Boris Yoffe |

Boris Yoffe

Besteci, kemancı, orkestra şefi ve öğretmen Boris Yoffe'nin eseri elbette akademik müzik hayranlarının özel ilgisini hak ediyor, modern bestecilik düşüncesinin en iyi örnekleri arasında yer alıyor. Joffe'nin bir besteci olarak başarısı, müziğini kimin icra ettiği ve kaydettiği ile değerlendirilebilir. İşte Yoffe'nin müziğinin tanınmış sanatçılarının eksik bir listesi: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann ve diğerleri. Manfred Aicher, ECM etiketiyle Boris Yoffe'nin Hilliard Ensemble ve Rosamunde Quartet tarafından icra edilen Song of Songs CD'sini yayınladı. Wolfgang Rihm, Joffe'nin çalışmalarını defalarca övdü ve Song of Songs diskinin kitapçığı için metnin bir kısmını yazdı. Bu yılın Temmuz ayında, Wolke yayınevi Almanca bir makale kitabı ve Boris Joffe'nin “Müzikal Anlam” (“Musikalischer Sinn”) adlı bir makalesini yayınladı.

Görünüşe göre Joffe oldukça başarılı bir besteci olarak kabul edilebilir, müziğinin birçok kişi tarafından sıklıkla duyulduğu ve bilindiği düşünülebilir. Gerçek duruma bir göz atalım. Yoffe'nin müziği çağdaş müzik festivallerinde çok mu çalıyor? Hayır, hiç ses çıkarmıyor. Neden, aşağıda cevaplamaya çalışacağım. Radyoda ne sıklıkla çalıyor? Evet, bazen Avrupa'da - özellikle “Şarkıların Şarkısı” - ancak tamamen Boris Yoffe'nin çalışmalarına adanmış neredeyse hiçbir program yoktu (İsrail hariç). Çok konser var mı? Bunlar çeşitli ülkelerde – Almanya, İsviçre, Fransa, Avusturya, ABD, İsrail, Rusya – Yoffe'nin müziğini takdir edebilen müzisyenler sayesinde oluyor ve gerçekleşiyor. Ancak, bu müzisyenlerin kendileri “yapımcı” olarak hareket etmek zorunda kaldılar.

Boris Yoffe'nin müziği henüz çok iyi bilinmiyor ve belki de sadece şöhret yolunda (insanın sadece umut etmesi ve “belki” demesi gerekiyor, çünkü tarihte en iyisinin bile takdir edilmediği birçok örnek vardı. çağdaşları tarafından). Joffe'nin müziğini ve kişiliğini tutkuyla takdir eden müzisyenler - özellikle kemancı Patricia Kopatchinskaya, piyanist Konstantin Lifshitz ve gitarist Augustin Wiedenman - müziğini sanatlarıyla konserlerde ve kayıtlarda talep ediyorlar, ancak bu binlerce konser okyanusunda sadece bir damla.

Boris Yoffe'nin müziğinin özellikle çağdaş müzik festivallerinde neden nadiren duyulduğu sorusuna cevap vermeye çalışmak istiyorum.

Sorun, Yoffe'nin çalışmasının herhangi bir çerçeveye ve yöne uymamasıdır. Burada, Boris Yoffe'nin ana çalışması ve yaratıcı keşfi - “Kuartetler Kitabı” hakkında hemen söylemek gerekiyor. 90'lı yılların ortalarından beri tempo, dinamik veya agojik belirtiler olmaksızın tek bir müziğe uyan dörtlü bir parçadan günlük olarak yazıyor. Bu oyunların türü “şiir” olarak tanımlanabilir. Bir şiir gibi, her parça okunmalı (yani müzisyen müziğin temposunu, agojiklerini ve dinamiklerini belirlemelidir) ve sadece çalınmamalıdır. Modern müzikte böyle bir şey bilmiyorum (aleatorik sayılmaz), ama eski müzikte her zaman (Bach'ın Füg Sanatı'nda, tempo ve dinamiklerden bahsetmiyorum bile, enstrümanlar için semboller bile yok) . Ayrıca, Yoffe'nin müziğini açık bir üslup çerçevesine “zorlamak” zordur. Bazı eleştirmenler, elbette çok garip görünen Reger ve Schoenberg'in (İngiliz yazar ve libretto yazarı Paul Griffiths) gelenekleri hakkında yazıyor! - diğerleri Cage ve Feldman'ı hatırlıyor - ikincisi, Yoff'ta yakın ve kişisel bir şey gören Amerikan eleştirisinde (Stephen Smolyar) özellikle dikkat çekiyor. Eleştirmenlerden biri şunları yazdı: “Bu müzik hem tonal hem de atonal” - bu tür olağandışı ve standart olmayan duyumlar dinleyiciler tarafından deneyimleniyor. Bu müzik, Lachenman veya Fernyhow'dan olduğu kadar Pärt ve Silvestrov'un “yeni sadeliği” ve “yoksulluğu”ndan da uzaktır. Aynı şey minimalizm için de geçerli. Yine de Joffe'nin müziğinde onun sadeliği, yeniliği ve hatta bir tür “minimalizm” görülebilir. Bu müziği bir kez duyduktan sonra, artık başka bir müzikle karıştırılamaz; bir insanın kişiliği, sesi ve yüzü kadar eşsizdir.

Boris Yoffe'nin müziğinde ne yok? Siyaset yok, “güncel sorunlar” yok, gazete ve anlık hiçbir şey yok. İçinde hiçbir ses ve bol üçlü yoktur. Bu tür müzik, biçimini ve düşüncesini belirler. Tekrar ediyorum: Joffe'nin müziğini çalan bir müzisyen notaları okuyabilmeli, onları çalabilmeli, çünkü bu tür müzikler suç ortaklığı gerektirir. Ancak dinleyicinin de katılması gerekir. Böyle bir paradoks ortaya çıkıyor: Görünüşe göre müzik zorlama ve normal notalarla nefes almıyor, ancak müziği özellikle dikkatli bir şekilde dinlemeli ve dikkatiniz dağılmamalı - en azından bir dakikalık bir dörtlü sırasında. O kadar da zor değil: büyük bir uzman olmanıza gerek yok, bir teknik veya konsept hakkında düşünmenize gerek yok. Boris Yoffe'nin müziğini anlamak ve sevmek için, müziği doğrudan ve duyarlı bir şekilde dinleyebilmeli ve ondan devam edebilmeli.

Biri Joffe'nin müziğini suyla, bir başkası da ekmekle, her şeyden önce yaşam için gerekli olanla karşılaştırdı. Şimdi çok fazla aşırılık, bu kadar çok lezzet var, ama neden susadınız, neden çölde Saint-Exupery gibi hissediyorsunuz? Binlerce “şiir” içeren “Kuartetler Kitabı” sadece Boris Yoffe'nin çalışmalarının merkezi değil, aynı zamanda orkestral, oda ve vokal gibi diğer birçok eserinin de kaynağıdır.

İki opera da birbirinden ayrıdır: Yidiş dilinde Haham Nachman'a dayanan “Haham ve Oğlunun Hikayesi” (librettoyu yazarken ünlü şair ve çevirmen Anri Volokhonsky katıldı) ve büyük Fransızca'nın orijinal metnine dayanan “Esther Racine”. oyun yazarı. Her iki opera da oda topluluğu için. Daha önce hiç icra edilmemiş olan “Rabbi” (giriş hariç), modern ve eski enstrümanları farklı akortlarda birleştirir. Esther, dört solist ve küçük bir barok topluluk için yazılmıştır. 2006 yılında Basel'de sahnelenmiştir ve ayrıca belirtilmelidir.

“Esther Racina”, Rameau'ya bir övgüdür (saygı). Öyle görünüyor ki, Stravinsky'nin Esther'in karşılaştırılabileceği Oidipus Rex'inden bu yana böyle bir şey olmadı. Stravinsky'nin opera-oratoryosu gibi, Esther de tek bir müzik dönemiyle sınırlı değildir - kişisel olmayan bir pastiş değildir. Her iki durumda da yazarlar, estetikleri ve müzik fikirleri mükemmel bir şekilde tanınabilir. Ancak, farklılıkların başladığı yer burasıdır. Stravinsky'nin operası genellikle Stravinsky'ye ait olmayan müziği çok az dikkate alır; daha ilginç olan, barok geleneğin türünün anlaşılmasından çok, onun armonisinden ve ritminden gelen şeydir. Bunun yerine Stravinsky, klişeleri, türlerin ve biçimlerin “fosillerini”, kırılıp bu parçalardan oluşturulabilecek şekilde kullanır (Picasso'nun resimde yaptığı gibi). Boris Yoffe hiçbir şeyi bozmuyor, çünkü onun için barok müziğin bu türleri ve biçimleri fosil değil ve onun müziğini dinlerken, müzik geleneğinin canlı olduğuna da ikna olabiliriz. Bu size... ölülerin dirilişi mucizesini hatırlatmıyor mu? Sadece, gördüğünüz gibi, bir mucize kavramı (ve hatta dahası hissi) modern insanın yaşam alanının dışındadır. Horowitz'in notlarında yakalanan mucizenin artık bayağı olduğu görülüyor ve Chagall'ın mucizeleri safça karalamalar. Ve her şeye rağmen: Schubert, Horowitz'in yazılarında yaşamaya devam ediyor ve ışık, Aziz Stephen Kilisesi'ni Chagall'ın vitray pencerelerinden dolduruyor. Joffe'nin sanatında her şeye rağmen Yahudi ruhu ve Avrupa müziği vardır. “Esther”, harici bir karakterin veya “parlak” güzelliğin herhangi bir etkisinden tamamen yoksundur. Racine'in dizeleri gibi, müzik de sade ve zariftir, ancak bu zarif sadelik içinde, bir dizi ifade ve karaktere özgürlük verilir. Esther'in vokal bölümünün kıvrımları ancak güzel imparatoriçeye, onun narin ve görkemli omuzlarına ait olabilir… Mandelstam gibi: “… Herkes dik omuzlu kutsanmış eşler söyler…” Aynı zamanda, bu kıvrımlarda acıyı, titremeyi, tüm sesleri duyarız. uysallığın gücü, inanç ve sevgi, aldatma, kibir ve nefret. Muhtemelen hayatta öyle değil ama en azından sanatta göreceğiz ve duyacağız. Ve bu bir aldatmaca değil, gerçeklikten bir kaçış değil: uysallık, inanç, aşk - insani olan bu, içimizde bulunan en iyi şey, insanlar. Sanatı seven herkes onun içinde yalnızca en değerli ve saf olanı görmek ister ve zaten dünyada yeterince pislik ve gazete var. Ve bu değerli şeye uysallık mı, güç mü yoksa aynı anda her ikisi de mi denmesi önemli değil. Boris Yoffe, sanatıyla, Esther'in 3. perdeden monologunda güzellik fikrini doğrudan dile getirdi. Monologun malzeme ve müzik estetiğinin, bestecinin sadece kendisi için gerekli gördüğü şeyleri yaptığı ana eseri olan “Kuartetler Kitabı”ndan gelmesi tesadüf değildir.

Boris Yoffe, 21 Aralık 1968'de Leningrad'da bir mühendis ailesinde doğdu. Sanat, Yoffe ailesinin hayatında önemli bir yer işgal etti ve küçük Boris, edebiyat ve müziğe oldukça erken katılabildi (kayıtlar aracılığıyla). 9 yaşında, bir müzik okuluna devam ederek keman çalmaya başladı, 11 yaşında, müziği anlamlılığı ile dinleyicileri şaşırtan 40 dakika süren ilk dörtlüsünü besteledi. 8. sınıftan sonra Boris Yoffe, keman sınıfında müzik okuluna girdi (ped. Zaitsev). Aynı zamanda, Joffe için önemli bir toplantı gerçekleşti: Adam Stratievsky'den teoride özel dersler almaya başladı. Stratievsky, genç müzisyeni yeni bir müzik anlayışı düzeyine getirdi ve ona birçok pratik şey öğretti. Joffe, muazzam müzikalitesiyle (hassas bir mutlak kulak, hafıza ve en önemlisi müzik için dinmeyen bir aşk, müzikle düşünme) bu buluşmaya hazırdı.

Sonra Sovyet ordusunda hizmet ve 1990'da İsrail'e göç oldu. Tel Aviv'de Boris Yoffe Müzik Akademisine girdi. Rubin ve A. Stratievsky ile çalışmalarına devam etti. 1995 yılında Dörtlüler Kitabı'nın ilk parçaları yazıldı. Estetikleri, hala ordudayken yazılan dize üçlüsü için kısa bir parçada tanımlandı. Birkaç yıl sonra, dörtlü ilk disk kaydedildi. 1997'de Boris Joffe, karısı ve ilk kızıyla birlikte Karlsruhe'ye taşındı. Orada Wolfgang Rihm ile çalıştı, orada iki opera yazıldı ve dört disk daha yayınlandı. Joffe bugüne kadar Karlsruhe'de yaşıyor ve çalışıyor.