Orkestra |

Yunan orxestra'dan - antik tiyatronun yuvarlak, daha sonra yarım daire biçimli bir platformu, burada ritmik hareketler yaparak trajedi ve komedi korosu orxeomai'den - dans ediyorum

Müzik eserlerinin ortak icrasına yönelik çeşitli enstrümanlar çalan bir grup müzisyen.

Ser kadar. 18. yüzyıl "Oh" kelimesi. antik dönemde anlaşılmıştır. anlamda, bunu müzisyenlerin bulunduğu yerle ilişkilendirir (Walther, Lexikon, 1732). Sadece I. Mattheson'un “Yeniden Keşfedilen Orkestra” (“Das neu-eröffnete Orchestre”, 1713) çalışmasında “O” kelimesi. eski anlamla birlikte yeni bir anlam kazandı. Modern, ilk olarak JJ Rousseau tarafından Dictionary of Music'te (Dictionnaire de la musique, 1767) tanımlandı.

O.'nun birkaç sınıflandırma ilkesi vardır: Bunlardan en önemlisi, O.'nun öğretime göre bölümüdür. kompozisyon. Farklı grupların enstrümanları (senfonik O., estr. O.) ve homojen (örneğin, yaylı orkestra, bando, O. vurmalı çalgılar) dahil olmak üzere karışık kompozisyonlar arasında ayrım yapın. Homojen kompozisyonların kendi bölümleri vardır: örneğin, bir telli çalgı yaylı veya mızraklı çalgılardan oluşabilir; Wind O.'da, homojen bir bileşim ayırt edilir - bir bakır bileşimi ("çete") veya nefesli, bazen perküsyon ilavesiyle karıştırılır. Dr. O.'nun sınıflandırma ilkesi, ilham perilerindeki atanmalarından kaynaklanmaktadır. pratik. Örneğin, bir askeri bando var, estr. O. Özel bir O. türü çok sayıda ile temsil edilir. nat. topluluklar ve O. Nar. hem kompozisyon açısından homojen (domrovy O.) hem de karışık (özellikle mandolinler ve gitarlardan oluşan Napoliten orkestrası, taraf). Bazıları profesyonel oldu (VV Andreev tarafından yaratılan Büyük Rus Orkestrası, AI Petrosyants tarafından organize edilen O. Özbek halk enstrümanları ve diğerleri). O. nat için. Afrika ve Endonezya enstrümanları, örneğin perküsyon ağırlıklı bestelerle karakterize edilir. gamelan, O. davullar, O. ksilofonlar. Avrupa ülkelerinde en yüksek ortak enstrüman biçimi. performans senfonik hale geldi. O., yaylı, üflemeli ve vurmalı çalgılardan oluşmaktadır. Tüm dize bölümleri senfonide icra edilir. O. bütün bir grup tarafından (en az iki müzisyen); bu O. instr'den farklıdır. her müzisyenin otd çaldığı topluluk. Parti.

senfoni tarihi. O., 16-17. Yüzyılların başlarına kadar uzanır. Büyük aletler kolektifleri daha önce de vardı - antik çağda, Orta Çağ'da, Rönesans'ta. 15.-16. yüzyıllarda. kutlamalarda. vakalar toplandı topluluklar, to-rye tüm enstrüman ailelerini içeriyordu: yaylı ve telli teller, nefesli çalgılar ve pirinç, klavyeler. Ancak 17. yüzyıla kadar. düzenli olarak hareket eden topluluklar yoktu; müzik performansı şenliklere ve diğer etkinliklere göre zamanlandı. O.'nun modern görünüm. kelimenin anlamı, 16-17. Yüzyılların başında ortaya çıkmasıyla ilişkilidir. opera, oratoryo, solo wok gibi yeni homofonik müzik türleri. O.'nun vokal seslerin enstrümantal eşliği işlevini yerine getirmeye başladığı konser. Aynı zamanda, O. gibi kolektifler genellikle başka isimler taşıyordu. Evet, İtalyan. besteciler kon. 16 – yalvarmak 17. yüzyılda çoğunlukla “konser” (örneğin, “Concerti di voci e di stromenti” y M. Galliano), “şapel”, “koro” vb.

O.'nun gelişimi birçok kişi tarafından belirlendi. malzeme ve sanat. faktörler. Bunların arasında en önemli 3 tanesi var: orkun evrimi. enstrümanlar (yenilerinin icadı, eskilerin iyileştirilmesi, eski enstrümanların müzik pratiğinden kaldırılması), ork'un gelişimi. orkların tarihinin bağlantılı olduğu performans (yeni çalma yöntemleri, müzisyenlerin sahnedeki veya ork çukurundaki yeri, O.'nun yönetimi). kolektifler ve son olarak orkta bir değişiklik. bestecilerin zihni. Böylece O.'nun tarihinde malzeme ve müzik estetiği iç içe geçmiştir. Bileşenler. Bu nedenle, O.'nun kaderini düşündüğümüzde, enstrümantasyon veya ork tarihini kastetmiyoruz. stiller, O.'nun gelişiminin kaç tane maddi bileşeni var. O.'nun bu konudaki tarihi şartlı olarak üç döneme ayrılmıştır: O. yaklaşık 1600'den 1750'ye; A. 2. kat. 18 – yalvarmak 20. yüzyıl (yaklaşık olarak 1. Dünya Savaşı 1914-18'in başlamasından önce); O. 20. yüzyıl (I. Dünya Savaşı'ndan sonra).

O. döneminde 17 – 1. kat. 18. yüzyıl O., Rönesans'tan tını ve tessitura seçimi açısından zengin bir enstrümantasyon miras aldı. Ork sınıflandırmasının en önemli ilkeleri. 17. yüzyılın başındaki aletler şunlardı: 1) aletlerin fiziksel olarak bölünmesi. A. Agazzari ve M. Pretorius tarafından önerilen, sondaj yapan cismin teller ve rüzgarlara göre doğası; ikincisi ayrıca davulları da seçti. Bununla birlikte, Pretorius'a göre, örneğin, tellerin ilişkisi, tını ve ses üretiminde ne kadar farklı olursa olsun, "gerilmiş telli" tüm enstrümanları içerir - keman, keman, lir, lavta, arp, trompet, monokord, klavsen. , cembalo vb. 2) Aynı tür içindeki çalgıların boyutlarına göre belirlenen tessitura göre ayrılması. İnsan seslerine (soprano, alto, tenor, bas) karşılık gelen genellikle 4, bazen daha fazla tessitura çeşidi içeren homojen enstrüman aileleri bu şekilde ortaya çıktı. “Müzik Bilimi Yasası” nın (“Syntagma musicum”, bölüm II, 2) 1618. bölümündeki enstrüman tablolarında sunulmuştur. 16-17. Yüzyılların bestecileri. bu nedenle dallanmış yaylı çalgılar, üflemeler ve vurmalı çalgılar aileleri vardı. Tel aileleri arasında, viyoller (tiz, alto, büyük bas, kontrbas; özel çeşitler - viol d'amour, bariton, viyola-piç), lir (da braccio dahil), kemanlar (4 telli tiz , tenor, bas, 3 telli Fransızca - poşet, küçük tiz, dörtte bir daha yüksek akortlu), lavtalar (ud, theorbo, archilute, vb.). Flüt aletleri (boyuna flüt ailesi) üflemeli çalgılar arasında yaygındı; çift ​​kamışlı enstrümanlar: flüt (aralarında bir bas tokmaklıdan tiz bir boruya kadar bir grup bombardıman), çarpık boynuzlar - krummhorns; Kabartma aletleri: ahşap ve kemik çinko, trombonlar decomp. boyutlar, borular; perküsyon (timpani, çan setleri, vb.). Wok-enstr. 17. yüzyıl bestecilerinin düşüncesi kesin olarak tessitura ilkesine dayanmaktadır. Tiz tessitura'nın tüm sesleri ve enstrümanları ile alto, tenor ve bas tessitura enstrümanları uyum içinde birleştirildi (parçaları tek satıra kaydedildi).

En önemli özelliği 16-17. yüzyılların eşiğinde ortaya çıkmasıdır. homofonik tarzın yanı sıra homofonik-polifonik. harfler (JS Bach, GF Handel ve diğer besteciler), basso devam etti (bkz. Genel bas); bu bağlamda melodik ile birlikte. sesler ve enstrümanlar (keman, viyola, çeşitli üflemeli çalgılar) sözde ortaya çıktı. sürekli grup Aracın bileşimi değişti, ancak işlevi (bas ve eşlik eden çokgen uyumu gerçekleştirme) değişmeden kaldı. Operanın gelişiminin ilk döneminde (örneğin, İtalyan opera okulları), sürekli grup org, cembalo, lavta, theorbo ve arp'ı içeriyordu; 2. katta. 17. yüzyılda, içindeki aletlerin sayısı keskin bir şekilde azaldı. Bach, Handel, Fransız besteciler zamanında. Klasisizm bir klavye enstrümanı (kilise müziğinde - bir cembalo ile değişen bir org, laik türlerde - bir veya iki cembalo, operada bazen bir teorbo) ve bas - bir çello, bir kontrbas (Violono), genellikle bir fagot.

O. 1. kat için. 17. yüzyıl, birçok nedenden kaynaklanan kompozisyonların istikrarsızlığı ile karakterize edilir. Bunlardan biri çalgıların seçimi ve gruplandırılmasında Rönesans geleneklerinin yeniden gözden geçirilmesidir. Enstrümantasyon kökten güncellendi. Müziği bıraktılar. lavta, viyol, kemanlarla yer değiştirmiş - daha güçlü tonda çalgılar. Bombardımanlar nihayet yerini bas pommerden geliştirilen fagotlara ve tiz borudan yeniden oluşturulan obualara bıraktı; çinko gitti. Boyuna oluklar, ses gücünde onları aşan enine oluklarla yer değiştirir. Tessitura çeşitlerinin sayısı azaldı. Ancak bu süreç 18. yüzyılda bile bitmedi; örneğin, violino piccolo, viyoloncello piccolo gibi yaylıların yanı sıra ud, viola da gamba, viol d'amour Bach orkestrasında sıklıkla görülür.

Dr. kompozisyonların istikrarsızlığının nedeni, adv. opera binaları veya katedraller. Kural olarak, besteciler müziği genel kabul görmüş, istikrarlı beste için değil, tanımlanmış O. bestesi için yazdılar. tiyatro veya özel şapeller. Başlangıçta. Partisyonun başlık sayfasında 17. yüzyılda, yazıt genellikle "buone da cantare et suonare" ("şarkı söylemeye ve çalmaya uygun") şeklinde yapılmıştır. Monteverdi'nin mahkeme için yazdığı opera Orfeo'nun (1607) partisyonunda olduğu gibi, bazen bu tiyatroda bulunan beste, partisyonda veya başlık sayfasında sabitlendi. Mantua'da tiyatro.

Yeni estetikle ilişkili değişen araçlar. istekleri, iç değişime katkıda bulundu. organizasyonlar O. Orkun kademeli olarak stabilizasyonu. kompozisyonlar öncelikle modernin kökeni doğrultusunda ilerledi. bize ork kavramı. tını ve dinamik ile ilgili enstrümanları birleştiren bir grup. özellikler. Tını homojen yaylı yaylı grup grubunun farklılaşması - farklı boyutlarda kemanlar - öncelikle performans pratiğinde meydana geldi (ilk kez 1610'da Paris'in yaylı operası “24 Violins of the King”). 1660-85'te, Londra'da II. Charles Kraliyet Şapeli, 24 kemandan oluşan bir enstrüman olan Paris modeline göre düzenlendi.

Yaylı grubun viyola ve lavta (keman, viyola, çello, kontrbas) olmadan kristalleşmesi, 17. yüzyıl operasının en önemli fethiydi ve bu, öncelikle opera yaratıcılığına yansıdı. Purcell'in operası Dido ve Aeneas (1689), sürekli yaylı arp için yazılmıştır; Üçlü üflemeli enstrümanların eklenmesi - Lully (1673) tarafından Cadmus ve Hermione. Nefesli ve pirinç grupları henüz barok ortodokside şekillenmedi, ancak klarnetlere (flütler, obualar, fagotlar) ek olarak tüm ana nefesli çalgılar şimdiden O'ya dahil ediliyor. JB Lully'nin notalarında, bir rüzgar üçlüsü genellikle listelenir: 2 obua (veya 2 flüt) ve bir fagot ve F. Rameau'nun operalarında (“Castor ve Pollux, 1737) tamamlanmamış bir nefesli çalgılar grubudur: flütler, obualar, fagotlar. Bach'ın orkestrasında, 17. yüzyılın enstrümanlarına olan doğal çekiciliği. üflemeli çalgıların seçimini de etkiledi: eski obua çeşitleri - obua d`amore, oboe da caccia (modern İngiliz kornasının prototipi) bir fagotla veya 2 flüt ve bir fagotla birlikte kullanılır. Pirinç enstrümanların kombinasyonları da Rönesans tipi topluluklardan (örneğin, Scheidt'in Concertus Sacri'sindeki çinko ve 3 trombon) yerel pirinç-perküsyon gruplarına (Bach'ın Magnificat'ında 3 trompet ve timpani, kendi kantatında timpani ve boynuzlu 3 trompet) gelişir. 205). Miktar. O.'nun kompozisyonu o zamanlar henüz şekillenmemişti. Teller. grup bazen küçük ve eksikti, üflemeli çalgıların seçimi ise genellikle rastgeleydi (bkz. Tablo 1).

1. kattan. 18. yüzyılda bölünme gerçekleştirilmiştir. Müziğin sosyal işlevi, icra yeri, dinleyici ile bağlantılı kompozisyonlar. Kompozisyonların kilise, opera ve konser olarak ayrılması, kilise, opera ve oda stilleri kavramlarıyla da ilişkilendirildi. Bestelerin her birindeki enstrümanların seçimi ve sayısı hala büyük ölçüde dalgalanıyordu; yine de opera operası (Handel'in oratoryoları da opera binasında icra ediliyordu) genellikle konserden çok üflemeli çalgılarla doluydu. dif ile bağlantılı olarak. olay örgüsünde yaylılar, flütler ve obualar, trompetler ve timpani ile birlikte trombonlar sıklıkla mevcuttu (Monteverdi'nin Orpheus'undaki Cehennem Sahnesinde bir çinko ve trombon topluluğu kullanıldı). Ara sıra küçük bir flüt (Handel tarafından "Rinaldo") tanıtıldı; 17. yüzyılın son üçte birinde. bir korna belirir. Kiliseye. O. zorunlu olarak bir org içeriyordu (sürekli grupta veya bir konser enstrümanı olarak). Kiliseye. operasyonda O. Bach, yaylı çalgılar, nefesli çalgılar (flütler, obualar), bazen timpani'li borular, kornalar, trombonlar, koronun seslerini ikiye katlama (21 numaralı cantata) ile birlikte sıklıkla sunulur. Kilisede olduğu gibi opera O. yaratıklarında da öyle. rol, solo şarkıya eşlik eden zorunlu (bkz. Zorunlu) enstrümanlar tarafından oynandı: keman, çello, flüt, obua vb.

O.'nun konser kompozisyonu tamamen müzik çalmanın yerine ve doğasına bağlıydı. kutlamalar için. zarf barok törenler (taç giyme töreni, düğün), liturjik ile birlikte katedrallerde. müzik instr. mahkeme tarafından icra edilen konserler ve tantanalar. müzisyenler

laik özel hem opera binasında hem de açık havada - maskeli balolarda, geçit törenlerinde, havai fişeklerde, "suda" ve ayrıca aile şatolarının veya saraylarının salonlarında konserler verildi. Tüm bu tür konserler Aralık gerektiriyordu. O. besteleri ve sanatçı sayısı. Handel'in Londra'daki Green Park'ta 27 Nisan 1749'da icra ettiği “Music for Fireworks”te, yalnızca üflemeli ve vurmalı (en az 56 enstrüman); besteci, bir ay sonra Foundling Hastanesi'nde icra edilen konser versiyonunda 9 trompet, 9 korno, 24 obua, 12 fagot, vurmalı çalgıların yanı sıra yaylı çalgılar da kullandı. Gerçek konsantrasyonun geliştirilmesinde. O. en büyük rolü Barok döneminin konçerto grosso, solo konçerto, ork gibi türleri oynadı. süit. Bestecinin mevcut - genellikle küçük - besteye bağımlılığı burada da fark edilir. Bununla birlikte, bu çerçevede bile, besteci genellikle homofonik-polifonik konserlerin oda stili ile ilişkili özel virtüöz ve tını görevleri belirler. temel. Bunlar Bach'ın 6 Brandenburg Konçertosu'dur (1721), her biri solist-icracılardan oluşan bireyselleştirilmiş bir kompozisyona sahiptir ve tam olarak Bach tarafından listelenmiştir. Bazı durumlarda, besteci ayrışmayı belirtti. kompozisyon ad libitum varyantları (A. Vivaldi).

yaratıklar Barok dönem orkestrasının yapısı, çok korolu müziğin stereofonik (modern anlamda) ilkelerinden etkilenmiştir. Seslerin uzamsal olarak yan yana dizilmesi fikri 17. yüzyılda benimsenmiştir. korodan. 16. yüzyılın antifonal polifonisi. Birkaç koronun yeri. ve Enstr. büyük katedrallerin korolarındaki şapeller, sesliliğin mekansal bölünmesinin etkisini yarattı. Bu uygulama, G. Gabrieli'nin çalıştığı Venedik'teki St. Mark Katedrali'nde yaygın olarak kullanılmaya başlandı, onunla çalışan G. Schutz'un yanı sıra S. Scheidt ve diğer bestecilere de aşinaydı. Çok korolu wok.-enstr. geleneğinin aşırı bir tezahürü. Mektup, 1628'de Salzburg Katedrali'nde, 8 koronun aldığı şenlikli bir kitle olan O. Benevoli tarafından seslendirildi (çağdaşlarına göre, 12 tane bile vardı). Çok korolu konseptin etkisi sadece kült polifoniğe yansımadı. müzik (Bach'ın Matthew Passion'ı 2 koro ve 2 opera için yazılmıştır), aynı zamanda seküler türlerde de yazılmıştır. Konçerto grosso ilkesi, tüm icracı kitlesinin ayrıştırmayı gerçekleştiren iki eşit olmayan gruba bölünmesidir. fonksiyonlar: akordeon – solistlerden oluşan bir grup ve konçerto grosso (büyük konçerto) – eşlik eden bir grup, O. oratorio, opera (Handel)'de de kullanılmıştır.

1600-1750 döneminin O. müzisyenlerinin mizacı, yukarıda belirtilen tüm eğilimleri yansıtıyordu. 18. yüzyıl teorisyenleri tarafından verilen diyagramlar ve gravürler yargılamamıza izin verdiği sürece, O. müzisyenlerinin yeri daha sonra kullanılandan önemli ölçüde farklıydı. Müzisyenlerin opera binasında konaklaması, kons. salon veya katedral bireysel çözümler gerektiriyordu. Opera operasının merkezi, orkestra şefinin chambalo'su ve onun yanında bulunan yaylı baslar - çello ve kontrbastı. Bando şefinin sağında teller vardı. enstrümanlar, solda - cembalo'ya eşlik eden, ikinciye yakın toplanan rüzgar enstrümanları (üflemeli çalgılar ve kornalar). Dizeler de burada bulunuyordu. ikinci cembalo ile birlikte sürekli grubu oluşturan baslar, theorbo, fagotlar.

18. yüzyılda bir opera orkestrasında müzisyenlerin yeri. (kitaptan: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, s. 134).

Derinliğe (sağda) borular ve timpani yerleştirilebilir. Konser kompozisyonunda bando şefinin yanında solistlerin ön plana çıkması sesin dengesine katkı sağlamıştır. Böyle bir oturma düzeninin özelliği, uzamsal olarak ayrılmış birkaç ses kompleksi oluşturan enstrümanların işlevsel kombinasyonuydu: 2 sürekli grup, bir konçertoda, bazen bir operada bir akordeon grubu, 2 cembalos etrafında 2 büyük zıt grup (yaylılar, tahta olanlar). . Böyle bir yapı, çok aşamalı bir yönetim gerektiriyordu. Oyuncuların bir kısmı eşlik eden chambalo'yu, O. bir bütün olarak bando şefinin chambalo'sunu takip etti. İkili kontrol yöntemi de yaygın olarak kullanılmaktadır (bkz. Yürütme).

A. 2. kat. 18 – yalvarmak 20. yüzyıl O. bu tür çürümeyi kapsayan bu dönem. Viyana klasik okulu, romantizm, romantizmin üstesinden gelme gibi üslup olguları. eğilimler, izlenimcilik ve kendine ait olan birbirinden farklı birçok. Bununla birlikte, ulusal okulların evrimi, tek bir ortak süreçle karakterize edilir. Bu, orc'un gelişimidir. aparat, homofonik harmonik temelinde dikey olarak dokunun net bir şekilde bölünmesiyle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. düşünme Orkun fonksiyonel yapısında ifadesini buldu. kumaş (içinde melodi, bas, sürekli armoni, ork. pedal, kontrpuan, figürasyon işlevlerini vurgulayarak). Bu sürecin temelleri Viyana ilham perileri döneminde atılır. klasikler Sonunda bir ork yaratıldı. Rusça romantiklerin ve bestecilerin daha da gelişmesi için olduğu gibi başlangıç ​​​​noktası haline gelen aparat (hem enstrümanların bileşimi hem de iç işlevsel organizasyon açısından). okullar.

Olgunluğun en önemli işareti homofonik harmoniktir. orc trendleri müzik düşüncesi – 3. çeyrekte solup gidiyor. 18. yüzyıl basso sürekli grupları Cembalo ve organın eşlik eden işlevi, orc'un büyüyen rolüyle çatışmaya girdi. uyum. Giderek daha fazla uzaylı ork. çağdaşlar ayrıca klavsen tınısının ses çıkaracağını hayal ettiler. Bununla birlikte, yeni bir tür olan senfonilerde, basso sürekli (chembalo) işlevini yerine getiren bir klavye enstrümanı, erken dönemlerde Mannheim okulunun bazı senfonilerinde (J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih) hala oldukça yaygındır. J. Haydn'ın senfonileri. Kiliseye. Müzikte sürekli bas işlevi 90'lara kadar varlığını sürdürdü. 18. yüzyıl (Mozart'ın Requiem'i, Haydn'ın Kitleleri).

Viyana klasiğinin bestecilerinin eserlerinde. Okul, O.'nun kilise, tiyatro ve oda kompozisyonlarına bölünmesini baştan düşünüyor. 19. yüzyılda “kilise O.” aslında kullanılmaz hale geldi. "Oda" kelimesi, ork'a karşıt olarak topluluklara uygulanmaya başlandı. verim. Aynı zamanda operanın opera ve konser toplulukları arasındaki ayrım da büyük önem kazandı. O. operasının kompozisyonu zaten 18. yüzyıla aitse. araçların eksiksizliği ve çeşitliliği ile ayırt edilir, ardından gerçek kons. beste, senfoni türleri ve solo konçertonun kendisi emekleme aşamasındaydı ve yalnızca L. Beethoven ile sona eriyordu.

O.'nun bestelerinin kristalleşmesi, enstrümantasyonun yenilenmesine paralel olarak ilerledi. 2. katta. 18.yy'da estetikte meydana gelen değişim nedeniyle. müzikten idealler. pratikler ortadan kalktı. enstrümanlar - teorbolar, viyoller, obua d'amore, uzunlamasına flütler. O'nun tını ve tessitura ölçeğini zenginleştiren yeni enstrümanlar tasarlandı. 80'lerde operada her yerde bulunma. 18. yüzyıl, I. Denner tarafından tasarlanan (c. 1690) bir klarnet aldı. Klarnetin senfoniye girişi. O. başında bitti. 19. yüzyılda ahşap bir ruhun oluşumu. gruplar. Klarnetin bir alto çeşidi olan basset horn (corno di bassetto) kısa bir refah dönemi atlattı. Düşük bir ruh arayışı içinde. bas bestecileri kontrfagona (Haydn'ın oratoryosu) döndü.

2. katta. 18. yüzyılın bestecisi, O'nun mevcut bestesine hala doğrudan bağımlıydı. Genellikle erken klasik beste. 1760-70'ler. 2 obua, 2 korna ve yaylara indirgenmiştir. Avrupa'da birleşik değildi. O. ve tellerin içindeki enstrümanların sayısı. gruplar. zarf O., Krom'da 12'den fazla tel vardı. enstrümanlar, büyük kabul edildi. Bununla birlikte, 2. kattadır. Müziğin demokratikleşmesi ile bağlantılı olarak 18. yüzyıl. yaşam, O.'nun kararlı kompozisyonlarına olan ihtiyaç arttı. Şu anda, yeni sabit O., pl. Bunlardan daha sonra geniş çapta tanındı: Paris'te O. “Spiritüel Konserler” (konser ruhu), Leipzig'de O. Gewandhaus (1781), Paris'te konservatuarın O. Ob-va konserleri (1828). (bkz. tablo 2)

Rusya'da O.'nun yaratılmasındaki ilk adımlar sadece 2. yarıda atıldı. 17. yüzyılda 1672'de adv'nin yaratılmasıyla bağlantılı olarak. t-ra Moskova'ya yabancı davet edildi. müzisyenler Başlangıçta. 18. yüzyıl Peter, Rusya'ya alay müziği getirdim (bkz. Askeri Müzik). 30'larda. 18.yy Ruslarla birlikte tiyatro ve konser hayatı avluda gelişir. 1731'de St. Petersburg'da ilk mahkemenin eyaletleri kuruldu. O., yabancılardan oluşuyor. müzisyenler (onunla Rus öğrenciler vardı). Orkestrada yaylılar, flütler, fagotlar, trombonsuz bir pirinç grubu, timpani ve clavi-chambalos (toplam 40 kişiye kadar) vardı. 1735'te bir İtalyan St. Petersburg'a davet edildi. F. Araya liderliğindeki bir opera topluluğu, Ruslar O. adv. müzisyenler 2. katta. 18. yüzyıl O. 2 gruba ayrıldı: “ilk O'nun kamera müzisyenleri.” (devletlere göre 1791-47 kişi, eşlikçi K. Canobbio) ve "ikinci O. müzisyenler aynı balo salonu" (43 kişi, eşlikçi VA Pashkevich). İlk O. neredeyse tamamen yabancılardan, ikincisi ise Ruslardan oluşuyordu. müzisyenler Serfler yaygındı; bazıları son derece profesyoneldi. NP Sheremetev'in orkestrası (Ostankino ve Kuskovo'nun mülkleri, 43 müzisyen) büyük ün kazandı.

senfonik olarak. L. Beethoven'ın çalışması nihayet senfonilerin "klasik" veya "Beethovenian" kompozisyonunu kristalleştirdi. A: teller, nefesli çalgıların eşleştirilmiş bileşimi (2 flüt, 2 obua, 2 klarnet, 2 fagot), 2 (3 veya 4) korna, 2 trompet, 2 timpani (2. yüzyılın 19. yarısında küçük olarak sınıflandırıldı) kompozisyon sembolü O.). 9. senfoni (1824) ile Beethoven, büyük (modern anlamda) bir senfoni kompozisyonunun temelini attı. A: teller, ek enstrümanlarla nefesli çiftler (2 flüt ve küçük flüt, 2 obua, 2 klarnet, 2 fagot ve kontrfagot), 4 korno, 2 trompet, 3 trombon (ilk olarak 5. senfoninin finalinde kullanıldı), timpani , üçgen, ziller, bas davul. Neredeyse aynı anda. (1822) F. Schubert'in “Bitmemiş Senfonisi”nde de 3 trombon kullanılmıştır. 18. yüzyılın opera operalarında. sahne durumlarıyla bağlantılı olarak, konsantrasyona dahil olmayan enstrümanlar dahil edildi. A sembolünün bileşimi: pikolo, kontrfagot. Perküsyon grubunda timpaniye ek olarak ritmik çalgılar. işlev, kalıcı bir çağrışım ortaya çıktı, en sık doğu bölümlerinde (sözde Türk veya "Yeniçeri müziği") kullanıldı: bir bas davul, ziller, bir üçgen, bazen bir trampet (Gluck'un "Iphigenia in Tauris", "The Saraydan Kaçırma”, Mozart). Bölümde Bazı durumlarda çanlar (Glcckenspiel, Mozart'ın Sihirli Flütü), tamtomlar (Gosseca'nın Mirabeau'nun Ölümü için Cenaze Yürüyüşü, 1791) görünür.

19. yüzyılın ilk on yılları. ruhta radikal bir gelişme ile işaretlenmiştir. yanlış tonlama, renk eksikliği gibi eksiklikleri ortadan kaldıran enstrümanlar. pirinç aletlerin terazileri. Flüt ve daha sonra diğer tahta ruhlar. aletler bir valf mekanizmasıyla (T. Boehm'in icadı) donatıldı, doğal boynuzlar ve borular, ölçeklerini kromatik hale getiren bir valf mekanizmasıyla donatıldı. 30'larda. A. Sachs, bas klarneti geliştirdi ve yeni enstrümanlar (saksafonlar, saksafonlar) tasarladı.

Romantizm O.'nun gelişimine yeni bir ivme kazandırdı. Program müziğinin gelişmesiyle, manzara ve fantastik. opera unsuru, ork arayışı ön plana çıktı. renk ve drama. tını ifadesi. Aynı zamanda, besteciler (KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert) başlangıçta operanın çift kompozisyonu çerçevesinde kaldılar (çeşitlerin dahil olduğu operada: küçük bir flüt, bir İngiliz kornosu vb.). O.'nun kaynaklarının ekonomik kullanımı MI Glinka'nın doğasında var. O.'nun renk zenginliği dizeler temelinde elde edilir. rüzgar grupları ve çiftleri (ek enstrümanlarla); boynuzlara ve borulara trombon bağlar (3, nadiren 1). G. Berlioz, O.'nun yeni olanaklarını kullanma konusunda kararlı bir adım attı. Drama, ses ölçeği için artan talepleri sunan Berlioz, O'nun bestesini önemli ölçüde genişletti. Fantastik Senfoni'de (1830), telleri artırdı. partisyondaki icracı sayısını tam olarak belirten grup: en az 15 birinci ve 15 ikinci keman, 10 viyola, 11 çello, 9 kontrbas. Bu operasyonda besteci, vurgulanan programlanabilirliğiyle bağlantılı olarak, opera ve konser arasındaki eski katı ayrımdan uzaklaştı. sembol girerek kompozisyonlar. O. renkte çok karakteristik. planlama araçları, İngilizce olarak. korna, küçük klarnet, arp (2), çanlar. Bakır grubunun boyutu arttı, 4 korna, 2 trompet ve 3 trombonun yanı sıra 2 pistonlu kornet ve 2 ophicleides (daha sonra tubalarla değiştirildi) içeriyordu.

R. Wagner'in çalışması, O. Koloristich'in tarihinde bir çığır açtı. zaten Lohengrin'de bulunan doku yoğunluğunun aranması ve buna yönelik çaba, orkun artmasına neden oldu. üçlü bir kompozisyona kadar (genellikle 3 flüt veya 2 flüt ve bir küçük flüt, 3 obua veya 2 obua ve bir İngiliz kornosu, 3 klarnet veya 2 klarnet ve bas klarnet, 3 fagot veya 2 fagot ve kontrfagot, 4 boru, 3 trompet, 3 trombon, bas tuba, davul, yaylılar). 1840'larda modern oluşumunu tamamladı. 4 korna, 2-3 trompet, 3 trombon ve bir tubadan oluşan bakır grubu (ilk olarak Wagner tarafından Faust uvertüründe ve Tannhäuser operasında tanıtıldı). "Nibelung Yüzüğü"nde O., ilham perilerinin en önemli üyesi oldu. dram. Ana motif özelliklerinde ve drama arayışlarında tınının başrolü. ifade ve dinamikler. Sesin gücü, besteciyi O.'ya özel olarak farklılaştırılmış bir tını ölçeği sunmaya sevk etti (ahşap üflemeli çalgılar ve boruların tessitura çeşitlerini ekleyerek). Böylece O.'nun bileşimi dört katına çıktı. Wagner, bakır grubunu, kendi siparişine göre tasarlanmış dörtlü Fransız kornosu (veya "Wagner") tubalarıyla güçlendirdi (bkz. Tuba). Besteci tarafından virtüöz ork tekniğine yönelik talepler radikal bir şekilde arttı. müzisyenler

Wagner'in çizdiği yol (senfoni türünde A. Bruckner tarafından kısmen devam ettirildi) tek yol değildi. Eşzamanlı olarak Rus bestecilerden I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi'nin eserlerinde. Okul, "klasik" orkestrasyon çizgisini daha da geliştiriyor ve bir dizi romantik yeniden düşünüyordu. trendler. PI Çaykovski'nin orkestrasında psikolojik arayış. tınıların etkileyiciliği, ork'un son derece ekonomik kullanımıyla birleştirildi. para kaynağı. Genişletme ork reddediliyor. senfonilerde aparat (çift beste, genellikle 3 flüt dahil), besteci sadece program eserlerinde, daha sonra opera ve balelerde tamamlayıcıya yöneldi. ork renkleri. paletler (örneğin The Nutcracker'da İngiliz kornosu, bas klarnet, arp, celesta). NA Rimsky-Korsakov'un çalışmasında diğer görevler harika. renklendirme, görseller, besteciyi O.K ekinin hem ana hem de karakteristik tınılarını (ikili-üçlü ve üçlü kompozisyonların ötesine geçmeden) yaygın olarak kullanmaya sevk etti. enstrümanlara küçük klarnet, flüt ve trompetin alto çeşitleri eklendi, dekoratif ve süsleme işlevi taşıyan vurmalı çalgıların sayısı arttı, klavyeler tanıtıldı (Glinka geleneğine göre - fp., ayrıca org). Orkestranın Rusça tarafından benimsenen NA Rimsky-Korsakov tarafından yorumlanması. genç neslin bestecileri (yaratıcılığın erken döneminde AK Glazunov, AK Lyadov, IF Stravinsky), ork alanında bir etkiye sahipti. renk ve Batı Avrupa çalışmaları üzerine. besteciler – O. Respighi, M. Ravel.

20. yüzyılda tını düşüncesinin gelişmesinde önemli bir rol. C. Debussy'nin orkestrası çaldı. Renge olan ilginin artması, temanın işlevinin ayrı ayrı aktarılmasına yol açmıştır. motifler veya doku-arka plan ve renk. kumaş elemanlarının yanı sıra fonich'in kavranması. taraflar O. bir form faktörü olarak. Bu eğilimler, orkun ince ayrımını belirledi. faturalar.

Wagnerci eğilimlerin daha da gelişmesi, 19. ve 20. yüzyılların eşiğine yol açtı. sözde süper orkestranın bir dizi bestecinin (G. Mahler, R. Strauss; Mlada'da Rimsky-Korsakov, AN Scriabin ve ayrıca The Rite of Spring'de Stravinsky) eserlerindeki oluşumuna - kıyasla genişledi O. Mahler ve Scriabin'in dörtlü kompozisyonu, dünya görüşlerini ifade etmek için görkemli bir orkestra kompozisyonuna başvurdu. kavramlar. Bu eğilimin doruk noktası icracıydı. Mahler'in 8. senfonisinin bestesi (8 solist, 2 karma koro, erkek korosu, güçlendirilmiş telli O. senfonisinin beş bestesi, çok sayıda vurmalı ve süsleme enstrümanları ve bir org).

19. yüzyılda vurmalı çalgılar istikrarlı bir birliktelik oluşturmadı. 20. yüzyılın başlarına kadar perküsyon-dekorasyon grubu gözle görülür şekilde genişledi. Timpani'ye ek olarak, büyük ve trampetli davullar, tef, ziller, üçgen, kastanyetler, tom-tomlar, ziller, glockenspiel, ksilofon içeriyordu. Arp (1 ve 2), celesta, piyano ve org genellikle büyük O.'ya dahil edildi, daha az sıklıkla - "durum için enstrümanlar": bir çıngırak, bir rüzgar makinesi, bir fıçı tahtası vb. Ortada. ve con. 19. yüzyılda yeni orklar oluşmaya devam ediyor. topluluklar: New York Filarmoni Orkestrası (1842); Paris'teki orkestra Sütunu (1873); Bayreuth'taki Wagner Festivali Orkestrası (1876); Boston Orkestrası (1881); Paris'teki Lamoureux orkestrası (1881); Petersburg'daki Mahkeme Orkestrası (“Mahkeme Müzik Korosu”) (1882; şimdi O. Leningrad Filarmoni Akademik Senfonisi).

19. yüzyıl O.'da, Barok dönemin O.'sunun aksine, tek koroculuk hakimdir. Ancak Berlioz'un müziğinde çoklu koro yeniden uygulama buldu. Berlioz'un genişletilmiş büyük senfoniler için yazdığı “Requiem”inden Tuba mirum'da. O., sanatçılar 5 gruba ayrılır: senfoni. O. ve tapınağın köşelerinde yer alan 4 grup bakır alet. Operada (Mozart'ın Don Giovanni'sinden başlayarak) bu tür eğilimler de ortaya çıktı: O. “sahnede”, “sahne arkasında”, şarkıcıların ve enstrümanların sesleri. solo "sahne arkasında" veya "üst katta" (Wagner). Mekan çeşitliliği. sanatçıların yerleştirilmesi, G. Mahler'in orkestrasında gelişme buldu.

Müzisyenlerin oturma düzeninde O. 2. katta. 18. yüzyılda ve hatta 19. yüzyılda. Barok O'nun özelliği olan tını komplekslerinin parçalanması ve ayrılması kısmen korunmuştur. Bununla birlikte, 1775'te IF Reichardt, özü tınıların karıştırılması ve birleştirilmesi olan yeni bir oturma ilkesi ortaya koydu. Birinci ve ikinci kemanlar şefin sağına ve soluna tek sıra halinde yerleştirilmiş, viyolalar iki kısma ayrılarak bir sonraki sıra olan ruhu oluşturmuştur. aletler arkalarına derinlemesine yerleştirildi. Bu temelde, orkun yeri daha sonra ortaya çıktı. 19. ve 1. katta yayılan müzisyenler. 20. yüzyıl ve daha sonra “Avrupa” oturma düzeninin adını aldı: birinci kemanlar - şefin solunda, ikincisi - sağda, viyolalar ve çellolar - arkalarında, nefesli çalgılar - şefin solunda, pirinç – sağda (operada) veya iki sıra halinde: ilk ahşap, arkalarında – bakır (konserde), arkada – davullar, kontrbas (yukarıdaki şekle bakın).

O. 20. yüzyılda. (1. Dünya Savaşı 1914-18'den sonra).

20. yüzyıl yeni performans biçimleri ortaya koydu. uygulama O. Geleneksel ile birlikte. Radyo ve televizyon operaları ve stüdyo operaları, opera ve konser konserleri olarak ortaya çıktı. Ancak radyo ve opera opera ve senfoni konserleri arasındaki fark, işlevsel olanın yanı sıra sadece müzisyenlerin oturma düzenlerinde yatmaktadır. Senfonik kompozisyonlar. Dünyanın en büyük şehirlerinin şehirleri neredeyse tamamen birleşmiştir. Ve puanlar, Op için minimum dizi sayısını göstermeye devam etse de. büyük bir senfoni olan daha küçük O. tarafından da icra edilebilir. O. 20. yüzyıl, 80-100 (bazen daha fazla) müzisyenden oluşan bir ekip içerir.

20. yüzyılda O bileşimlerinin 2 evrim yolu birleştirilmiştir. Bunlardan biri geleneklerin daha da gelişmesiyle ilişkilidir. büyük sembol. A. Besteciler çift kompozisyona dönmeye devam ediyor (P. Hindemith, “Artist Mathis”, 1938; DD Shostakovich, Symphony No. 15, 1972). Geniş bir yer, genellikle eklemeler nedeniyle genişleyen üçlü bir kompozisyon tarafından işgal edildi. enstrümanlar (M. Ravel, "Çocuk ve Büyü" operası, 1925; SV Rachmaninov, "Senfonik Danslar", 1940; SS Prokofiev, senfoni No. 6, 1947; DD Shostakovich, senfoni No. 10, 1953; V. Lutoslavsky, senfoni 2, 1967). Besteciler genellikle dörtlü bir besteye de yönelirler (A. Berg, opera Wozzeck, 1925; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tchaikovsky, senfoni No 2, 1967).

Aynı zamanda, 20. yüzyılın başlarındaki yeni ideolojik ve stilistik eğilimlerle bağlantılı olarak bir oda orkestrası ortaya çıktı. Birçok semptomda. ve wok.-symp. besteler, büyük bir senfoninin bestesinin yalnızca bir kısmını kullanır. O. – sözde. O'nun normatif olmayan veya bireyselleştirilmiş kompozisyonu. Örneğin, Stravinsky'nin “Mezmurlar Senfonisi” (1930) adlı eserinde gelenekselden. çok sayıda klarnet, keman ve viyolaya el konulmuştur.

20. yüzyıl için perküsyon grubunun hızlı gelişimi karakteristiktir, to-rye kendilerini tam teşekküllü bir ork olarak ilan etti. dernek. 20-30'larda. vurmak. enstrümanlar sadece ritmik, renkli değil, aynı zamanda tematik olarak da emanet edilmeye başlandı. fonksiyonlar; dokunun önemli bir bileşeni haline geldiler. Bu bağlamda ilk defa davul grubu bağımsız olarak alınmıştır. simgede anlam. O., ilk başta normatif olmayan ve oda kompozisyonunun O.'sinde. Örnekler Stravinsky'nin The Story of a Soldier (1918), Bartók'un Music for Strings, Percussion and Celesta (1936) adlı eseridir. Perküsyon ağırlıklı veya yalnızca onlar için bir kompozisyon ortaya çıktı: örneğin, Stravinsky'nin solistlere ve bir koroya ek olarak 1923 piyano ve 4 perküsyon grubu içeren Les Noces (6); Varèse'nin (1931) "Ionization" adlı eseri yalnızca vurmalı çalgılar (13 icracı) için yazılmıştır. Perküsyon grubuna tanımsız enstrümanlar hakimdir. aralarında aynı türden farklı enstrümanlar (bir dizi büyük davul veya zil, gong, tahta blok vb.) bulunan perdeler yaygınlaştı. Tüm R. ve özellikle 2. kat. 20. yüzyıl hiti. grup, O.'nun hem normatif (“Turangalila”, Messiaen, 1946-48) hem de normatif olmayan kompozisyonlarında yay ve rüzgar gruplarıyla eşit bir konuma sahipti (“Antigone”, Orff, 1949; “Colors of the the Heavenly City”, piyano solosu, 3 klarnet, 3 ksilofon ve metal vurmalı çalgılar için Messiaen, 1963; Luke Passion, Penderecki, 1965). Bölümde Perküsyon grubunun kendisi de arttı. 1961'de Strasbourg'da bir özel etkinlik düzenlendi. perküsyon topluluğu (140 enstrüman ve çeşitli sondaj nesneleri).

O.'nun tını ölçeğini zenginleştirme arzusu epizodik hale geldi. sembole dahil edilmesi. Elektrikli aletler. 1928'de inşa edilen "Martenot dalgaları" (A. Honegger, "Joan of Arc at the stake", 1938; O. Messiaen, "Turangalila"), elektronyum (K. Stockhausen, "Prozession", 1967), iyonikler ( B. Tishchenko, 1. senfoni, 1961). Bir caz bestesine O.. 60-70'lerde yer verilmeye çalışılıyor. teyp kaydı, sesin bileşenlerinden biri olarak O.'nun aparatına tanıtılmaya başlandı (EV Denisov, The Sun of the Incas, 1964). K. Stockhausen (Mixtur, 1964), O.'nun kompozisyonunun böyle bir genişlemesini "canlı elektronik" olarak tanımladı. Senfonide tını yenileme arzusuyla birlikte. O. aletlerin canlanmasına yönelik eğilimler var ve otd. O. Barok ilkeleri. 1. çeyrekten itibaren 20. yüzyıl obua d'amore (C. Debussy, “Bahar Dansları”; M. Ravel, “Bolero”), basset horn (R. Strauss, “Electra”), viol d'amour (G. Puccini, “Chio -Chio-san”; SS Prokofiev, “Romeo ve Juliet”). 20. yüzyılda restorasyon ile bağlantılı olarak. Rönesans'ın müzik aletleri ve 15.-16. yüzyılların müzik aletleri gözden kaçmadı. (M. Kagel, “Music for Renaissance Instruments”, 1966; 23 icracı içerir, A. Pärt, “Tintinnabuli”, 1976). O. 20. yüzyılda. bulunan yansıma ve varyans bileşimi ilkesi. Ch. Ives, Cevapsız Kalan Soru (1908) oyununda O.'nun kompozisyonunun bir bölümünde bir değişiklik kullandı. Skorun öngördüğü O. grupları içinde özgür kompozisyon seçimi L. Kupkovich'in Ozveny'sinde sağlanmıştır. O'nun stereofonik konsepti daha da geliştirildi. O.'nun mekansal bölünmesindeki ilk deneyler Ives'e aittir (“Cevapsız Kalan Soru”, 4. Senfoni). 70'lerde. ses kaynaklarının çoğulluğu diff ile elde edilir. yollar. Tüm orkun bölünmesi. K. Stockhausen tarafından birkaç "koro" veya "grup" başına kütle (eskisinden farklı olarak - tını değil, uzamsal anlamda) kullanılır ("Gruplar", 3 O., 1957; "Kappe", 4 O. ve koro için) , 1960). O. “Grup” un (109 kişi) bileşimi, U şeklinde düzenlenmiş üç özdeş komplekse (her biri kendi iletkenine sahip) bölünmüştür; dinleyici koltukları orkestralar arasında oluşan boşluktadır. 3. The Last Shot (1967, BA Lavrenyov'un The Forty-First hikayesine dayanan) operasındaki Mattus, bir orkta bulunan üç O. kullandı. çukur, seyircilerin arkasında ve sahnenin arkasında. J. Xenakis “Terretektor”da (1966), büyük bir senfonik orkestranın 88 müzisyenini merkezdeki şefe göre ışın benzeri bir şekilde yerleştirdi; seyirci sadece O.'nun etrafında değil, konsolların arasında da müzisyenlerle karışarak duruyor. M. Kagel'in (1970) "Klangwehr" adlı eserinde ve AG Schnittke'nin (2) 1972. senfonisinde "hareketli stereofoni" (müzisyenlerin icra sırasında enstrümanlarla hareketi) kullanılmıştır.

Tablo 3.

Kullanırken O. müzisyenler için kişiye özel oturma düzeni kullanılmaktadır. operasyon normatif olmayan kompozisyon; bu durumlarda besteci partisyonunda uygun göstergeler yapar. O.'nun normal kullanımı sırasında 1. katta tek bir monokorik kompleks olarak. 20. yüzyılda yukarıda açıklanan “Avrupa” oturma düzeni vardı. 1945'ten beri, L. Stokowski tarafından tanıtılan sözde "sözde" sistem yaygın olarak kullanılmaya başlandı. Amr. oturma Orkestra şefinin solunda 1. ve 2. kemanlar, sağında çello ve viyolalar, arkasında kontrbaslar, ortada üflemeli çalgılar, tellerin arkasında davullar, piyanist açık. sol.

Yüksek "Amer" siciline sahip tellerin sesinde daha fazla sağlamlık sağlamak. bazı kondüktörlerin görüşüne göre oturma düzeni onsuz değildir ve reddedilmiştir. yan taraflar (örneğin, birbirinden uzakta bulunan çello ve kontrbasın işlevsel temasını zayıflatmak). Bu bağlamda, müzisyen O.'nun senfoni eserinin yerini “Avrupalı” olarak restore etme eğilimleri vardır. O. stüdyo koşullarında (radyo, televizyon, kayıt) bir dizi özellik ortaya koyuyor. oturma gereksinimleri. Bu durumlarda, ses dengesi sadece orkestra şefi tarafından değil, aynı zamanda tonemaster tarafından da düzenlenir.

O.'nun 20. yüzyılda yaşadığı değişikliklerin çok radikalliği, onun hâlâ yaşayan bir yaratıcılık aracı olduğu gerçeğine tanıklık ediyor. bestecilerin iradesi ve hem normatif hem de güncellenmiş (normatif olmayan) kompozisyonunda verimli bir şekilde gelişmeye devam ediyor.

Referanslar: Albrecht E., Orkestranın dünü ve bugünü. (Müzisyenlerin sosyal statüsü üzerine deneme), St. Petersburg, 1886; Eski Rusya'nın müzik ve müzik hayatı. CO., L., 1927; Pindeizen Nick., Eski çağlardan 2. yüzyılın sonuna kadar Rusya'da müzik tarihi üzerine yazılar, (cilt 1928), M.-L., 29-2; Müzik tarihi üzerine materyaller ve belgeler, cilt. 1934 - XVIII yüzyıl, ed. MV Ivanov-Boretsky. Moskova, 1. Shtelin Jakob von, Izvestiya o musik v Rossii, çev. Almanca'dan, Cts'de: Müzikal miras, no. 1935, M., 1935; onu, 1961. Yüzyılda Rusya'da Müzik ve Bale, çev. German., L., 1969'dan; Rogal-Levitsky DR, Orkestra hakkında konuşmalar, M., 1969; Barsova IA, Orkestra hakkında kitap, M., 1971; Blagodatov GI, Senfoni orkestrasının tarihi, L., 1973; 1973-3. Yüzyıllarda Batı Avrupa'nın Müzikal Estetiği, Sat, der. VP Shestakov, (M., 1975); Levin S.Ya., Müzik kültürü tarihinde üflemeli çalgılar, L., XNUMX; Fortunatov Yu. A., Orkestra stillerinin tarihi. Müzik üniversitelerinin müzikoloji ve bestecilik fakülteleri programı, M., XNUMX; Zeyfas HM, Barok müzikte büyük konçerto, içinde: Problems of Musical Science, vol. XNUMX, M., XNUMX.

IA Barsova