Lev Nikolayeviç Vlasenko |

Lev Vlasenko

Müzik dünyasının önünde özel değerleri olan şehirler var, örneğin Odessa. Savaş öncesi yıllarda konser sahnesine kaç parlak isim bağışlandı. Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze ve bir dizi önde gelen müzisyenin doğum yeri olan Tiflis'in gurur duyulacak bir şeyi var. Lev Nikolaevich Vlasenko da sanatsal yoluna, uzun ve zengin sanatsal geleneklere sahip bir şehir olan Gürcistan'ın başkentinde başladı.

Geleceğin müzisyenlerinde sıklıkla olduğu gibi, ilk öğretmeni bir zamanlar Tiflis Konservatuarı'nın piyano bölümünde kendi kendine öğretmenlik yapan annesiydi. Bir süre sonra Vlasenko, ünlü Gürcü öğretmen Anastasia Davidovna Virsaladze'ye gider, mezun olur, sınıfında on yıllık bir müzik okulunda, ardından konservatuarın ilk yılında okur. Ve birçok yeteneğin yolunu izleyerek Moskova'ya taşınır. 1948'den beri Yakov Vladimirovich Flier'in öğrencileri arasında yer alıyor.

Bu yıllar onun için kolay değil. Aynı anda iki yüksek eğitim kurumunun öğrencisidir: konservatuara ek olarak, Vlasenko Yabancı Diller Enstitüsünde okuyor (ve eğitimini zamanında başarıyla tamamlıyor); Piyanist, İngilizce, Fransızca ve İtalyanca bilmektedir. Yine de genç adamın her şeye yetecek kadar enerjisi ve gücü var. Konservatuarda öğrenci partilerinde giderek daha fazla performans sergiliyor, adı müzik çevrelerinde biliniyor. Ancak ondan daha fazlası bekleniyor. Gerçekten de, 1956'da Vlasenko, Budapeşte'deki Liszt Yarışmasında birincilik ödülünü kazandı.

İki yıl sonra tekrar müzisyenler yarışmasına katılıyor. Piyanist bu kez Moskova'daki evinde Birinci Uluslararası Çaykovski Yarışması'nda ikincilik ödülünü kazandı ve arkasında yalnızca o zamanlar muazzam yeteneğinin zirvesinde olan Van Cliburn'ü bıraktı.

Vlasenko şöyle diyor: “Konservatuardan mezun olduktan kısa bir süre sonra Sovyet Ordusu saflarına alındım. Yaklaşık bir yıl enstrümana dokunmadım - tamamen farklı düşünceler, eylemler, endişelerle yaşadım. Ve tabii ki, müzik için oldukça nostaljik. Terhis olduğumda, üç kat enerji ile çalışmaya başladım. Görünüşe göre, oyunculuğumda bir tür duygusal tazelik, harcanmamış sanatsal güç, sahne yaratıcılığına susuzluk vardı. Her zaman sahnede yardımcı olur: o zamanlar bana da yardımcı oldu.

Piyanist, kendisine şu sorunun sorulduğunu söylüyor: Budapeşte'de mi yoksa Moskova'da mı sınavlardan hangisinde daha zor zamanlar geçirdi? Bu tür durumlarda “Tabii Moskova'da” diye yanıtladı, “Ülkemizde ilk kez oynadığım Çaykovski Yarışması düzenlendi. Ilk - Bu herşeyi açıklıyor. Büyük ilgi uyandırdı - hem Sovyet hem de yabancı en önde gelen müzisyenleri jüride bir araya getirdi, en geniş izleyici kitlesini kendine çekti, radyo, televizyon ve basının ilgi odağı oldu. Bu yarışmada çalmak son derece zor ve sorumluydu - piyanoya her giriş çok fazla sinir gerginliğine değerdi … "

Saygın müzik yarışmalarındaki zaferler - ve Vlasenko'nun Budapeşte'de kazandığı "altın" ve Moskova'da kazandığı "gümüş" büyük zaferler olarak kabul edildi - ona büyük sahnenin kapılarını açtı. Profesyonel bir konser sanatçısı olur. Hem yurtiçinde hem de diğer ülkelerdeki performansları çok sayıda dinleyicinin ilgisini çekiyor. Bununla birlikte, değerli ödüllü regalia'nın sahibi olan bir müzisyen olarak kendisine sadece ilgi gösterilmez. En başından beri ona karşı tutum farklı belirlenir.

Hayatta olduğu gibi sahnede de evrensel sempatiden hoşlanan doğalar vardır - doğrudan, açık, samimi. Aralarında bir sanatçı olarak Vlasenko. Ona her zaman inanırsınız: Bir yapıtı yorumlama konusunda tutkuluysa, gerçekten tutkuludur, heyecanlıdır – çok heyecanlıdır; değilse, saklayamaz. Sözde performans sanatı onun alanı değil. Hareket etmez ve dağılmaz; sloganı şu olabilir: "Düşündüğümü söylüyorum, nasıl hissettiğimi ifade ediyorum." Hemingway'in kahramanlarından birini karakterize ettiği harika sözleri var: "İçten gerçekten insanca güzeldi: gülümsemesi tam kalbinden ya da bir kişinin ruhu denen şeyden geliyordu ve sonra neşeyle ve açıkça ortaya çıktı. yüzey , yani yüzü aydınlattı ” (Hemingway E. Nehrin ötesinde, ağaçların gölgesinde. – M., 1961. S. 47.). Vlasenko'yu en iyi anlarında dinlerken, bu sözleri hatırlıyorsunuz.

Bir piyanistle tanışan seyirciyi etkileyen bir şey daha var: Sahnesi. sosyallik. Kendini sahneye kapatan, heyecandan içine kapanan az mı var? Diğerleri soğuktur, doğası gereği ölçülüdür, bu sanatlarında kendini hissettirir: yaygın bir ifadeye göre çok "sosyal" değillerdir, dinleyiciyi sanki kendilerinden uzakta tutuyorlar. Vlasenko ile, yeteneğinin özellikleri nedeniyle (sanatsal veya insani), sanki kendi başına seyirciyle iletişim kurmak kolaydır. Onu ilk kez dinleyen insanlar bazen şaşkınlıklarını dile getiriyorlar - onun bir sanatçı olarak uzun zamandır ve iyi tanıdıkları izlenimi var.

Vlasenko'nun öğretmeni Profesör Yakov Vladimirovich Flier'i yakından tanıyanlar, pek çok ortak yönleri olduğunu iddia ediyorlar - parlak bir pop mizacı, duygusal dışa vurumların cömertliği, cesur, kapsamlı bir çalma tarzı. Gerçekten öyleydi. Vlasenko'nun Moskova'ya vardıktan sonra Flier'in öğrencisi ve en yakın öğrencilerden biri olması tesadüf değil; daha sonra ilişkileri arkadaşlığa dönüştü. Ancak iki müzisyenin yaratıcı doğalarının akrabalığı, repertuarlarından bile belliydi.

Konser salonlarının eski zamanlayıcıları, Flier'in bir zamanlar Liszt'in programlarında nasıl parladığını çok iyi hatırlıyor; Vlasenko'nun da Liszt'in çalışmalarıyla (1956'da Budapeşte'de düzenlenen yarışma) ilk çıkışını yapmasında bir model var.

Lev Nikolaevich, "Bu yazarı seviyorum," diyor, "gururlu sanatsal duruşu, asil dokunaklılığı, muhteşem romantizm togası, hitabet tarzı ifade. Öyle oldu ki, Liszt'in müziğinde kendimi her zaman kolayca bulmayı başardım ... Küçük yaşlardan itibaren onu özel bir zevkle çaldığımı hatırlıyorum.

Ancak Vlasenko, sadece başladı Liszt'ten büyük konser sahnesine giden yol. Ve bugün, yıllar sonra, bu bestecinin eserleri - etütler, rapsodiler, transkripsiyonlar, "Yıllar Gezintiler" döngüsünden sonatlar ve diğer büyük formlu eserler gibi programlarının merkezinde yer alıyor. Bu nedenle, 1986/1987 sezonunda Moskova'nın filarmoni hayatında dikkate değer bir olay, Vlasenko'nun Liszt'in hem piyano konçertoları “Dance of Death” hem de “Fantasy on Macar Temaları” nı icra etmesiydi; M. Pletnev yönetimindeki bir orkestra eşliğinde. (Bu akşam, bestecinin 175. doğum yıldönümüne ithaf edilmiştir.) Seyircinin başarısı gerçekten büyüktü. Şaşılacak bir şey yok. Pırıl pırıl piyano cesareti, genel ton coşkusu, yüksek sahne "konuşması", fresk, güçlü çalma stili - tüm bunlar Vlasenko'nun gerçek unsuru. Burada piyanist kendisi için en avantajlı yönden ortaya çıkıyor.

Aynı yazarın öğretmeni Rachmaninov'a yakın olduğu gibi, Vlasenko'ya daha az yakın olmayan başka bir yazar var. Vlasenko'nun posterlerinde piyano konçertoları, prelüdler ve diğer Rachmaninoff parçalarını görebilirsiniz. Bir piyanist "vuruşta" olduğunda, bu repertuarda gerçekten iyidir: seyirciyi geniş bir duygu seli ile doldurur, eleştirmenlerden birinin ifadesiyle, keskin ve güçlü tutkularla "bunaltır". Rachmaninov'un piyano müziğinde çok büyük bir rol oynayan Vlasenko'ya ve kalın, “çello” tınılarına ustaca sahip. Ağır ve yumuşak elleri var: "yağlı" sesli resim onun doğasına kuru sesli "grafiklerden" daha yakın; - resimle başlayan analojiyi izleyerek, geniş bir fırçanın onun için keskin uçlu bir kurşun kalemden daha uygun olduğu söylenebilir. Ancak, Rachmaninov'un oyunlarına ilişkin yorumlarından bahsettiğimize göre, muhtemelen Vlasenko'daki en önemli şey, onun müzikal formu bir bütün olarak kucaklayabilme. Belki de bazı küçük şeyler dikkatinizi dağıtmadan özgürce ve doğal olarak sarılın; bu arada, Rachmaninov ve Flier tam olarak böyle performans gösterdi.

Son olarak, Vlasenko'ya göre yıllar içinde ona neredeyse en yakın hale gelen besteci var. Bu Beethoven'dır. Gerçekten de Beethoven'ın başta Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, varyasyon döngüleri, Fantasia (Op. 77) olmak üzere sonatları, Vlasenko'nun yetmişler ve seksenlerdeki repertuarının temelini oluşturdu. İlginç bir ayrıntı: müzikle ilgili uzun sohbetlerde kendisinden bir uzman olarak bahsetmemesi - onu kelimelerle yorumlamayı bilen ve sevenler için, Vlasenko, yine de, Merkezi Televizyonda Beethoven hakkında hikayelerle birkaç kez konuştu.

Piyanist, "Yaşla birlikte bu besteciyi benim için giderek daha çekici buluyorum" diyor. "Uzun zamandır bir hayalim vardı - beş piyano konçertosundan oluşan bir döngüyü çalmak." Lev Nikolaevich bu rüyayı son sezonlardan birinde mükemmel bir şekilde gerçekleştirdi.

Tabii ki, Vlasenko, profesyonel bir konuk sanatçının yapması gerektiği gibi, çok çeşitli müziklere yöneliyor. Performans cephaneliğinde Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich yer alıyor… Ancak kendisine daha yakın ve daha uzak olduğu bu repertuardaki başarısı aynı değil, her zaman istikrarlı ve istikrarlı değil. eşit. Bununla birlikte, şaşırmamak gerekir: Vlasenko'nun temeli büyük, kapsamlı bir virtüözlük olan oldukça kesin bir performans tarzı var; gerçekten bir erkek gibi oynuyor - güçlü, net ve basit. Bir yerde ikna ediyor ve tamamen, tam olarak olmayan bir yerde. Vlasenko'nun programlarına yakından bakarsanız Chopin'e temkinli yaklaştığını fark etmeniz tesadüf değil …

hakkında konuşmakо sanatçının seslendirdiği, son yıllardaki programlarında en başarılılarını not etmemek mümkün değil. İşte Liszt'in Si minör sonatı ve Rachmaninov'un etüt-resimleri, Scriabin'in Üçüncü Sonatı ve Ginastera'nın Sonatı, Debussy'nin İmgeler ve Neşe Adası, Hummel'in Mi bemol majör Rondo'su ve Albeniz'in Cordova'sı… 1988'den beri Vlasenko'nun afişleri 126. Yakın zamanda kendisi tarafından öğrenilen BA Arapov ve Bagatelles, Op. 11 Beethoven, Prelüdler, Op. 12 ve XNUMX Scriabin (ayrıca yeni eserler). Bu ve diğer eserlerin yorumlarında, belki de Vlasenko'nun modern tarzının özellikleri özellikle açıkça görülüyor: zamanla solmayan canlı ve güçlü bir müzikal duygu ile birleşen sanatsal düşüncenin olgunluğu ve derinliği.

1952'den beri Lev Nikolaevich öğretmenlik yapıyor. İlk başta Moskova Koro Okulu'nda, daha sonra Gnessin Okulu'nda. 1957'den beri Moskova Konservatuarı'nın öğretmenleri arasında yer alıyor; sınıfında N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko ve diğer piyanistler sahne hayatı bileti aldı. M. Pletnev, Vlasenko ile birkaç yıl çalıştı - konservatuardaki son yılında ve stajyer yardımcısı olarak. Belki de bunlar Lev Nikolaevich'in pedagojik biyografisinin en parlak ve en heyecan verici sayfalarıydı ...

Öğretmek, sürekli olarak bazı soruları yanıtlamak, hayatın, eğitim uygulamasının ve öğrenci gençliğinin ortaya çıkardığı çok sayıda ve beklenmedik sorunu çözmek anlamına gelir. Örneğin, bir eğitimsel ve pedagojik repertuar seçerken nelere dikkat edilmelidir? Öğrencilerle ilişkiler nasıl kurulur? mümkün olduğunca etkili olması için bir ders nasıl yürütülür? Ancak konservatuarın herhangi bir öğretmeni için belki de en büyük endişe, öğrencilerinin halka açık performanslarıyla bağlantılı olarak ortaya çıkar. Ve genç müzisyenler ısrarla profesörlerden bir cevap arıyorlar: sahne başarısı için ne gerekiyor? bir şekilde hazırlamak, "sağlamak" mümkün mü? Aynı zamanda, programın yeterince öğrenilmesi, teknik olarak “yapılması” gerektiği ve “her şeyin yolunda gitmesi ve ortaya çıkması gerektiği” gibi bariz gerçekler çok az insanı tatmin edebilir. Vlasenko, bu tür durumlarda kişinin yalnızca kendi deneyimlerine dayanarak gerçekten yararlı ve gerekli bir şey söyleyebileceğini biliyor. Sadece deneyimli ve deneyimli olandan başlarsanız. Aslında ders verdiği kişilerin ondan beklediği de tam olarak budur. AN Tolstoy, “Sanat, görüntülerde, duyumlarda anlatılan kişisel yaşam deneyimidir” dedi. genelleme olduğunu iddia eden kişisel deneyim» (Tolstykh VI Art and Morality. – M., 1973. S. 265, 266.). Öğretme sanatı, hatta daha da fazlası. Bu nedenle Lev Nikolaevich, hem sınıfta, öğrenciler arasında hem de halka açık konuşmalarda ve röportajlarda isteyerek kendi performans pratiğine atıfta bulunuyor:

“Sahnede sürekli olarak öngörülemeyen, açıklanamayan bazı şeyler oluyor. Örneğin, konser salonuna iyi dinlenmiş, performansa hazırlanmış, kendime güvenerek gelebilirim ve clavierabend pek hevesli olmadan geçer. Ve tam tersi. Enstrümandan tek bir nota bile çıkaramayacakmışım gibi bir durumda sahneye çıkabilirim - ve oyun aniden "başlar". Ve her şey kolaylaşacak, keyifli olacak … Buradaki sorun nedir? bilmiyorum Ve muhtemelen kimse bilmiyor.

Sahnede kaldığınız ilk dakikaları kolaylaştırmak için öngörülmesi gereken bir şey olsa da - ve bunlar en zor, huzursuz, güvenilmez ... - bence hala mümkün. Örneğin önemli olan, programın yapısı, düzenidir. Her sanatçı bunun ne kadar önemli olduğunu bilir - ve tam da pop refahı sorunuyla bağlantılı olarak. Prensip olarak, bir konçertoya olabildiğince sakin ve özgüvenli hissettiğim bir parçayla başlama eğilimindeyim. Çalarken piyanonun sesini olabildiğince yakından dinlemeye çalışırım; odanın akustiğine uyum sağlayın. Kısacası, tamamen girmeye, kendimi performans sürecine kaptırmaya, yaptığım şeyle ilgilenmeye çalışıyorum. Bu en önemli şey - ilgilenmek, kendinizi kaptırmak, tamamen oyuna konsantre olmak. Sonra heyecan yavaş yavaş azalmaya başlar. Ya da belki sadece fark etmeyi bırakırsın. Buradan, gerekli olan yaratıcı duruma giden bir adımdır.

Vlasenko, şu ya da bu şekilde halka açık bir konuşmadan önce gelen her şeye büyük önem veriyor. “Bir keresinde harika Macar piyanist Annie Fischer ile bu konu hakkında konuştuğumu hatırlıyorum. Konser günü özel bir rutini var. Neredeyse hiçbir şey yemiyor. Tuzsuz bir haşlanmış yumurta ve hepsi bu. Bu, sahnede gerekli psiko-fizyolojik durumu bulmasına yardımcı olur - gergin bir şekilde iyimser, neşeyle heyecanlı, hatta belki biraz da coşkulu. Bir konser sanatçısı için kesinlikle gerekli olan o özel incelik ve duygu keskinliği ortaya çıkıyor.

Bu arada, tüm bunlar kolayca açıklanabilir. Bir kişi toksa, genellikle kayıtsız bir şekilde rahatlamış bir duruma düşme eğilimindedir, değil mi? Kendi içinde hem keyifli hem de “rahat” olabilir ama seyirci önünde performans sergilemek için pek uygun değil. Yalnızca içten elektriklenen, tüm ruhsal telleri gergin bir şekilde titreşen biri, seyircide bir tepki uyandırabilir, onu empatiye itebilir...

Bu nedenle, yukarıda bahsettiğim gibi bazen aynı şey olur. Görünüşe göre her şey başarılı bir performansa elverişli: sanatçı kendini iyi hissediyor, içsel olarak sakin, dengeli ve neredeyse kendi yeteneklerine güveniyor. Ve konser renksiz. Duygusal akım yoktur. Ve tabii ki dinleyici geri bildirimleri de…

Kısacası, performansın arifesinde hata ayıklamak, günlük rutini düşünmek - özellikle diyet - gereklidir.

Ancak, elbette, bu, konunun yalnızca bir yönüdür. Oldukça dış. Genel olarak konuşursak, bir sanatçının tüm hayatı - ideal olarak - her zaman, her an, ruhuyla yüce, ruhani ve şiirsel olarak güzele yanıt vermeye hazır olacak şekilde olmalıdır. Muhtemelen sanatla ilgilenen, edebiyata, şiire, resme, tiyatroya düşkün bir kişinin, tüm ilgileri kürede yoğunlaşmış ortalama bir insandan çok daha yüce duygulara yatkın olduğunu kanıtlamaya gerek yoktur. sıradan, maddi, her gün.

Genç sanatçılar genellikle performanslarından önce şunu duyarlar: “İzleyiciyi düşünme! Müdahale ediyor! Sahnede sadece kendin ne yaptığını düşün...”. Vlasenko bunun hakkında şöyle diyor: "Tavsiye etmek kolaydır ...". Bu durumun karmaşıklığının, muğlaklığının, ikiliğinin gayet iyi farkındadır:

“Bir performans sırasında şahsen benim için bir seyirci var mı? Onu fark ediyor muyum? Evet ve hayır. Bir yandan tamamen performans sürecine girdiğinizde sanki seyirciyi düşünmüyorsunuz. Klavye başında yaptıklarınız dışında her şeyi tamamen unutuyorsunuz. Ve yine de… Her konser müzisyeninin belirli bir altıncı hissi vardır – “izleyici duygusu” diyebilirim. Ve bu nedenle salonda bulunanların tepkisini, insanların size ve oyununuza karşı tutumunu sürekli hissediyorsunuz.

Bir konserde benim için en önemli olan nedir biliyor musunuz? Ve en açıklayıcı? Sessizlik. Çünkü her şey organize edilebilir - hem reklam, hem de binadaki doluluk ve alkışlar, çiçekler, tebrikler vb. ve benzeri, sessizlik dışında her şey. Salon donduysa, nefesini tuttuysa, bu sahnede gerçekten bir şeyler oluyor demektir - önemli, heyecan verici bir şey...

Maç sırasında seyircinin dikkatini çektiğimi hissettiğimde, bu bende büyük bir enerji patlaması yaratıyor. Bir tür uyuşturucu görevi görür. Böyle anlar, sanatçı için hayallerinin en uç noktası olan büyük bir mutluluktur. Ancak, herhangi bir büyük neşe gibi, bu nadiren olur.

Lev Nikolayevich'e şu sorulur: Sahne ilhamına inanıyor mu - profesyonel bir sanatçı olarak, halk önünde performans sergilemeyi esasen uzun yıllardır düzenli olarak, büyük ölçekte gerçekleştirilen bir iş olarak görüyor ... " Tabii ki, "ilham" kelimesinin kendisi » tamamen yıpranmış, damgalanmış, sık kullanımdan yıpranmış. Tüm bunlarla birlikte, inanın bana, her sanatçı ilham için neredeyse dua etmeye hazır. Buradaki duygu, türünün tek örneği: sanki icra edilen müziğin yazarı sizsiniz; sanki içindeki her şey senin tarafından yaratılmış gibi. Ve sahnede böyle anlarda kaç tane yeni, beklenmedik, gerçekten başarılı şey doğar! Ve kelimenin tam anlamıyla her şeyde - sesin renklendirilmesinde, ifadelerde, ritmik nüanslarda vb.

Şunu söyleyeceğim: İlhamın yokluğunda bile iyi, profesyonelce sağlam bir konser vermek oldukça mümkün. Bu tür vakaların herhangi bir sayısı vardır. Ama sanatçıya ilham gelirse konser unutulmaz bir hal alabilir…”

Bildiğiniz gibi, sahnede ilham uyandırmanın güvenilir bir yolu yok. Ancak Lev Nikolayevich, her halükarda kendisi için elverişli olacak, uygun zemini hazırlayacak koşullar yaratmanın mümkün olduğuna inanıyor.

“Her şeyden önce, burada bir psikolojik nüans önemlidir. Bilmeniz ve inanmanız gerekir: sahnede yapabileceğinizi başka kimse yapmayacaktır. Her yerde böyle olmasın, sadece belirli bir repertuarda, bir, iki veya üç yazarın eserlerinde olsun - önemli değil, mesele bu değil. Tekrar ediyorum asıl şey, duygunun kendisidir: nasıl oynarsan diğeri oynamaz. O, bu hayali "öteki", daha güçlü bir tekniğe, daha zengin bir repertuvara, daha kapsamlı bir deneyime - her şeye sahip olabilir. Ama yine de cümleyi sizin yaptığınız gibi söylemeyecek, o kadar ilginç ve incelikli bir ses tonu bulamayacak…

Şimdi bahsettiğim duygu bir konser müzisyenine tanıdık geliyor olmalı. İlham verir, kaldırır, sahnede zor anlarda yardımcı olur.

Sık sık öğretmenim Yakov Vladimirovich Flier'i düşünürüm. Her zaman öğrencileri neşelendirmeye çalıştı – onları kendilerine inandırdı. Şüphe anlarında, her şey bizim için iyi gitmediğinde, bir şekilde iyi ruhlar, iyimserlik ve iyi bir yaratıcı ruh hali aşıladı. Bu da biz sınıfının öğrencilerine şüphesiz bir fayda sağladı.

Büyük bir konser sahnesinde performans sergileyen hemen hemen her sanatçının, diğerlerinden biraz daha iyi çaldığına ruhunun derinliklerinde ikna olduğunu düşünüyorum. Ya da her halükarda belki daha iyi oynayabilir… Ve bunun için kimseyi suçlamaya gerek yok - bu kendini ayarlamanın bir nedeni var.

… 1988'de Santander'de (İspanya) büyük bir uluslararası müzik festivali düzenlendi. Halkın özel ilgisini çekti - katılımcılar arasında I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy ve diğer önde gelen Avrupalı ​​ve denizaşırı sanatçılar vardı. Lev Nikolaevich Vlasenko'nun konserleri bu müzik festivali çerçevesinde gerçek bir başarıyla gerçekleştirildi. Eleştirmenler, onun yeteneğinden, becerisinden ve "kendini kaptırma ve büyüleme" konusundaki mutlu yeteneğinden hayranlıkla bahsetti. İspanya'daki performansları, Vlasenko'nun seksenlerin ikinci yarısındaki diğer turları gibi, sanatına olan ilginin körelmediğini ikna edici bir şekilde doğruladı. Halen modern konser hayatında, Sovyet ve yabancı önemli bir yerdedir. Ancak burayı korumak, kazanmaktan çok daha zor.

G. Tsypin, 1990