Dmitry Başkirov (Dmitri Başkirov) |

Dimitri Başkirov

Ellili yılların başında Moskova Konservatuarı'nda tanışan genç müzisyenlerin çoğu, hareketli, anlamlı bir yüzde canlı yüz ifadeleri ve aceleci hareketleri olan esmer, zayıf bir gencin sınıf koridorlarında ilk kez ortaya çıkışını muhtemelen hatırlıyor. Adı Dmitry Bashkirov'du, yoldaşları kısa süre sonra ona sadece Delik demeye başladı. Onun hakkında çok az şey biliniyordu. Tiflis'teki on yıllık müzik okulundan Anastasia Davidovna Virsaladze altında mezun olduğu söylendi. Bir keresinde, sınavlardan birinde Alexander Borisovich Goldenweiser onu duydu - duydu, çok sevindi ve eğitimini başkentte tamamlamasını tavsiye etti.

Goldenweiser'ın yeni öğrencisi çok yetenekliydi; Ona bakarken - doğrudan, ender duygusal bir kişi - fark etmek zor değildi: öylesine tutkulu ve özverili bir şekilde, öylesine cömert bir özveriyle, yalnızca gerçekten yetenekli doğa onun gibi çevreye tepki verebilir...

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov, yıllar içinde bir konser sanatçısı olarak tanınmaya başladı. 1955'te Paris'teki M. Long – J. Thibault yarışmasında Grand Prix'i aldı; bu onun sahne kariyerini başlattı. Şimdi arkasında yüzlerce performans var, Novosibirsk ve Las Palmas'ta, Kişinev ve Philadelphia'da, küçük Volga şehirlerinde ve dünyaca ünlü büyük konser salonlarında alkışlandı. Zaman hayatında çok şey değiştirmiştir. Karakterinde çok daha az. O, daha önce olduğu gibi, sanki cıva değişken ve hızlıymış gibi, her dakika bir şeye kapılmaya, ateş yakmaya hazır ...

Bahsedilen Başkurt doğasının özellikleri, sanatında açıkça görülmektedir. Bu sanatın renkleri yıllardır solup solmadı, zenginliğini, yoğunluğunu, yanardönerliğini kaybetmedi. Piyanist çalıyor, eskisi gibi, uyarılmış; aksi halde nasıl endişelenebilirdi? Belki de hiç kimsenin sanatçı Bashkirov'u kayıtsızlık, manevi ilgisizlik, yaratıcı arayıştan doygunlukla suçlaması için bir durum yoktu. Bunun için bir kişi ve bir sanatçı olarak çok huzursuz, sürekli bir tür sönmez iç ateşle yanıyor. Bazı sahne başarısızlıklarının nedeni bu olabilir. Kuşkusuz öte yandan, tam da buradan, yaratıcı huzursuzluğundan ve başarılarının çoğundan.

Müzik eleştirmeni basının sayfalarında Bashkirov'a genellikle romantik bir piyanist denir. Gerçekten de açıkça temsil ediyor modern romantizm. (V. Yu. Delson ile konuşan VV Sofronitsky, düştü: "Sonuçta, modern romantizm de var ve sadece XNUMX. yüzyılın romantizmi değil, aynı fikirde misiniz?" (Sofronitsky'nin Anıları. S. 199.)). Bashkirov hangi besteciyi yorumlarsa yorumlasın - Bach veya Schumann, Haydn veya Brahms - müziği bugün yaratılmış gibi hissediyor. Yazar, kendi türündeki konsere gidenler için her zaman çağdaştır: duyguları kendisininmiş gibi yaşanır, düşünceleri kendisinin olur. Bu konsere gidenler için stilizasyondan, “temsil”den, arkaik için bir sahteden, bir müze kalıntısının gösteriminden daha yabancı bir şey yoktur. Bu bir şeydir: sanatçının müzikal hissi bizim dönemi, bizim günler. Bashkirov'dan çağdaş performans sanatlarının tipik bir temsilcisi olarak bahsetmemize izin veren başka bir şey daha var.

Hassas, ustalıkla hazırlanmış bir piyanizm var. Eskiden romantik müzik yapmanın dizginlenmemiş dürtüler, kendiliğinden duygu patlamaları, parlak renkli, ancak biraz şekilsiz ses noktalarından oluşan bir fantezi olduğuna inanılıyordu. Uzmanlar, romantik sanatçıların "belirsiz, yanardöner, okunaksız ve sisli"ye yöneldiklerini, "önemsiz mücevher çizimlerinden uzak" olduklarını yazdılar. (Martins KA Bireysel piyano tekniği. – M., 1966. S. 105, 108.). Şimdi zaman değişti. Kriterler, yargılar, beğeniler değiştirildi. Gramofon kayıtlarının, radyo ve televizyon yayınlarının, radyo ve televizyon yayınlarının, ses “bulutsuları” ve “belirsizlik” in amansız katı çağında, hiç kimse tarafından, hiç kimse tarafından ve hiçbir koşulda affedilmez. Günümüzün bir romantik olan Bashkirov, diğer özelliklerinin yanı sıra, icra aparatının dikkatli bir şekilde "yapılması", tüm ayrıntılarının ve bağlantılarının ustaca hata ayıklaması ile moderndir.

Bu nedenle müziği iyidir, dış dekorasyonun koşulsuz eksiksizliğini, "önemsiz şeylerden mücevher çizimi" gerektirir. Performans başarılarının listesi, Debussy'nin prelüdleri, Chopin'in mazurkaları, "Fleeting" ve Prokofiev'in Dördüncü Sonatı, Schumann'ın "Renkli Yapraklar"ı, Fantasia ve F diyez minör romanı, çoğu Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel gibi şeylerle açılır. . Klasik repertuarında dinleyicileri cezbeden pek çok ilginç şey var – Bach (F minör konçerto), Haydn (E bemol majör sonat), Mozart (konserler: Dokuzuncu, Ondörtüncü, Onyedinci, Yirmidördüncü), Beethoven (sonatlar: “ Lunar” , “Pastoral”, Onsekizinci, konserler: Birinci, Üçüncü, Beşinci). Tek kelimeyle, Bashkirov'un sahne aktarımında kazanan her şey, ön planda zarif ve net bir ses düzeninin, enstrümantal dokunun zarif bir şekilde kovalanmasının olduğu yerdir.

(Daha önce, ressamlar gibi piyano çalanların farklı "yazma" teknikleri kullandıkları söylendi: bazıları keskinleştirilmiş bir ses kalemi gibi, diğerleri guaj veya sulu boya ve yine diğerleri ağır pedallı yağlı boyaları sever. Bashkirov genellikle ilişkilendirilir. bir piyanist-oymacı ile: parlak duygusal bir arka plan üzerinde ince ses düzeni…)

Gerçekten yetenekli birçok insan gibi, Bashkirov da yaratıcı mutlulukla değişiyor. Özeleştiriyi biliyor: “Sanırım bu oyunda başarılı oldum”, konserden sonra ondan duyabilirsiniz, “ama bu değil. Heyecan araya girdi... Bir şey "kaydı", "odak" dışı çıktı - amaçlandığı gibi değil. Heyecanın herkese müdahale ettiği biliniyor - ilk kez sahneye çıkanlar ve ustalar, müzisyenler, oyuncular ve hatta yazarlar. Stendhal, "Kendimi en çok heyecanlandırdığım an, izleyiciye dokunan şeyler yazabildiğim an değil," diye itiraf etti; bunda birçok ses tarafından yankılanıyor. Yine de bazıları için heyecan büyük engeller ve sıkıntılarla dolu, diğerleri için daha az. Kolayca heyecanlanan, gergin, dışa dönük tabiatlar daha zor anlar yaşar.

Sahnede büyük heyecan yaşanan anlarda Başkirov, iradesine rağmen performansı hızlandırır, biraz heyecana kapılır. Bu genellikle performanslarının başında olur. Bununla birlikte, yavaş yavaş çalması normal hale gelir, ses formları netlik kazanır, çizgiler - güven ve doğruluk; deneyimli bir kulakla, bir piyanist aşırı sahne kaygısı dalgasını bastırmayı başardığında her zaman yakalanabilir. Bashkirov'un akşamlarından birinde tesadüfen ilginç bir deney yapıldı. Aynı müziği arka arkaya iki kez çaldı - Mozart'ın On Dördüncü Piyano Konçertosu'nun finali. İlk sefer - biraz aceleyle ve heyecanla, ikincisi (bir tekrar için) - daha kontrollü, daha sakin ve özdenetimli. Durumun nasıl olduğunu gözlemlemek ilginçtieksi heyecan“oyunu dönüştürdü, farklı, daha yüksek sanatsal bir sonuç verdi.

Bashkirov'un yorumlarının olağan şablonlar, tanıdık performans örnekleri ile çok az ortak noktası vardır; bu onların bariz avantajı. Tartışmalı olabilirler (ve öyledirler), ancak renksiz değiller, çok özneller ama yavan değiller. Sanatçının konserlerinde kayıtsız insanlarla tanışmak neredeyse imkansız, genellikle sıradanlığa bahşedilen o kibar ve önemsiz övgülerle hitap edilmiyor. Bashkirov'un sanatı ya sıcak ve coşkulu bir şekilde kabul ediliyor ya da daha az şevk ve ilgi göstermeden piyanistle tartışıyorlar, onunla bazı yönlerden aynı fikirde değiller ve onunla aynı fikirde değiller. Bir sanatçı olarak yaratıcı “muhalefete” aşinadır; prensip olarak, bu kredilendirilebilir ve kredilendirilmelidir.

Bazıları şöyle diyor: Bashkirov'un oyununda çok fazla dış var diyorlar; bazen teatral, kendini beğenmiş… Muhtemelen bu tür ifadelerde, zevklerdeki oldukça doğal farklılıkların yanı sıra, performansının doğasına dair bir yanlış anlaşılma var. Şu veya bu sanatın bireysel tipolojik özelliklerini hesaba katmamak mümkün mü? kişilik? Konser veren Başkirov - doğası böyledir - her zaman etkili bir şekilde dışarıdan "göründü"; kendini parlak ve parlak bir şekilde dışa vurdu; bir sahne şovu ya da bir başkası için tıngırdatma ne olurdu, yaratıcı "Ben" inin yalnızca organik ve doğal bir ifadesine sahiptir. (Dünya tiyatrosu, Sarah Bernhardt'ı neredeyse eksantrik sahne tavırlarıyla hatırlıyor, mütevazı, bazen göze çarpmayan Olga Osipovna Sadovskaya'yı hatırlıyor - her iki durumda da gerçek, harika bir sanattı.) uzak, neredeyse ayırt edilemez bir alt metne götürür. Bir eleştirmenin konumunu alacaksak, o zaman daha çok farklı bir durumda.

Evet, piyanistin sanatı seyirciye açık ve güçlü duygular verir. Mükemmel kalite! Konser sahnesinde, çoğu zaman bir fazlalıktan ziyade bir eksiklikle karşılaşırsınız. (Genellikle duyguların tezahüründe "yetersiz kalırlar" ve bunun tersi olmaz.) Bununla birlikte, psikolojik durumlarında - kendinden geçmiş heyecan, dürtüsellik, vb. - Başkirov bazen, en azından daha önce, biraz tekdüzeydi. Glazunov'un Si bemol minör sonatına yaptığı yorum bir örnek olarak gösterilebilir: epik, genişlikten yoksundu. Veya Brahms'ın İkinci Konçertosu - tutkuların göz kamaştırıcı derecede parlak havai fişeklerinin ardında, geçmiş yıllarda sanatçının iç gözlemsel yansıması onda her zaman hissedilememişti. Bashkirov'un yorumlarından, kızgın bir ifade, yüksek bir gerginlik akımı vardı. Ve dinleyici bazen başka, daha uzak duygusal tonlamalara, daha zıt duygu alanlarına geçişler için can atmaya başladı.

Ancak, şimdi daha önce hakkında konuşmak eski. Başkirov'un gösteri sanatlarına yakından aşina olan insanlar, onda sürekli olarak değişiklikler, kaymalar ve ilginç sanatsal dönüşümler bulurlar. Ya sanatçının repertuarının seçimi daha doğru görülebilir ya da daha önce alışılmadık ifade yöntemleri ortaya çıkar (örneğin, son yıllarda, klasik sonat döngülerinin yavaş bölümleri bir şekilde kulağa özellikle temiz ve duygulu geldi). Kuşkusuz sanatı yeni keşiflerle, daha karmaşık ve çeşitli duygusal nüanslarla zenginleşiyor. Bu, özellikle Bashkirov'un KFE'nin konçertolarını, Fantasia'yı ve Mozart'ın C minör Sonatını, Keman Konçertosu Op. 1987, Beethoven, vb.)

Bashkirov harika bir konuşmacıdır. Doğal olarak meraklı ve meraklıdır; pek çok şeyle ilgilenir; bugün de gençliğinde olduğu gibi sanatla, yaşamla bağlantılı her şeye yakından bakıyor. Ek olarak, Bashkirov düşüncelerini nasıl açık ve net bir şekilde formüle edeceğini biliyor - müzikal performansın sorunları hakkında birkaç makale yayınlaması tesadüf değil.

Dmitry Alexandrovich bir sohbetinde "Her zaman söylemişimdir," demişti, "sahne yaratıcılığında asıl ve en önemli şey, sanatçının yeteneğinin deposu tarafından belirlenir - onun bireysel kişisel özellikler ve özellikler. Sanatçının belirli sanatsal olaylara yaklaşımı, bireysel eserlerin yorumlanması bununla bağlantılıdır. Eleştirmenler ve halkın bir kısmı bazen bu durumu hesaba katmazlar - sanatçının oyununu soyut bir şekilde, nasıl yaptıklarına göre değerlendirirler. tarafından Çalan müziği duymayı çok isterim. Bu tamamen yanlıştır.

Yıllar geçtikçe, genellikle bazı donmuş ve açık formüllerin varlığına giderek daha az inanıyorum. Örneğin, böyle bir yazarı, böyle bir makaleyi yorumlamak nasıl gereklidir (veya tam tersine gerekli değildir). Uygulama, performans kararlarının çok farklı ve eşit derecede ikna edici olabileceğini göstermektedir. Bu elbette sanatçının kendi iradesine veya üslup keyfiliğine sahip olduğu anlamına gelmese de.

Başka bir soru. Arkasında 20-30 yıllık bir mesleki birikim varken, olgunluk döneminde piyano çalmak gerekli midir? Dahagençlikten daha mı? Ya da tam tersi – yaşla birlikte iş yükünün yoğunluğunu azaltmak daha mantıklı mı? Bu konuda farklı görüşler ve bakış açıları var. Bashkirov, "Bana öyle geliyor ki buradaki yanıt yalnızca tamamen bireysel olabilir" diyor. “Doğuştan virtüöz dediğimiz sanatçılar var; kendilerini iyi performans gösteren formda tutmak için kesinlikle daha az çabaya ihtiyaç duyarlar. Ve başkaları da var. Hiç böyle bir şey verilmemiş olanlar, elbette çaba göstermeden. Doğal olarak, tüm yaşamları boyunca yorulmadan çalışmak zorundalar. Ve sonraki yıllarda gençlikten bile daha fazla.

Aslında şunu söylemeliyim ki, büyük müzisyenler arasında, yıllar geçtikçe yaşla birlikte kendilerine olan taleplerini zayıflatanlara neredeyse hiç rastlamadım. Genellikle tam tersi olur.”

Bashkirov, 1957'den beri Moskova Konservatuarı'nda ders veriyor. Üstelik zamanla pedagojinin onun için rolü ve önemi giderek artıyor. “Gençliğimde, hem ders vermek hem de konser performanslarına hazırlanmak için her şey için zamanım olduğunu söylerler. Ve bu sadece diğeri için bir engel değil, hatta belki tam tersi: biri diğerini destekliyor, güçlendiriyor. Bugün bunu tartışmayacağım... Zaman ve yaş hala kendi ayarlamalarını yapıyor – bir şeyi farklı değerlendiremezsiniz. Bugünlerde, öğretmenliğin konser performansı için belirli zorluklar yarattığını, onu sınırladığını düşünme eğilimindeyim. İşte sürekli olarak çözmeye çalıştığınız ve ne yazık ki her zaman başarılı olamadığınız bir çatışma.

Elbette yukarıda söylenenler pedagojik çalışmanın gerekliliğini veya uygunluğunu kendim için sorguladığım anlamına gelmiyor. Mümkün değil! Varlığımın o kadar önemli, ayrılmaz bir parçası haline geldi ki, bu konuda hiçbir ikilem yok. Ben sadece gerçekleri olduğu gibi söylüyorum.”

Şu anda Bashkirov, sezon başına yaklaşık 55 konser veriyor. Bu rakam onun için oldukça istikrarlı ve birkaç yıldır neredeyse hiç değişmedi. “Çok daha fazlasını yapan insanlar olduğunu biliyorum. Bunda şaşırtıcı bir şey görmüyorum: herkesin farklı enerji rezervleri, dayanıklılığı, fiziksel ve zihinsel gücü var. Bence asıl mesele ne kadar oynanacağı değil, nasıl oynanacağı. Yani performansların sanatsal değeri her şeyden önce önemlidir. Çünkü sahnede yaptıklarınız için sorumluluk duygusu sürekli artıyor.

Bugün, diye devam ediyor Dmitry Aleksandrovich, uluslararası müzik ve performans sahnesinde değerli bir yer işgal etmek çok zor. Yeterince sık oynamanız gerekiyor; farklı şehirlerde ve ülkelerde oynamak; çeşitli programlar çalıştırın. Ve elbette, hepsini verin. oldukça yüksek bir profesyonel düzeyde. Ancak bu koşullar altında, dedikleri gibi, sanatçı görünür olacaktır. Elbette pedagoji ile uğraşan biri için bu, öğretmen olmayan birine göre daha zordur. Bu nedenle, pek çok genç konser müdavimi aslında öğretimi görmezden geliyor. Ve sanat dünyasında sürekli artan rekabet göz önüne alındığında, anlaşılabilecekleri bir yerde…”

Kendi pedagojik çalışmasıyla ilgili sohbete geri dönen Bashkirov, genel olarak bundan tamamen mutlu olduğunu söylüyor. Mutlu çünkü yaratıcı iletişimi ona büyük keyif veren ve vermeye devam eden öğrencileri var. “En iyilerine bakarsanız, şöhret yolunun hiç kimse için güllerle dolu olmadığını kabul etmelisiniz. Eğer bir şey başardılarsa, bu çoğunlukla kendi çabaları sayesindedir. Ve yeteneği yaratıcı kendini geliştirme (bir müzisyen için en önemli olduğunu düşündüğüm). Benim sanatsal canlılık şu ya da bu yarışmadaki seri numaralarıyla değil, bugün dünyanın birçok ülkesinin sahnelerinde oynadıkları gerçeğiyle kanıtladılar.

Bazı öğrencilerim hakkında özel bir söz söylemek istiyorum. Kısaca. Kelimenin tam anlamıyla birkaç kelimeyle.

Dmitry Alekseev. onun içinde hoşuma gitti iç çatışmaki ben onun öğretmeni olarak çok iyi biliyorum. Kelimenin en iyi anlamıyla çatışma. İlk bakışta pek görünür olmayabilir - göze çarpmaktan çok gizlidir, ama vardır, vardır ve bu çok önemlidir. Alekseev, güçlü ve zayıf yönlerinin açıkça farkındadır, aralarındaki mücadelenin ve mesleğimizde ilerlemek demektir. Bu hareket, diğerleri gibi onunla da sorunsuz ve eşit bir şekilde akabilir veya yeni yaratıcı alanlara krizler ve beklenmedik atılımlar şeklini alabilir. Nasıl olduğu önemli değil. Müzisyenin ilerlemesi önemlidir. Bana öyle geliyor ki, Dmitry Alekseev hakkında abartıya düşme korkusu olmadan söylenebilir. Yüksek uluslararası prestiji tesadüfi değil.

Nikolay Demidenko. Bir zamanlar ona karşı biraz küçümseyici bir tavır vardı. Bazıları onun sanatsal geleceğine inanmadı. Bunun hakkında ne söyleyebilirim? Bazı oyuncuların daha erken, daha hızlı olgunlaştığı biliniyor (hatta bazen çok hızlı olgunlaşıyorlar, şu an için yanan bazı inekler gibi), diğerleri için bu süreç daha yavaş, daha sakin ilerliyor. Tamamen gelişmeleri, olgunlaşmaları, kendi ayakları üzerinde durmaları, ellerindekinin en iyisini ortaya çıkarmaları yıllar alıyor... Bugün Nikolay Demidenko zengin bir antrenmana sahip, ülkemizin çeşitli şehirlerinde ve yurt dışında çokça oynuyor. Kendisini çok sık dinleyemiyorum ama performanslarına gittiğimde şimdi yaptığı pek çok şeyin eskisi gibi olmadığını görüyorum. Bazen sınıfta geçtiğimiz eserlerin yorumunda neredeyse tanımıyorum. Ve bir öğretmen olarak benim için en büyük ödül bu…

Sergey Erokhin. VIII Çaykovski Yarışması'nda ödüllüler arasındaydı, ancak bu yarışmadaki durum onun için çok zordu: Sovyet Ordusu saflarından yeni terhis olmuştu ve doğal olarak en yaratıcı biçiminden çok uzaktı. Yarışmadan bu yana geçen sürede, Sergei bana öyle geliyor ki çok büyük bir başarı elde etti. Size en azından Santander'de (İspanya) bir yarışmada ikinci ödülünü hatırlatmama izin verin, etkili Madrid gazetelerinden biri hakkında şöyle yazdı: "Sergey Erokhin'in performansları sadece birincilik ödülüne değil, tüm yarışmaya değdi." Kısacası, Sergei'nin parlak bir sanatsal geleceği olduğundan hiç şüphem yok. Üstelik bence yarışmalar için değil konser sahnesi için doğdu.

Alexander Bonduryanski. Kendini tamamen oda müziğine adadı. Alexander, birkaç yıldır Moskova Üçlüsü'nün bir parçası olarak performans sergiliyor ve bunu iradesi, coşkusu, bağlılığı, adanmışlığı ve yüksek profesyonelliği ile pekiştiriyor. Faaliyetlerini ilgiyle takip ediyorum, bir müzisyen için kendi yolunu bulmasının ne kadar önemli olduğuna tekrar tekrar inanıyorum. Bonduryansky'nin oda müziği yapımına olan ilgisinin çıkış noktasının, benim I. Bezrodny ve M. Khomitser ile bir üçlüde ortak yaratıcı çalışmamı gözlemlemesi olduğunu düşünmek isterim.

Eiro Heinonen. Kendi evinde, Finlandiya'da en ünlü piyanist ve öğretmenlerden biridir (şimdi Helsinki'deki Sibelius Akademisi'nde profesördür). Onunla yaptığım toplantıları zevkle hatırlıyorum.

Dang Tay Sean. Moskova Konservatuarı'nda yüksek lisans öğrencisiyken onunla çalıştım; sonra onunla buluştu. Bir insan ve bir sanatçı olan Sean ile olan temaslarımdan son derece hoş izlenimler aldım. Zeki, zeki, çekici ve inanılmaz derecede yetenekli. Krize benzer bir şey yaşadığı bir dönem vardı: Kendini tek bir tarza sahip kapalı bir alanda buldu ve orada bile bazen çok çeşitli ve çok yönlü görünmüyordu ... Sean bu kriz dönemini büyük ölçüde aştı; performansın derinliği, duyguların ölçeği, oyununda ortaya çıkan dram ... Muhteşem bir piyanist bugünü ve hiç şüphesiz, daha az kıskanılacak bir geleceği var.

Bugün sınıfımda başka ilginç, gelecek vaat eden genç müzisyenler var. Ama hala büyüyorlar. Bu nedenle, onlar hakkında konuşmaktan kaçınacağım.

Her yetenekli öğretmen gibi Bashkirov'un da öğrencilerle kendi çalışma tarzı var. Sınıfta soyut kategori ve kavramlara yönelmeyi sevmez, çalışılan işten uzaklaşmayı sevmez. Bazı meslektaşları gibi nadiren kendi deyimiyle diğer sanatlarla paralellikler kullanır. Tüm sanat biçimlerinin en evrenseli olan müziğin kendi yasalarına, kendi "kurallarına", kendi sanatsal özgüllüğüne sahip olduğu gerçeğinden yola çıkıyor; bu nedenle, öğrenciyi küre aracılığıyla tamamen müzikal bir çözüme yönlendirmeye çalışır. müzikal olmayan biraz yapaydır. Edebiyat, resim vb. İle analojilere gelince, bunlar yalnızca müzikal imajı anlamak için bir itici güç verebilir, ancak onu başka bir şeyle değiştiremezler. Hatta bu benzetmeler ve paralellikler müziğe bir miktar zarar verir - basitleştirirler ... "Bence öğrenciye ne istediğinizi yüz ifadeleri, bir orkestra şefinin jesti ve tabii ki canlı bir ekran yardımıyla açıklamak daha iyi olur. klavye.

Ancak bu şekilde öğretebilirsiniz… Yine bu durumda tek ve evrensel bir formül olamaz.”

Sürekli ve ısrarla şu düşünceye geri döner: Sanata yaklaşımda önyargı, dogmatizm, tek boyutluluktan daha kötü bir şey yoktur. “Müzik dünyası, özellikle performans ve pedagoji, sonsuz çeşitliliktedir. Burada, en çeşitli değer alanları, sanatsal gerçekler ve belirli yaratıcı çözümler tamamen bir arada var olabilir ve olmalıdır. Bazı insanların şöyle tartıştığı oluyor: Hoşuma gitti - bu iyi olduğu anlamına geliyor; Beğenmiyorsanız kesinlikle kötüdür. Böyle, tabiri caizse, mantık bana derinden yabancı. Öğrencilerime de yabancılaştırmaya çalışıyorum.”

... Yukarıda Bashkirov, öğrencisi Dmitry Alekseev'in iç çatışmasından bahsetti - "kelimenin tam anlamıyla", "mesleğimizde ilerlemek anlamına gelen" çatışma. Dmitry Alexandrovich'i yakından tanıyanlar, her şeyden önce bu tür bir çatışmanın kendi içinde belirgin olduğu konusunda hemfikir olacaktır. Kendisine karşı titiz katılıkla birleşen oydu (7-8 yıl önce, Bashkirov, performanslar için kendisine benzer bir not verdiğini söyledi: “Doğruyu söylemek gerekirse, puanlar genellikle düşüktür ... Bir yılda sen onlarca konser vermem gerekiyor, en fazla birkaçıyla gerçekten tatmin oluyorum... "Bu bağlamda, GG Neuhaus'un hatırlamaktan hoşlandığı bir bölüm geliyor aklıma istemsizce:" Şanlı öğretmenim Leopold Godovsky bir keresinde bana şöyle demişti: "Ben bu sezon 83 konser verdi ve kaç tanesinden memnun kaldım biliyor musunuz? - üç! (Neigauz GG Düşünceler, anılar, günlükler // Seçilmiş makaleler. Ebeveynlere mektuplar. S. 107).) – ve kendi kuşağının piyanizminin en önde gelen isimlerinden biri olmasına yardımcı oldu; sanatçıya daha birçok yaratıcı keşif getirecek olan odur.

G. Tsypin, 1990