Enstrümantasyon |

Bir orkestranın veya enstrümantal topluluğun herhangi bir bölümü tarafından performans için müziğin sunumu. Orkestra için müziğin sunumuna genellikle orkestrasyon da denir. Geçmişte pl. yazarlar “ben” terimlerini verdiler. ve "orkestrasyon" aralık. anlam. Örneğin, F. Gewart, I.'yi teknik doktrin olarak tanımladı. ve ifade edin. Fırsatlar enstrümanlar ve orkestrasyon - ortak uygulamalarının bir sanatı olarak ve F. Busoni, orkestrasyonu, bir müzik orkestrası için bir sunum, yazarın en başından beri orkestra olarak düşündüğü ve I. - bir orkestra için bir sunum k.- l'ye dayanmadan yazılan eserlerden. belirli bir bileşim veya diğer bileşimler için. Zamanla, bu terimler neredeyse aynı hale geldi. Daha evrensel bir anlama sahip olan “Ben” terimi, büyük ölçüde yaratıcılığın özünü ifade eder. birçok (birkaç) sanatçı için müzik besteleme süreci. Bu nedenle çok sesli koro müziği alanında özellikle çeşitli aranjman durumlarında kullanımı giderek artmaktadır.

I. bir eserin dışsal bir “kıyafeti” değil, özünün yanlarından biridir, çünkü herhangi bir müziği somut sesinin, yani tanımlanmış olanın dışında hayal etmek imkansızdır. tınılar ve kombinasyonları. I.'nin süreci, son ifadesini, belirli bir eserin icrasına katılan tüm enstrümanların ve seslerin parçalarını birleştiren bir nota yazmada bulur. (Bu beste için yazar tarafından sağlanan müzikal olmayan efektler ve sesler de notaya kaydedilir.)

I. ile ilgili ilk fikirler, ilham perileri arasındaki fark ilk fark edildiğinde ortaya çıkmış olabilirdi. cümle, söylenen insan. ses ve onun tarafından c.-l'de çalındı. alet. Ancak, çok golün en parlak günleri de dahil olmak üzere uzun bir süre. kontrapuntal harfler, tınılar, karşıtlıkları ve dinamikleri. şanslar müzikte anlamlı bir şekilde oynamadı. roller. Besteciler kendilerini melodik çizgilerin yaklaşık dengesiyle sınırlandırırken, enstrüman seçimi genellikle belirlenmedi ve rastgele olabilir.

Biçimlendirici bir faktör olarak I.'nin gelişim süreci, homofonik müzik yazımı tarzının onaylanmasından başlayarak izlenebilir. Baştaki melodileri eşlik ortamından izole etmek için özel araçlar gerekiyordu; kullanımları daha fazla ifade, gerilim ve sesin özgüllüğüne yol açtı.

Dramaturji anlayışında önemli bir rol oynar. orkestra enstrümanlarının rolü, 16. yüzyılın sonlarında - 17. yüzyılın başlarında ortaya çıkan opera binası tarafından oynandı. XNUMX. yüzyıl C. Monteverdi'nin operalarında ilk kez, rahatsız edici tremolo ve yay tellerinin uyarı pizzicato'su bulunur. KV Gluck ve daha sonra WA ​​Mozart, zorlu, korkutucu durumları (“Orpheus ve Eurydice”, “Don Juan”) tasvir etmek için trombonları başarıyla kullandı. Mozart, Papageno'yu (“Sihirli Flüt”) karakterize etmek için o zamanlar ilkel olan küçük flütün naif sesini başarıyla kullandı. Opera bestelerinde besteciler ayinlere başvurdular. kapalı pirinç enstrümanların sesi ve ayrıca Avrupa'ya gelen vurmalı çalgıların sonoritesini kullandı. sözde gelen orkestralar. "yeniçeri müziği". Ancak I. alanındaki aramalar ortalamada kaldı. en az düzensiz olana kadar (müzik aletlerinin seçimi ve iyileştirilmesi nedeniyle ve ayrıca müzik eserlerinin basılı propagandasına duyulan acil ihtiyacın etkisi altında) bir senfoni olma süreci tamamlandı. eşit olmayan dört enstrüman grubundan oluşan bir orkestra: yaylı, ahşap, pirinç ve perküsyon. Orkestra kompozisyonunun tiplendirilmesi, ilham perilerinin önceki gelişiminin tüm seyri ile hazırlandı. kültür.

En erken 17. yüzyılda oldu. - kısa bir süre önce oluşan keman ailesinin telli çalgı çeşitlerinden oluşan, sabitlenmiş yaylı grup: kemanların yerini alan keman, viyola, çello ve kontrbaslar - oda müziği enstrümanları ve sınırlı teknik yetenekler.

Eski flüt, obua ve fagot da bu zamana kadar o kadar gelişmişti ki, akort ve hareketlilik açısından topluluk çalmanın gereksinimlerini karşılamaya başladılar ve kısa sürede (nispeten sınırlı bir genel menzile rağmen) 2.'yi oluşturabildiler. orkestradaki grup. Ser'deyken. 18. yüzyılda klarnet de onlara katıldı (tasarımı diğer ahşap üflemeli çalgıların tasarımlarından biraz daha sonra geliştirildi), daha sonra bu grup neredeyse yaylı kadar yekpare hale geldi, ona tekdüzelik verdi, ancak çeşitlilikte onu aştı. tınılar.

Eşit bir ork oluşturmak çok daha uzun sürdü. bakır ruh grubu. aletler. JS Bach zamanında, küçük oda tipi orkestralar genellikle ağırlıklı olarak kullanılan doğal bir trompet içeriyordu. ölçeğinin diyatonik çıkarmaya izin verdiği üst kayıtta. ikinci diziler. Bu melodik yerine 2. kattan bir boru (“Clarino” tarzı olarak adlandırılan) kullanılır. 18. yüzyılda bakırın yeni bir yorumu geldi. Besteciler, armonika için giderek daha fazla doğal boru ve kornaya başvurmaya başladılar. dolum ork. kumaşların yanı sıra aksanları geliştirmek ve ayrışmayı vurgulamak için. ritim formülleri. Kısıtlı imkanlar nedeniyle, pirinç enstrümanlar yalnızca onlar için müzik bestelendiğinde, DOS gibi durumlarda eşit bir grup olarak hareket etti. doğa üzerinde. Orkestra pirinç grubunun kurucuları olan askeri tantanalar, av kornaları, posta kornaları ve özel amaçlar için diğer sinyal aletlerinin karakteristik terazileri.

Sonunda, vur. 17.-18. yüzyıl orkestralarında çalgılar. çoğu zaman, genellikle bir pirinç grubuyla birlikte kullanılan, tonik ve baskın olarak ayarlanmış iki timpani ile temsil edildiler.

18'in sonunda - erken. 19. yüzyıllar bir “klasik” oluşturdu. orkestra. Kompozisyonunun oluşturulmasında en önemli rol J. Haydn'a aittir, ancak L. Beethoven'da (bununla bağlantılı olarak bazen “Beethovenian” olarak adlandırılır) tamamen tamamlanmış bir form almıştır. 8-10 birinci keman, 4-6 ikinci keman, 2-4 viyola, 3-4 çello ve 2-3 kontrbas içeriyordu (Beethoven'dan önce ağırlıklı olarak çellolu bir oktavda çalarlardı). Tellerin bu bileşimi 1-2 flüt, 2 obua, 2 klarnet, 2 fagot, 2 boynuz (farklı akortlu kornalara ihtiyaç duyulduğunda bazen 3 veya hatta 4), 2 trompet ve 2 timpaniye karşılık geldi. Böyle bir orkestra, ilham perilerinin kullanımında büyük bir virtüözlük elde etmiş bestecilerin fikirlerinin gerçekleşmesi için yeterli olanaklar sağlamıştır. tasarımı hala çok ilkel olan aletler, özellikle bakır. Bu nedenle, J. Haydn, WA ​​Mozart ve özellikle L. Beethoven'ın çalışmalarında, genellikle çağdaş enstrümantasyonlarının sınırlamalarının ustaca üstesinden gelme örnekleri vardır ve o zamanın senfoni orkestrasını sürekli olarak genişletme ve iyileştirme arzusu vardır. tahmin etti.

3. senfonide Beethoven, kahramanlık ilkesini büyük bir eksiksizlikle somutlaştıran ve aynı zamanda ideal olarak doğal boynuzların doğasına karşılık gelen bir tema yarattı:

5. senfonisinin yavaş hareketinde, borular ve trompetlere muzaffer ünlemler emanet edilir:

Bu senfoninin finalinin coşkulu teması da trombonların katılımını gerektiriyordu:

9. senfoninin son marşının teması üzerinde çalışırken, Beethoven kuşkusuz doğal pirinç enstrümanlarda çalınabilmesini sağlamaya çalıştı:

Aynı senfoninin scherzo'sunda timpaninin kullanılması, kuşkusuz, ritme dramatik bir şekilde karşı çıkma niyetini doğrular. enstrüman – orkestranın geri kalanı için timpani:

Beethoven'ın hayatı boyunca bile, pirinç alkollü içkilerin tasarımında gerçek bir devrim yaşandı. valf mekanizmasının icadı ile ilişkili araçlar.

Besteciler artık doğanın sınırlı olanaklarıyla kısıtlanmıyordu. pirinç enstrümanlar ve ayrıca daha geniş bir tonalite yelpazesini güvenli bir şekilde elden çıkarma fırsatı buldu. Bununla birlikte, yeni, "kromatik" borular ve kornalar hemen evrensel tanıma kazanmadı - ilk başta doğal olanlardan daha kötü geliyorlardı ve çoğu zaman sistemin gerekli saflığını sağlamadılar. Ve daha sonra, bazı besteciler (R. Wagner, I. Brahms, NA Rimsky-Korsakov) bazen korno ve trompetlerin doğa olarak yorumlanmasına geri döndüler. enstrümanlar, valf kullanmadan oynamalarını emrediyor. Genel olarak, valf enstrümanlarının görünümü, muses'in daha da geliştirilmesi için geniş beklentiler yarattı. yaratıcılık, mümkün olan en kısa sürede bakır grubu, en karmaşık müziklerden herhangi birini bağımsız olarak sunma fırsatını elde ederek, dize ve ahşaba tamamen yakalandı.

Önemli bir olay, sadece pirinç grubu için değil, bir bütün olarak orkestra için güvenilir bir temel haline gelen bas tubanın icadıydı.

Bakır grubu tarafından bağımsızlığın kazanılması sonunda, bundan önce (koşullara bağlı olarak) ya bakır ya da ahşap olanlara bitişik olan boynuzların yerini belirledi. Pirinç enstrümanlar olarak, kornolar genellikle trompetlerle birlikte (bazen timpani tarafından desteklenir), yani tam olarak bir grup olarak çalınır.

Diğer durumlarda, ahşap enstrümanlarla, özellikle fagotlarla mükemmel bir şekilde birleştiler ve bir armonika pedalı oluşturdular (eski skorlarda ve daha sonra R. Wagner, G. Spontini ile, bazen G. Berlioz ile, bir dizi boynuz olması tesadüf değildir. fagotların üzerine, yani tahtaların arasına yerleştirilmiş). Bu ikiliğin izleri bugün bile görülebilmektedir, çünkü kornolar tessitura sırasına göre değil, deyim yerindeyse ahşap ve pirinç çalgılar arasında bir “bağ” olarak notalarda yer tutan yegane çalgılardır.

Bazı modern besteciler (örneğin, SS Prokofiev, DD Shostakovich) diğerlerinde. skorlar trompet ve trombon arasındaki korna bölümünü kaydetti. Bununla birlikte, kornaları tessituralarına göre kaydetme yöntemi, genellikle “ağır” (“sert”) bakırın temsilcileri olarak birlikte hareket eden trombonları ve boruları skorda yan yana yerleştirmenin uygunluğu nedeniyle yaygınlaşmadı.

Ahşap ruhlar grubu. tasarımları gelişmeye devam eden enstrümanlar, çeşitler nedeniyle yoğun bir şekilde zenginleştirilmeye başlandı: küçük ve alto flütler, eng. korna, küçük ve bas klarnet, kontrfagot. 2. katta. 19. yüzyıl Yavaş yavaş, hacmi açısından sadece ipten aşağı değil, hatta onu aşan renkli bir ahşap grup şekillendi.

Vurmalı çalgıların sayısı da artıyor. 3-4 timpani, küçük ve büyük davullar, ziller, üçgen, tef ile birleştirilir. Orkestrada giderek artan bir şekilde çanlar, ksilofon, fp., daha sonra celesta ortaya çıkıyor. Yeni renkler, 19. yüzyılın başında icat edilen ve daha sonra S. Erar tarafından çift ayar mekanizmasıyla geliştirilen yedi pedallı arp tarafından tanıtıldı.

Dizeler, sırayla, komşu grupların büyümesine kayıtsız kalmaz. Doğru akustik oranları korumak için, bu enstrümanlardaki icracıların sayısını 14-16 birinci keman, 12-14 ikinci keman, 10-12 viyola, 8-12 çello, 6-8 kontrbas, bu da geniş bir ayrıştırma kullanımı olasılığını yarattı. bölünme.

Klasik 19. yüzyıla dayanan orkestra, ilham perilerinin fikirleriyle yavaş yavaş gelişir. romantizm (ve dolayısıyla yeni renkler ve parlak kontrastlar, özellikler, program-senfonik ve tiyatro müziği arayışı), G. Berlioz ve R. Wagner, KM Weber ve G. Verdi, PI Tchaikovsky ve NA Rimsky-Korsakov'un orkestrası.

Tamamen 2. katta oluşturulmuştur. 19. yüzyıl, neredeyse yüz yıldır değişmeden varlığını sürdürmekte (küçük değişikliklerle) hala sanatı tatmin etmektedir. pitoreskliğe, renkliliğe, ilham perilerine yönelen çeşitli yönlere ve bireyselliklere sahip bestecilerin ihtiyaçları. sesli yazı ve müzikal görüntülerin psikolojik derinliği için çabalayanlar.

Orkestrası stabilizasyonuna paralel olarak yeni ork teknikleri için yoğun bir araştırma yapıldı. yazı, orkestra enstrümanlarının yeni bir yorumu. Klasik akustik teori. denge, büyük senfoni ile ilgili olarak formüle edilmiştir. Orkestra NA Rimsky-Korsakov, bir trompetin (ya da trombon ya da tuba) en etkileyici haliyle forte çalması gerçeğinden yola çıktı. kayıt, ses gücü açısından, her biri sırayla iki tahta ruha eşit olan iki boynuza eşittir. enstrümanlar veya herhangi bir dizi alt grubunun uyumu.

PI Çaykovski. Senfoni 6, hareket I. Flütler ve klarnetler, daha önce divisi viyola ve çello tarafından çalınan cümleyi tekrarlar.

Aynı zamanda, kayıtların yoğunluğundaki fark ve dinamik için belirli düzeltmeler yapıldı. ork içindeki oranı değiştirebilen gölgeler. kumaşlar. Klasik I.'nin önemli bir tekniği, homofonik müziğin çok özelliği olan armonik veya melodik (ters noktalı) pedaldı.

Ana akustik dengeye uygun olarak, I. evrensel olamaz. Katı oranların, düşünmenin gereksinimlerini iyi karşıladı, ancak güçlü ifadeler iletmek için daha az uygundu. Bu durumlarda, I., osn yöntemleri. bazı seslerin diğerlerine kıyasla güçlü iki katına (üçlü, dörtlü), tını ve dinamiklerdeki sürekli değişikliklere.

Bu tür teknikler, 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarında bir dizi bestecinin eserinin karakteristiğidir. (örneğin, AN Scriabin).

“Saf” (solo) tınıların kullanımıyla birlikte besteciler, karmaşık karışımlar kullanarak, farklı renkleri cesurca karıştırarak, sesleri 2, 3 veya daha fazla oktavda ikiye katlayarak özel efektler elde etmeye başladılar.

PI Çaykovski. Senfoni No. 6, hareket I. Pirinç sazların ünlemlerine her seferinde telli ve ahşap sazların ünlemleri ile cevap verilir.

Saf tınıların kendileri, ortaya çıktığı gibi, eklemelerle doluydu. dramaturji. fırsatlar, örn. ahşap çalgılarda yüksek ve düşük kayıtların karşılaştırılması, sessiz ayrıştırma kullanımı. üflemeli çalgılar için atamalar, yaylılar için yüksek bas konumlarının kullanılması vb. Daha önce sadece ritmi çalmak veya doldurma ve renklendirme armonisi için kullanılan çalgılar, giderek tematik taşıyıcılar olarak kullanılmaktadır.

Genişleme arayışı içinde ifade edecektir. ve tasvir edin. Fırsatlar 20. yüzyılın orkestrasını oluşturdu. – G. Mahler ve R. Strauss Orkestrası, C. Debussy ve M. Ravel, IF Stravinsky ve V. Britten, SS Prokofiev ve DD Shostakovich. Bunların tüm yaratıcı yönleri ve kişilikleri ve orkestral yazmanın diğer seçkin ustaları ile Aralık. dünya ülkeleri, I., osn'nin çeşitli tekniklerinin virtüözlüğü ile ilişkilidir. gelişmiş bir işitsel hayal gücü, enstrümanların doğası hakkında gerçek bir anlayış ve teknikleriyle ilgili mükemmel bir bilgi. fırsatlar.

Anlamına geliyor. 20. yüzyıl müziğinde, her enstrüman çalınan enstrümanın karakteri haline geldiğinde, leittimbres'e atanan yer. verim. Böylece Wagner tarafından icat edilen leitmotifler sistemi yeni biçimler alır. Bu nedenle yeni tınılar için yoğun arama. Yaylı çalgılar giderek artan bir şekilde sul ponticello, col legno, armoniklerle oynuyor; nefesli çalgılar frullato tekniğini kullanır; arp çalmak, armoniklerin karmaşık kombinasyonları ile zenginleştirilmiştir, avuç içi ile tellere vurur. Alışılmadık efektlerin elde edilmesine izin veren yeni enstrüman tasarımları ortaya çıkıyor (örneğin, pedal timpani üzerinde glissando). Tamamen yeni enstrümanlar icat edildi (özellikle perküsyon), dahil. ve elektronik. Son olarak, Symph'de. Orkestra giderek diğer bestelerden enstrümanları (saksafonlar, koparılmış ulusal enstrümanlar) tanıtıyor.

Bilinen araçların kullanımı için yeni gereksinimler, modern zamanlarda avangard hareketlerin temsilcileri tarafından sunulmaktadır. müzik. Skorlarına vuruş hakimdir. belirli bir perdeye sahip enstrümanlar (ksilofon, ziller, vibrafon, farklı perdelerdeki davullar, timpani, borulu ziller) ve ayrıca celesta, fp. ve çeşitli elektrikli aletler. Hatta yaylı enstrümanlar anlamına gelir. en az bu besteciler tarafından koparma ve perküsyon için kullanılır. enstrümanların güvertelerinde yaylarla vurmaya kadar ses üretimi. Bir arp rezonatörünün ses tablasına çivi çakma veya ahşap olanlara valf vurma gibi etkiler de yaygınlaşıyor. Giderek, en aşırı, en yoğun enstrüman kayıtları kullanılmaktadır. Ek olarak, avangard sanatçıların yaratıcılığı, orkestra prömiyerini yorumlama arzusu ile karakterizedir. solist toplantıları olarak; orkestranın kompozisyonu, öncelikle grup enstrümanlarının sayısındaki azalma nedeniyle azalma eğilimindedir.

NA Rimsky-Korsakov. "Şehrazad". bölüm II. Yaylılar, bölünmeyen çalan, çift notalar ve üç ve dört parçalı akorlar kullanarak, melodik-armoniyi büyük bir dolgunlukla ifade eder. doku, üflemeli çalgılar tarafından sadece biraz desteklenir.

20. yüzyılda olmasına rağmen birçok eser yazılmıştır. özel (varyant) symph kompozisyonları için. orkestra, hiçbiri yaygın popülerlik kazanan birçok eserin yaratıldığı yaylı yay orkestrasından önce olduğu gibi tipik olmadı (örneğin, PI Çaykovski'nin “Yaylı Yaylı Orkestrası için Serenat”).

Ork gelişimi. müzik, yaratıcılığın ve onun maddi temelinin karşılıklı bağımlılığını açıkça göstermektedir. fark etme. ahşap ruhların karmaşık mekaniğinin tasarımında ilerlemeler. aletler veya en doğru kalibre edilmiş bakır aletlerin yanı sıra diğerleri imalatı alanında. müzik aletlerindeki diğer gelişmeler nihayetinde ideolojik sanatın acil taleplerinin sonucuydu. emir. Buna karşılık, sanatın maddi temelinin iyileştirilmesi, besteciler ve icracılar için yeni ufuklar açtı, yaratıcılıklarını uyandırdı. fantezi ve böylece müzik sanatının daha da gelişmesi için ön koşulları yarattı.

Bir besteci bir orkestra eseri üzerinde çalışıyorsa, tüm ayrıntılarıyla olmasa da ana özellikleriyle doğrudan orkestra için yazılır (veya yazılmalıdır). Bu durumda, başlangıçta birkaç satırda bir taslak şeklinde kaydedilir - gelecekteki puanın bir prototipi. Çizimin içerdiği orkestral doku ne kadar az ayrıntı içeriyorsa, normal iki satırlı FP'ye o kadar yakın olur. Sunum, gerçek I. puan yazma sürecinde yapılacak daha fazla çalışma.

M. Ravel. "Bolero". Muazzam büyüme, yalnızca enstrümantasyon yoluyla elde edilir. Arka planda zar zor duyulabilen bir figürün fonunda solo bir flütten, nefesli üflemelerin uyumuyla, sonra rüzgarlarla ikiye katlanan tellerin karışımıyla…

Özünde, fp enstrümantasyonu. oyunlar – birinin veya başka bir yazarın – yaratıcılık gerektirir. yaklaşmak. Bu durumda parça her zaman gelecekteki orkestra çalışmasının sadece bir prototipidir, çünkü enstrümantalist sürekli dokuyu değiştirmek zorunda kalır ve çoğu zaman kayıtları değiştirmek, sesleri ikiye katlamak, pedallar eklemek, figürleri yeniden oluşturmak, akustiği doldurmak zorunda kalır. . boşluklar, dar akorları geniş akorlara dönüştürün, vb. fp'yi aktar. orkestraya sunum (bazen müzik pratiğinde karşılaşılan) genellikle sanatsal açıdan yetersizdir. sonuçlar – böyle bir I.'nin ses açısından zayıf olduğu ve olumsuz bir izlenim bıraktığı ortaya çıkar.

En önemli sanat. enstrümantörün görevi ayrıştırma uygulamaktır. ork dramaturjisini en güçlü şekilde ortaya çıkaracak olan tınıların karakteristiğine ve gerilimine göre. müzik; ana teknik Aynı zamanda, görev, sesleri iyi dinlemeyi ve birinci ve ikinci (üçüncü) düzlemler arasında orkun rahatlamasını ve derinliğini sağlayan doğru oranı elde etmektir. ses.

I. ile, örneğin, fp. oyunlar ortaya çıkabilir ve bir sayı tamamlar. Özellikle açık tellerin parlak sesini veya pirinç enstrümanların parlak valfsiz seslerini kullanmaya ihtiyaç varsa, her zaman orijinalin anahtarıyla eşleşmeyen anahtar seçimi ile başlayan görevler. Muses transferinin tüm vakalarının sorununu doğru bir şekilde çözmek de çok önemlidir. orijinal ile karşılaştırıldığında diğer kayıtlara ifadeler ve son olarak, genel geliştirme planına dayanarak, enstrümanlı üretimin bir veya başka bir bölümünün kaç “katmanda” belirtilmesi gerektiğini işaretleyin.

Belki birkaç. I. Hemen hemen her ürünün çözümleri. (tabii ki, özellikle bir orkestra olarak tasarlanmadıysa ve bir nota taslağı şeklinde yazılmadıysa). Bu kararların her biri sanatsal olarak kendi yolunda haklı çıkarılabilir. Ancak, bunlar zaten bir dereceye kadar farklı orklar olacak. renkler, gerilimler ve bölümler arasındaki kontrast derecesi bakımından birbirinden farklı ürünler. Bu, I.'nin işin özünden ayrılmaz, yaratıcı bir süreç olduğunu doğrular.

Modern I.'nin iddiası, kesin ifade talimatları gerektiriyor. Anlamlı ifadeler sadece öngörülen tempoyu takip etmek ve dinamiğin genel tanımlarını takip etmekle ilgili değildir. ve agojik. değil, aynı zamanda her bir enstrümanın belirli performans karakteristiklerinin kullanılması. Yani, dizelerde performans gösterirken. Enstrümanlarda, yayı yukarı ve aşağı, uçta veya dipçikte, yumuşak ya da aniden hareket ettirebilir, yaya sıkıca bastırarak ya da yayı zıplatarak, her bir yaya ya da birkaç nota için bir nota çalabilir, vb.

Ruh oyuncuları. araçlar diff kullanabilir. bir hava jeti üfleme yöntemleri - çabalamaktan. geniş bir melodik legatoya ikili ve üçlü “dil”, onları ifade edici ifadelerin çıkarları için kullanır. Aynısı diğer modern enstrümanlar için de geçerlidir. orkestra. Enstrümentalist, niyetlerini icracıların dikkatine en eksiksiz şekilde sunabilmek için tüm bu incelikleri tam olarak bilmelidir. Bu nedenle, modern skorlar (genel olarak kabul edilen icra teknikleri stoğunun çok sınırlı olduğu ve çoğu şeyin doğal olarak kabul edildiği o zamanın skorlarının aksine) genellikle kelimenin tam anlamıyla en kesin göstergelerin çokluğu ile noktalanmıştır; müzik özelliksizleşir ve canlı, titreyen nefesini kaybeder.

Dramaturjide tını kullanımının iyi bilinen örnekleri. ve tasvir edin. amaçları şunlardır: Debussy'nin “Afternoon of a Faun”un başlangıcında flüt çalmak; Eugene Onegin (Çoban Oynuyor) operasının 2. sahnesinin sonunda obua ve ardından fagotun çalınması; R. Strauss'un “Til Ulenspiegel” adlı şiirindeki tüm diziye düşen korna cümlesi ve küçük klarnetin çığlıkları; Maça Kızı (Kontesin Yatak Odasında) operasının 5. sahnesindeki bas klarnetin kasvetli sesi; Desdemona'nın ölüm sahnesinden önce kontrbas solosu (G. Verdi'den Otello); frullato ruhu. senfonide koçların melemelerini betimleyen çalgılar. R. Strauss'un “Don Kişot” şiiri; sul ponticello dizeleri. Peipsi Gölü'ndeki savaşın başlangıcını gösteren araçlar (Prokofiev'in Alexander Nevsky kantatı).

Berlioz'un “Harold in Italy” senfonisindeki viyola solosu ve senfonideki keman kadansı olan Strauss'un “Don Kişot”undaki solo çello da kayda değerdir. Rimsky-Korsakov'un süiti “Scheherazade”. Bunlar kişileştirilmiştir. Leittimbres, tüm farklılıklarına rağmen, önemli programatik dramaturji gerçekleştirir. fonksiyonlar.

Senfoniler için oyunlar yaratırken geliştirilen I. ilkeleri. orkestra, esas olarak diğer birçok ork için geçerlidir. sonuçta senfoninin görüntüsünde ve benzerliğinde yaratılan kompozisyonlar. ve her zaman iki veya üç grup homojen enstrüman içerir. Ruhun olması tesadüf değil. orkestralar ve aralık. nar. nat. orkestralar genellikle senfoniler için yazılmış eserlerin transkripsiyonlarını gerçekleştirir. orkestra. Bu tür düzenlemeler, düzenleme türlerinden biridir. İlkeler I. için. – l. varlıksız çalışır. değişiklikler onlara orkestranın bir kompozisyonundan diğerine aktarılır. Yaygın Aralık küçük toplulukların büyük orkestralar için yazılmış eserleri icra etmesine izin veren orkestra kütüphaneleri.

Yazarın I., her şeyden önce fi tarafından özel bir yer işgal edilir. denemeler Bazı ürünler iki eşit versiyonda bulunur - ork şeklinde. puanlar ve fp. sunum (F. Liszt'in bazı rapsodileri, müzikten E. Grieg'in “Peer Gynt”ine süitler, AK Lyadov, I. Brahms, C. Debussy'nin ayrı oyunları, IF Stravinsky'nin “Petrushka” dan süitler, “Romeo” bale süitleri ve Juliet”, SS Prokofiev, vb.). İyi bilinen FP temelinde oluşturulan puanlar arasında. büyük ustaların yapıtları I., Mussorgsky-Ravel'in Pictures at an Exhibition, FP'leri kadar sık ​​icra edilerek öne çıkıyor. prototip. I. alanındaki en önemli eserler arasında, Mussorgsky'nin Boris Godunov ve Khovanshchina operalarının ve NA Rimsky-Korsakov tarafından gerçekleştirilen Dargomyzhsky'nin The Stone Guest operalarının basımları ile Boris Godunov ve Khovanshchina operalarının yeni I. DD Shostakovich tarafından yürütülen Mussorgsky.

Senfonik müziğin zengin deneyimini özetleyen, senfoni orkestrası için I. üzerine kapsamlı bir literatür vardır. Temel için. Eserler arasında Berlioz'un “Modern Enstrümantasyon ve Orkestrasyon Üzerine Büyük İnceleme” ve Rimsky-Korsakov'un “Kendi Bestelerinden Puan Örnekleriyle Orkestrasyonun Temelleri” yer alıyor. Bu eserlerin yazarları, müzisyenlerin acil ihtiyaçlarına kapsamlı bir şekilde cevap vermeyi ve büyük önemlerini kaybetmeyen kitaplar yaratmayı başaran seçkin pratik bestecilerdi. Çok sayıda basım bunu kanıtlıyor. Berlioz'un 40'lı yıllarda yazdığı inceleme. 19. yüzyıl, Orc'a göre R. Strauss tarafından revize edilmiş ve tamamlanmıştır. alıştırma başlangıcı. 20. yüzyıl

Müzikte ç. kurumlar, genellikle iki ana bölümden oluşan özel kurs I.'den geçer. bölümler: enstrümantasyon ve aslında I. Bunlardan ilki (giriş) enstrümanları, yapılarını, özelliklerini, her birinin gelişim tarihini tanıtır. I. kursu, enstrümanları birleştirme, I. aracılığıyla gerilimin yükselişini ve düşüşünü aktarma, özel (grup) ve orkestra tutti yazma kurallarına ayrılmıştır. Sanatın yöntemlerini incelerken, nihayetinde sanat fikrinden yola çıkılır. yaratılan (düzenlenen) ürünün tamamı.

Teknikler I. Uygulama sürecinde kazanılır. Öğrencilerin, bir öğretmenin rehberliğinde orkestra için prömiyeri yazdıkları dersler. fp. eserler, orkestranın tarihi ile tanışın. stilleri ve en iyi puan örneklerini analiz edin; şefler, besteciler ve müzikologlar, ek olarak, genellikle piyanoda yeniden üreterek nota okuma alıştırmaları yaparlar. Ancak acemi bir çalgıcı için en iyi uygulama, bir orkestrada çalışmalarını dinlemek ve provalar sırasında deneyimli müzisyenlerden tavsiye almaktır.

Referanslar: Rimsky-Korsakov N., Kendi Bestelerinden Skor Örnekleriyle Orkestrasyonun Temelleri, ed. M. Steinberg, (bölüm) 1-2, Berlin – M. – St. Petersburg, 1913, aynı, Tam. kol. soch., Edebi eserler ve yazışmalar, cilt. III, M., 1959; Beprik A., Orkestra çalgılarının yorumlanması, M., 1948, 4961; Kendi. Orkestra tarzlarıyla ilgili sorular üzerine denemeler, M., 1961; Chulaki M., Senfoni Orkestrası Aletleri, L., 1950, revize edildi. M., 1962, 1972; Vasilenko S., Senfoni orkestrası için enstrümantasyon, cilt. 1, M., 1952, cilt. 2, M., 1959 (düzenlendi ve Yu. A. Fortunatov tarafından yapılan eklemelerle); Rogal-Levitsky DR, Modern orkestra, cilt. 1-4, M., 1953-56; Berlioz H., Grand property d'instrumentation et d'orchestration modernes, P., 1844, M855; his, Instrumentationslehre, TI 1-2, Lpz., 1905, 1955; Gevaert FA, Traite genel enstrümantasyon, Gand-Liège, 1863, rus. başına. P. Çaykovski, M., 1866, M. – Leipzig, 1901, ayrıca Tam. kol. op. Çaykovski, cilt. IIIB, revize edildi. ve şu başlık altında ek baskı: Nouveau feature d'instrumentation, P.-Brux., 1885; Rusça çev., M., 1892, M.-Leipzig, 1913; 2. bölüm başlıklı: Cours méthodique d'orchestration, P. – Brux., 1890, Rus. trans., M., 1898, 1904; Rrout, E., Instrumentation, L., 1878; Gulraud E., Traite pratique d'instrumentation, P., 1892, rus. başına. G. Konyus başlığı altında: Enstrümantasyonun pratik çalışması için rehber, M., 1892 (orijinal Fransızca baskının yayınlanmasından önce), ed. ve D. Rogal-Levitsky, M., 1934; Widor Ch.-M., La tekniği de l'orchestre moderne, P., 1904, 1906, Rus. başına. ile ekleyin. D. Rogal-Levitsky, Moskova, 1938; Carse A., Orkestrasyon hakkında pratik ipuçları, L., 1919; kendi, Orkestrasyon tarihi, L., 1925, rus. çev., M., 1932; onun, 18. yüzyılda orkestra, Camb., 1940; onun, Beethoven'dan Berlioz'a Orkestra, Camb., 1948; Wellen, E., Die neue Instrumentation, Bd 1-2, B., 1928-29; Nedwed W., Die Entwicklung der Instrumentation von der Wiener Klassik bis zu den Anfängen R. Wagners, W., 1931 (Diss.); Merill, BW, Orkestrasyon ve enstrümantasyona pratik giriş, Ann Arbor (Michigan), 1937; Marescotti A.-F., Les Instruments d'orchestre, Leurs caractères, Leurs possibilités et leur use dans l'orchestre moderne, P., 1950; Kennan, KW, Orkestrasyon tekniği, NY, 1952: Piston W., Enstrümantasyon, NY, 1952; Coechlin Ch., Traité de l'orchestration, cilt 1-3, S., 1954-56; Kunitz H., Die Enstrümantasyon. Ein Hand- und Lehrbuch, Tl. 1-13, Lpz., 1956-61; Erph H., Lehrbuch der Instrumentation und Instrumentenkunde, Mainz, 1959; McKay GF, Yaratıcı orkestrasyon, Boston, 1963; Becker H., Geschichte der Instrumentation, Köln, 1964 ("Das Musikwerk" Serisi, H. 24); Goleminov M., Orkestrasyon sorunları, S., 1966; Zlatanova R., Orkestra ve orkestrasyonun gelişimi, S, 1966; Pawlowsky W., Instrumentacja, Warsz., 1969.

MI Chulaki