleşmeye katkıda bulunduğu ölçüde. nesnel düzenlilikler müzik besteleri.

Buna göre Lev Nikolaevich'in öğrencilerin oyunu için gereksinimleri belirlendi. Ellili ve altmışlı yıllarda biraz akademik olan katı, saf bir zevke sahip bir müzisyen, performansta öznelci keyfiliğe kararlı bir şekilde karşı çıktı. Alışılmadık olduğunu iddia eden genç meslektaşlarının yorumlarında aşırı derecede akılda kalan, dışsal özgünlükle şok edici olan her şey, önyargı ve ihtiyatsız değildi. Bu nedenle, bir kez sanatsal yaratıcılığın sorunlarından bahseden Oborin, A. Kramskoy'u hatırladı ve onunla “ilk adımlardan itibaren sanatta özgünlük her zaman biraz şüphelidir ve geniş ve çok yönlü yetenekten ziyade darlık ve sınırlamayı gösterir. Başlangıçta derin ve hassas bir doğa, daha önce iyi yapılmış her şeye kapılmamak mümkün değil; bu tür doğaları taklit eder… "

Başka bir deyişle, Oborin'in öğrencilerinden, onların oyunlarında duymak istedikleri, şu terimlerle karakterize edilebilir: basit, mütevazı, doğal, samimi, şiirsel. Manevi yüceltme, müzik yapma sürecinde biraz abartılı ifade - tüm bunlar genellikle Lev Nikolayevich'i sarstı. Kendisi, söylendiği gibi, hem hayatta hem de sahnede, enstrümanda kısıtlandı, duygularda dengelendi; diğer piyanistlerin performansında yaklaşık olarak aynı duygusal “derece” ona hitap etti. (Her nasılsa, ilk çıkış yapan bir sanatçının çok mizaçlı oyununu dinledikten sonra, Anton Rubinstein'ın çok fazla duygu olmaması gerektiğini, bir duygunun yalnızca ılımlı olabileceği sözlerini hatırladı; eğer çok varsa, o zaman yanlıştır…) Duygusal tezahürlerde tutarlılık ve doğruluk, poetikada iç uyum, teknik icranın mükemmelliği, üslupsal doğruluk, titizlik ve saflık - bu ve benzeri performans nitelikleri, Oborin'in her zaman onaylayan tepkisini uyandırdı.

Onun sınıfında geliştirdiği şey, öğrencilerine kusursuz performans davranışları aşılayan, zarif ve incelikli bir müzik profesyonel eğitimi olarak tanımlanabilir. Aynı zamanda, Oborin, “bir öğretmen, ne kadar bilgili ve deneyimli olursa olsun, bir öğrenciyi doğası gereği olduğundan daha yetenekli yapamaz. Burada ne yapılırsa yapılsın, hangi pedagojik hileler kullanılırsa kullanılsın işe yaramayacaktır. Genç müzisyenin gerçek bir yeteneği var - er ya da geç kendini belli edecek, patlayacak; hayır, burada yardımcı olacak bir şey yok. Ne kadar büyük olursa olsun genç yeteneklerin altında her zaman sağlam bir profesyonellik temelinin atılmasının gerekli olduğu başka bir konu; onu müzikte (belki de sadece müzikte değil) iyi davranış normlarıyla tanıştırın. Zaten öğretmenin doğrudan bir görevi ve görevi vardır.

Olaylara böyle bir bakış açısında, büyük bir bilgelik, bir öğretmenin neler yapabileceğine ve nelerin kontrolünün ötesinde olduğuna dair sakin ve ölçülü bir farkındalık vardı…

Oborin, genç meslektaşları için uzun yıllar ilham verici bir örnek, yüksek sanatsal bir model olarak hizmet etti. Sanatını öğrendiler, onu taklit ettiler. Tekrar edelim, Varşova'daki zaferi daha sonra onu takip edenlerin çoğunu heyecanlandırdı. Oborin'in Sovyet piyanizminde bu öncü, temelde önemli rolü, kişisel çekiciliği, tamamen insani nitelikleri olmasa bile oynaması pek olası değildir.

Profesyonel çevrelerde buna her zaman büyük önem verilir; bu nedenle, birçok açıdan sanatçıya karşı tutum ve faaliyetlerinin kamusal yankısı. Ya, “Sanatçı Oborin ile adam Oborin arasında hiçbir çelişki yoktu” diye yazdı. Onu yakından tanıyan I. Zak. "Çok uyumluydu. Sanatta dürüst, hayatta kusursuz dürüsttü… Her zaman güler yüzlü, yardımsever, doğru sözlü ve samimiydi. Estetik ve etik ilkelerin ender bir birliği, yüksek sanat ve en derin edep karışımıydı. (Zak Ya. Parlak yetenek / / LN Oborin: Makaleler. Anılar. – M., 1977. S. 121.).

G. Tsypin