Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninov

Ve bir memleketim vardı; O harika! A. Pleshcheev (G. Heine'den)

Rachmaninov, çelik ve altından yaratıldı; Elinde çelik, kalbinde altın. I. Hoffman

"Ben bir Rus besteciyim ve vatanım karakterime ve görüşlerime damgasını vurdu." Bu sözler büyük besteci, parlak piyanist ve orkestra şefi S. Rachmaninov'a aittir. Rus sosyal ve sanatsal yaşamının en önemli olaylarının tümü, yaratıcı yaşamına silinmez bir iz bırakarak yansıdı. Rachmaninov'un çalışmalarının oluşumu ve gelişmesi, Rus kültüründe en karmaşık süreçlerin gerçekleştiği, manevi nabzın ateşli ve gergin bir şekilde attığı 1890-1900'lere denk geliyor. Rachmaninov'un doğasında var olan dönemin keskin lirik duygusu, her zaman sevgili Anavatanının imajıyla, geniş alanlarının sonsuzluğuyla, temel güçlerinin gücü ve şiddetli cesaretiyle, çiçek açan bahar doğasının nazik kırılganlığıyla ilişkilendirildi.

Rachmaninov'un yeteneği erken ve parlak bir şekilde kendini gösterdi, ancak on iki yaşına kadar sistematik müzik dersleri için fazla gayret göstermedi. 4 yaşında piyano çalmayı öğrenmeye başladı, 1882'de St. Rachmaninoff burada N. Zverev ve ardından A. Siloti ile piyano çalıştı; teorik konularda ve kompozisyonda - S. Taneyev ve A. Arensky ile. Zverev (1885-1885) ile bir pansiyonda yaşarken, onu çaresiz tembel ve yaramaz bir insandan olağanüstü toplanmış ve iradeli bir kişiye dönüştüren sert ama çok makul bir iş disiplini okulundan geçti. Rachmaninov daha sonra Zverev hakkında "İçimdeki en iyi şeyi ona borçluyum" dedi. Konservatuarda Rachmaninoff, en sevdiği Seryozha'nın gelişimini takip eden ve konservatuardan mezun olduktan sonra Aleko operasının Bolşoy Tiyatrosu'nda sahnelenmesine yardım eden P. Tchaikovsky'nin kişiliğinden güçlü bir şekilde etkilendi. Acemi bir müzisyen için kendi yolunu çizmenin ne kadar zor olduğunu kendi üzücü deneyiminiz.

Rachmaninov, Konservatuarı piyano (1891) ve beste (1892) dallarından Büyük Altın Madalya ile bitirdi. Bu zamana kadar, ünlü Do diyez minör Prelüd, “Gizli Gecenin Sessizliğinde” romantizmi, Birinci Piyano Konçertosu, mezuniyet çalışması olarak yazılan “Aleko” operası da dahil olmak üzere birçok bestenin yazarıydı. sadece 17 gün içinde! Ardından gelen Fantezi Parçaları, op. 3 (1892), Elegiac Trio "Büyük Bir Sanatçının Anısına" (1893), İki piyano için süit (1893), Moments of Music op. 16 (1896), romanslar, senfonik eserler - "Uçurum" (1893), Çingene Temaları Üzerine Capriccio (1894) - Rachmaninov'un güçlü, derin, orijinal bir yetenek olduğu görüşünü doğruladı. Rachmaninoff'a özgü imgeler ve ruh halleri, bu eserlerde geniş bir yelpazede görünür - Si minördeki "Müzikal An"ın trajik kederinden "Kaynak Suları" romantizminin ilahisel yüceltilmesine, Mi minörde "Müzikal An"dan "Ada" romantizminin en güzel suluboyasına kadar.

Bu yıllarda hayat zordu. Performans ve yaratıcılıkta kararlı ve güçlü olan Rachmaninoff, doğası gereği savunmasız bir insandı ve genellikle kendinden şüphe duyuyordu. Maddi zorluklarla, dünyevi kargaşayla, garip köşelerde dolaşarak araya girdi. Ve başta Saten ailesi olmak üzere yakınları tarafından desteklenmesine rağmen kendini yalnız hissediyordu. Mart 1897'de St.Petersburg'da icra edilen İlk Senfonisinin başarısızlığının neden olduğu güçlü şok, yaratıcı bir krize yol açtı. Rachmaninoff birkaç yıl boyunca hiçbir şey bestelemedi, ancak bir piyanist olarak icra faaliyeti yoğunlaştı ve Moskova Özel Operası'nda (1897) bir şef olarak ilk çıkışını yaptı. Bu yıllarda Sanat Tiyatrosu sanatçıları L. Tolstoy ile tanıştı, A. Chekhov, Rachmaninov'un "en güçlü, derin ve ince sanatsal deneyimlerden" biri olarak gördüğü Fyodor Chaliapin ile bir dostluk kurdu. 1899'da Rachmaninoff ilk kez yurtdışında (Londra'da) sahne aldı ve 1900'de gelecekteki opera Francesca da Rimini'nin eskizlerinin göründüğü İtalya'yı ziyaret etti. Aleko rolünde Chaliapin ile A. Puşkin'in 100. yıldönümü münasebetiyle St. Petersburg'da Aleko operasının sahnelenmesi neşeli bir olaydı. Böylece, yavaş yavaş ve 1900'lerin başında bir iç dönüm noktası hazırlanıyordu. yaratıcılığa dönüş oldu. Yeni yüzyıl, kulağa güçlü bir alarm gibi gelen İkinci Piyano Konçertosu ile başladı. Çağdaşları onda gerilimi, patlaması ve yaklaşan değişiklikler duygusuyla Zamanın sesini duydular. Şimdi konserin türü lider oluyor, ana fikirlerin en büyük bütünlük ve kapsayıcılıkla somutlaştırıldığı yer burası. Rachmaninov'un hayatında yeni bir aşama başlıyor.

Rusya'da ve yurtdışında genel tanınma, piyanist ve şeflik faaliyetini alır. 2 yıl (1904-06) Rachmaninov, Bolşoy Tiyatrosu'nda şef olarak çalıştı ve tarihinde Rus operalarının harika prodüksiyonlarının anısını bıraktı. 1907'de S. Diaghilev'in Paris'te düzenlediği Rus Tarihi Konserlerine katıldı, 1909'da Amerika'da ilk kez G. Mahler yönetimindeki Üçüncü Piyano Konçertosu'nu çaldığı Amerika'da seslendirdi. Rusya şehirlerinde ve yurtdışındaki yoğun konser etkinliği, daha az yoğun yaratıcılıkla ve bu on yılın müziğinde ("Bahar" - 1902 kantatasında, op. 23'ün prelüdlerinde, İkinci Senfoninin finallerinde ve Üçüncü Konçerto) çok ateşli bir şevk ve şevk var. Ve "Leylak", "Burası güzel" gibi bestelerde, D majör ve G majör prelüdlerinde, "doğanın şarkı söyleyen güçlerinin müziği" inanılmaz bir nüfuzla geliyordu.

Ancak aynı yıllarda başka ruh halleri de hissedilir. Anavatan ve gelecekteki kaderi hakkında üzücü düşünceler, yaşam ve ölüm üzerine felsefi düşünceler, İsviçreli sanatçının resmine dayanan senfonik şiiri “Ölüler Adası” Goethe'nin Faust'undan esinlenen Birinci Piyano Sonatı'nın trajik görüntülerine yol açar. A. Böcklin (1909), Üçüncü Konçerto'nun birçok sayfası, romans op. 26. İç değişiklikler özellikle 1910'dan sonra fark edilir hale geldi. Üçüncü Konçerto'da trajedinin üstesinden gelinirse ve konçerto coşkulu bir apotheosis ile sona ererse, ardından gelen eserlerde sürekli derinleşir, saldırgan, düşmanca, kasvetli görüntüleri hayata geçirir. depresif ruh halleri Müzik dili daha karmaşık hale gelir, Rachmaninov'un karakteristik özelliği olan geniş melodik nefes kaybolur. Vokal-senfonik şiir “The Bells” (st. E. Poe üzerine, K. Balmont tarafından çevrilmiş – 1913); romantizm op. 34 (1912) ve op. 38 (1916); Etüt-resimler op. 39 (1917). Bununla birlikte, Rachmaninov, kalıcı manevi güzelliğin kişileştirilmesi, Rachmaninov'un koro a capella için “Vocalise” ve “All-Night Vigil” (1915) melodisinin doruk noktası haline gelen yüksek etik anlamlarla dolu eserler yarattığı zamandı. “Çocukluğumdan beri Oktoikh'in muhteşem melodileri beni büyüledi. Koro işlemeleri için her zaman özel, özel bir stile ihtiyaç olduğunu hissetmişimdir ve bana öyle geliyor ki bunu Vespers'ta buldum. Yardım edemem ama itiraf ediyorum. Rachmaninov, Moskova Sinodal Korosu'nun ilk performansının bana bir saatlik en mutlu zevki verdiğini, ”diye hatırladı.

24 Aralık 1917'de Rachmaninov ve ailesi, ortaya çıktığı gibi sonsuza dek Rusya'yı terk etti. Çeyrek asırdan fazla bir süre ABD'de yabancı bir ülkede yaşadı ve bu dönem çoğunlukla müzik endüstrisinin acımasız yasalarına tabi olan yorucu konser etkinlikleriyle doluydu. Rachmaninov, ücretlerinin önemli bir bölümünü yurtdışındaki ve Rusya'daki yurttaşlarına maddi destek sağlamak için kullandı. Böylece, Nisan 1922'deki gösteri için tüm koleksiyon Rusya'da açlıktan ölmek üzere olanların yararına devredildi ve 1941 sonbaharında Rakhmaninov, Kızıl Ordu yardım fonuna dört bin dolardan fazla para gönderdi.

Yurtdışında, Rachmaninoff tecritte yaşadı ve arkadaş çevresini Rusya'dan gelen göçmenlerle sınırladı. Sadece Rachmaninov'un dostane ilişkiler içinde olduğu piyano firmasının başkanı F. Steinway'in ailesi için bir istisna yapıldı.

Yurtdışında kaldığı ilk yıllarda Rachmaninov, yaratıcı ilhamını kaybetme düşüncesini bırakmadı. “Rusya'dan ayrıldıktan sonra beste yapma arzumu kaybettim. Vatanımı kaybettikten sonra kendimi kaybettim.” Yurtdışından ayrıldıktan sadece 8 yıl sonra Rachmaninov yaratıcılığına geri döner, Dördüncü Piyano Konçertosu (1926), Koro ve Orkestra için Üç Rus Şarkısı (1926), piyano için Corelli Teması Varyasyonları (1931), Paganini Teması Üzerine Rhapsody'yi yaratır. (1934), Üçüncü Senfoni (1936), “Senfonik Danslar” (1940). Bu eserler Rachmaninoff'un son, en yüksek yükselişi. Telafi edilemez bir kaybın kederli duygusu, Rusya'ya duyulan yakıcı bir özlem, Senfonik Danslarda doruğuna ulaşan muazzam trajik güce sahip bir sanatın doğmasına yol açar. Ve parlak Üçüncü Senfoni'de Rachmaninoff, eserinin ana temasını son kez temsil ediyor - Anavatan imajı. Sanatçının sertçe yoğunlaşan yoğun düşüncesi, onu yüzyılların derinliklerinden çağrıştırır, sonsuz değerli bir anı olarak yükselir. Çeşitli temaların, bölümlerin karmaşık bir şekilde iç içe geçmesiyle geniş bir perspektif ortaya çıkıyor, Anavatan'ın kaderinin dramatik bir destanı yeniden yaratılıyor ve muzaffer bir yaşam doğrulamasıyla sona eriyor. Bu nedenle, Rachmaninoff'un tüm çalışmaları boyunca, sanatının kişileştirilmesi olan Anavatan için etik ilkelerinin, yüksek maneviyatının, sadakatinin ve kaçınılmaz sevgisinin dokunulmazlığını taşır.

O.Averyanova

• Rachmaninov'un İvanovka'daki müze arazisi →
• Rachmaninoff'un piyano eserleri →
• Rachmaninoff'un senfonik eserleri →
• Rachmaninov'un oda-enstrümantal sanatı →
• Rachmaninoff'un opera eserleri →
• Rachmaninoff'un koro eserleri →
• Rachmaninoff'tan Aşk Romanları →
• Rachmaninov şefi →

yaratıcılığın özellikleri

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, Scriabin ile birlikte 1900'lerin Rus müziğinin ana figürlerinden biridir. Bu iki bestecinin çalışmaları çağdaşlarının özellikle yakın ilgisini çekti, hararetle tartıştılar, bireysel çalışmaları etrafında keskin basılı tartışmalar başladı. Rachmaninov ve Scriabin'in müziğinin bireysel görünümü ve figüratif yapısının tüm farklılığına rağmen, isimleri bu tartışmalarda sıklıkla yan yana göründü ve birbirleriyle karşılaştırıldı. Böyle bir karşılaştırmanın tamamen dışsal nedenleri vardı: her ikisi de Moskova Konservatuarı'nın öğrencileriydi, neredeyse aynı anda mezun oldular ve aynı öğretmenlerle çalıştılar, her ikisi de yeteneklerinin gücü ve parlaklığıyla akranları arasında hemen öne çıktılar, tanınmadılar. sadece çok yetenekli besteciler olarak değil, aynı zamanda seçkin piyanistler olarak.

Ama aynı zamanda onları ayıran ve bazen onları müzik hayatının farklı kanatlarına sokan pek çok şey vardı. Yeni müzik dünyalarının kapılarını açan cesur yenilikçi Scriabin, çalışmalarını ulusal klasik mirasın sağlam temellerine dayandıran daha geleneksel düşünen bir sanatçı olarak Rachmaninov'a karşı çıktı. "G. Eleştirmenlerden biri, Rachmaninoff'un, Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov ve Çaykovski tarafından atılan temellere değer veren gerçek yönün tüm savunucularının etrafında toplandığı sütun olduğunu yazdı.

Bununla birlikte, Rachmaninov ve Scriabin'in çağdaş müzik gerçekliklerindeki konumlarındaki tüm farklılıklara rağmen, yalnızca gençliklerinde yaratıcı bir kişiliğin yetiştirilmesi ve büyümesi için genel koşullar tarafından değil, aynı zamanda bazı daha derin ortak özellikler tarafından da bir araya getirildiler. . "Asi, huzursuz bir yetenek" - Rakhmaninov bir zamanlar basında böyle tanımlanıyordu. Onu XNUMX. yüzyılın başında endişeli beklentileri, özlemleri ve umutlarıyla Rus toplumunun geniş çevrelerine özellikle sevgili ve yakın kılan, her iki bestecinin çalışmalarının özelliği olan bu huzursuz dürtüsellik, duygusal tonun heyecanıydı. .

"Scriabin ve Rachmaninoff, modern Rus müzik dünyasının iki 'müzik düşüncelerinin hükümdarı' <...> Şimdi müzik dünyasında kendi aralarında hegemonyayı paylaşıyorlar," diye itiraf etti LL Sabaneev, ilk ve en ateşli savunuculardan biri. eşit derecede inatçı bir rakip ve ikincinin aleyhtarı. Yargılarında daha ılımlı olan başka bir eleştirmen, Moskova müzik okulunun en önde gelen üç temsilcisi Taneyev, Rachmaninov ve Scriabin'in karşılaştırmalı bir tasvirine adanmış bir makalede yazdı: modern, hararetli yoğun yaşamın tonu. Her ikisi de modern Rusya'nın en büyük umutları."

Uzun bir süre Rachmaninoff'un Çaykovski'nin en yakın varislerinden ve haleflerinden biri olduğu görüşü hakim oldu. Maça Kızı yazarının etkisi, Moskova Konservatuarı mezunu, AS Arensky ve SI Taneyev öğrencisi için oldukça doğal olan eserinin oluşumunda ve gelişmesinde şüphesiz önemli bir rol oynadı. Aynı zamanda, "Petersburg" besteciler okulunun bazı özelliklerini de algıladı: Rachmaninov'da Çaykovski'nin heyecanlı lirizmi, Borodin'in sert destansı ihtişamı, Mussorgsky'nin eski Rus müzikal düşünce sistemine derinlemesine nüfuz etmesi ve Rimsky-Korsakov'un yerli doğasının şiirsel algısı. Bununla birlikte, öğretmenlerden ve seleflerinden öğrenilen her şey, besteci tarafından derinden yeniden düşünüldü, güçlü yaratıcı iradesine itaat edildi ve yeni, tamamen bağımsız bir bireysel karakter elde edildi. Rachmaninov'un son derece özgün tarzı, büyük bir iç bütünlüğe ve organikliğe sahiptir.

Yüzyılın başındaki Rus sanat kültüründe onunla paralellikler ararsak, o zaman bu, her şeyden önce edebiyattaki Çehov-Bunin çizgisi, resimdeki Levitan, Nesterov, Ostroukhov'un lirik manzaralarıdır. Bu paralellikler, çeşitli yazarlar tarafından defalarca not edildi ve neredeyse basmakalıp hale geldi. Rakhmaninov'un Çehov'un çalışmasına ve kişiliğine ne kadar ateşli bir sevgi ve saygıyla yaklaştığı biliniyor. Zaten hayatının ilerleyen yıllarında yazarın mektuplarını okurken, zamanında onunla daha yakından tanışmadığına pişman oldu. Besteci, karşılıklı sempati ve ortak sanatsal görüşlerle yıllarca Bunin ile ilişkilendirildi. Bir araya getirildiler ve yerli Rus doğalarına olan tutkulu bir aşkla, bir kişinin yakın çevresinde zaten terk eden basit bir yaşamın belirtileri için, etrafındaki dünyaya, dünyanın şiirsel tavrına, derin renklerle renklendirildiler. nüfuz eden lirizm, ruhsal özgürleşme susuzluğu ve insanın özgürlüğünü kısıtlayan prangalardan kurtulma.

Rachmaninov'un ilham kaynağı, gerçek hayattan, doğanın güzelliğinden, edebiyat ve resim imgelerinden kaynaklanan çeşitli dürtülerdi. "... Müzikal fikirlerin, bazı müzik dışı izlenimlerin etkisi altında içimde daha kolay doğduğunu görüyorum," dedi. Ancak aynı zamanda Rachmaninov, belirli gerçeklik fenomenlerinin müzik aracılığıyla doğrudan yansıması, "seslerle resim" için değil, duygusal tepkisinin, duygularının ve çeşitli etkilerin etkisi altında ortaya çıkan deneyimlerinin ifadesi için çabaladı. harici olarak alınan gösterimler. Bu anlamda, ana akımı VG Korolenko tarafından başarıyla formüle edilen 900'lerin şiirsel gerçekçiliğinin en çarpıcı ve tipik temsilcilerinden biri olarak ondan bahsedebiliriz: “Olguları olduğu gibi yansıtmıyoruz ve yapıyoruz. var olmayan bir dünyanın kaprisinden bir yanılsama yaratmamak. İnsan ruhunun içimizde doğan çevre dünyayla yeni bir ilişkisini yaratır veya tezahür ettiririz.

Tanıştığımızda ilk önce dikkatleri üzerine çeken Rachmaninov'un müziğinin en karakteristik özelliklerinden biri de en anlamlı melodisidir. Çağdaşları arasında, çizimin güzelliğini ve plastisitesini parlak ve yoğun ifadeyle birleştirerek, geniş ve uzun yayılan harika nefes melodileri yaratma becerisiyle öne çıkıyor. Melodizm, melodiklik, bestecinin armonik düşüncesinin doğasını ve eserlerinin dokusunu büyük ölçüde belirleyen, kural olarak bağımsız seslerle doymuş, ya öne doğru hareket eden ya da yoğun bir yoğunluğa kaybolan Rachmaninov'un tarzının ana kalitesidir. ses kumaş

Rachmaninoff, Çaykovski'nin karakteristik tekniklerinin bir kombinasyonuna dayanan kendi çok özel melodi türünü yarattı - daha yumuşak ve sakin bir şekilde gerçekleştirilen değişken dönüşümler yöntemiyle yoğun dinamik melodik gelişim. Hızlı bir kalkıştan veya zirveye uzun ve yoğun bir yükselişten sonra, melodi olduğu gibi, ulaşılan seviyede donar, her zaman uzun süre söylenen bir sese döner veya yavaşça, yükselen çıkıntılarla orijinal yüksekliğine geri döner. Sınırlı bir yüksek irtifa bölgesinde az çok uzun süre kalmak, melodinin akışıyla geniş bir aralık için aniden kesildiğinde ve keskin bir lirik ifade gölgesi getirdiğinde, ters ilişki de mümkündür.

LA Mazel, dinamik ve statiğin böylesine iç içe geçmesinde, Rachmaninov'un melodisinin en karakteristik özelliklerinden birini görüyor. Başka bir araştırmacı, Rachmaninov'un çalışmasındaki bu ilkelerin oranına daha genel bir anlam atfederek, birçok eserinin altında yatan "frenleme" ve "kırılma" anlarının birbirini takip etmesine işaret ediyor. (VP Bobrovsky, benzer bir fikri ifade ederek, "Rachmaninoff'un bireyselliğinin mucizesinin, zıt yönlü iki eğilimin benzersiz organik birliğinde ve bunların yalnızca onda bulunan sentezinde yattığını" - aktif bir özlem ve "olmuş olan üzerinde uzun süre kalma eğilimi)" olduğunu belirterek ifade ediyor. elde edildi.”). Düşünceli lirizm tutkusu, sanki besteci uçup giden zamanı durdurmak istiyormuş gibi, bir tür ruh haline uzun süre dalmak, dışarıya fırlayan devasa bir enerjiyle, aktif kendini onaylama susuzluğuyla birleşti. Müziğindeki zıtlıkların gücü ve keskinliği buradan gelir. Her duyguyu, her ruh halini ifadenin en uç noktasına taşımaya çalıştı.

Rachmaninov'un uzun, kesintisiz nefesleriyle özgürce yayılan lirik melodilerinde, sık sık Rus halk şarkısının "kaçınılmaz" genişliğine benzer bir şey duyulur. Ancak aynı zamanda Rachmaninov'un yaratıcılığı ile türkü yazarlığı arasındaki bağlantı çok dolaylı bir nitelikteydi. Besteci yalnızca nadir, münferit durumlarda gerçek halk ezgilerinin kullanımına başvurdu; kendi melodilerinin halk melodileriyle doğrudan benzerliği için çabalamadı. Melodisi üzerine özel bir çalışmanın yazarı haklı olarak "Rachmaninov'da", "belirli halk sanatı türleriyle nadiren doğrudan bir bağlantı ortaya çıkıyor" diyor. Spesifik olarak, tür genellikle halkın genel "duygusunda" çözülüyor gibi görünüyor ve seleflerinde olduğu gibi, tüm şekillendirme ve müzikal bir imaj haline gelme sürecinin sağlam başlangıcı değil. Rachmaninov'un melodisinin onu Rus halk şarkısına yaklaştıran, adım adım hareketlerin baskın olduğu hareketin yumuşaklığı, diyatoniklik, bol miktarda Frig dönüşü vb. Gibi karakteristik özelliklerine defalarca dikkat çekildi. besteci tarafından bu özellikler, yalnızca ona özgü özel bir ifade rengi kazanarak, bireysel yazarının stilinin vazgeçilmez bir özelliği haline gelir.

Rachmaninov'un müziğinin melodik zenginliği kadar karşı konulamaz derecede etkileyici olan bu tarzın diğer tarafı, alışılmadık derecede enerjik, buyurgan bir şekilde fetheden ve aynı zamanda esnek, bazen tuhaf bir ritimdir. Hem bestecinin çağdaşları hem de daha sonraki araştırmacılar, dinleyicinin istemeden dikkatini çeken bu özel Rachmaninoff ritmi hakkında çok şey yazdı. Çoğu zaman müziğin ana tonunu belirleyen ritimdir. AV Ossovsky, 1904'te Second Suite for Two Pianos'un son hareketiyle ilgili olarak, içindeki Rachmaninov'un "Tarantella formunun ritmik ilgisini huzursuz ve kararmış bir ruha derinleştirmekten korkmadığını, bir tür şeytancılığın saldırılarına yabancı olmadığını kaydetti. zamanlar."

Ritim, Rachmaninov'da, müzikal dokuyu dinamikleştiren ve ahenkli mimari açıdan tamamlanmış bir bütünün ana akımına lirik bir "duygu seli" sokan etkili bir istemli ilkenin taşıyıcısı olarak görünür. Rachmaninov ve Çaykovski'nin eserlerinde ritmik ilkenin rolünü karşılaştıran BV Asafiev şöyle yazdı: “Ancak, ikincisinde, onun“ huzursuz ”senfonisinin temel doğası, temaların kendilerinin dramatik çarpışmasında özel bir güçle kendini gösterdi. Rachmaninov'un müziğinde, yaratıcı bütünlüğünde çok tutkulu, lirik-düşünceli duygu deposunun besteci-icracının "Ben" inin güçlü iradeli örgütsel deposuyla birleşimi, kişisel tefekkürün "bireysel alanı" olarak ortaya çıkıyor. istemli faktör anlamında ritim tarafından kontrol edilen … ”. Rachmaninov'daki ritmik model, ritmin basit, hatta büyük bir çanın ağır, ölçülü vuruşları veya karmaşık, girift çiçeksi olmasına bakılmaksızın her zaman çok net bir şekilde ana hatlarıyla belirtilmiştir. Bestecinin özellikle 1910'ların eserlerinde favorisi olan ritmik ostinato, ritme yalnızca biçimlendirici değil, bazı durumlarda tematik bir önem de verir.

Armoni alanında Rachmaninoff, Avrupalı ​​​​romantik besteciler Tchaikovsky ve Mighty Handful'ın temsilcilerinin çalışmalarında edindiği biçimde klasik majör-minör sistemin ötesine geçmedi. Müziği her zaman ton olarak tanımlanmış ve istikrarlıdır, ancak klasik-romantik ton uyumu araçlarını kullanırken, şu veya bu bestenin yazarlığını kurmanın zor olmadığı bazı karakteristik özelliklerle karakterize edildi. Rachmaninov'un armonik dilinin bu tür özel bireysel özellikleri arasında, örneğin, işlevsel hareketin iyi bilinen yavaşlığı, uzun süre bir tonda kalma eğilimi ve bazen yerçekiminin zayıflaması yer alır. Karmaşık çoklu tert oluşumlarının, ondalık olmayan ve ondalık olmayan akor sıralarının bolluğuna dikkat çekilir, bunlar genellikle işlevselden çok fonetik açıdan daha renklidir. Bu tür karmaşık armonilerin bağlantısı çoğunlukla melodik bağlantı yardımıyla gerçekleştirilir. Rachmaninov'un müziğindeki melodik şarkı unsurunun baskınlığı, ses yapısının yüksek derecede polifonik doygunluğunu belirler: bireysel armonik kompleksler, az çok bağımsız "şarkı söyleyen" seslerin serbest hareketinin bir sonucu olarak sürekli olarak ortaya çıkar.

Rachmaninoff'un özellikle erken dönem bestelerinde o kadar sık ​​kullandığı ve hatta “Rachmaninov'un armonisi” adını aldığı favori bir armonik dönüş var. Bu ciro, genellikle II derece III'ün değiştirilmesi ve melodik üçüncü konumda bir tonik üçlüye çözünürlük ile bir terzkvartakkord şeklinde kullanılan, harmonik bir minörün azaltılmış bir giriş yedinci akoruna dayanır.

Bu durumda melodik seste ortaya çıkan azaltılmış bir kuart'a geçiş, dokunaklı bir kederli duygu uyandırır.

Rachmaninov'un müziğinin dikkat çekici özelliklerinden biri olarak, bir dizi araştırmacı ve gözlemci, onun baskın olan küçük renklendirmesine dikkat çekti. Piyano konçertolarının dördü, üç senfonisi, her ikisi de piyano sonatları, etüt-resimlerinin çoğu ve diğer birçok bestesi minör olarak yazılmıştır. Majör bile, azalan değişiklikler, ton sapmaları ve minör yan adımların yaygın kullanımı nedeniyle sıklıkla minör bir renklenme kazanır. Ancak çok az besteci, minör anahtarın kullanımında bu kadar çeşitli nüanslara ve ifade konsantrasyonu derecelerine ulaşabilmiştir. LE Gakkel'in etüt-resimler op. 39 “varlığın küçük renklerinin en geniş yelpazesi göz önüne alındığında, yaşam duygusunun küçük tonları” Rachmaninoff'un tüm çalışmalarının önemli bir bölümünü kapsayacak şekilde genişletilebilir. Rachmaninov'a karşı önyargılı bir düşmanlık besleyen Sabaneev gibi eleştirmenler, onu, müziği "irade gücünden yoksun bir adamın trajik çaresizliğini" yansıtan "zeki bir mızmız" olarak nitelendirdi. Bu arada, Rachmaninov'un yoğun "karanlık" minörü genellikle kulağa cesur, protestocu ve muazzam istemli gerilimle dolu geliyor. Ve kulağa kederli notlar takılırsa, o zaman bu, M. Gorky'nin Bunin'in bazı eserlerinde duyduğu "memleket hakkında boğuk inilti" olan vatansever sanatçının "asil kederi" dir. Ruhen kendisine yakın olan bu yazar gibi, Rachmaninov da Gorki'nin sözleriyle "bir bütün olarak Rusya'yı düşündü", kayıplarından pişmanlık duyuyor ve geleceğin kaderi için endişe duyuyor.

Rachmaninov'un ana özelliklerindeki yaratıcı imajı, bestecinin yarım asırlık yolculuğu boyunca keskin kırılmalar ve değişiklikler yaşamadan bütünsel ve istikrarlı kaldı. Gençliğinde öğrendiği estetik ve üslup ilkelerine yaşamının son yıllarına kadar sadık kaldı. Bununla birlikte, çalışmalarında sadece becerinin artmasında, ses paletinin zenginleştirilmesinde değil, aynı zamanda müziğin figüratif ve anlatımsal yapısını da kısmen etkileyen belirli bir evrim gözlemleyebiliyoruz. Bu yolda, hem süre hem de üretkenlik dereceleri açısından eşit olmasa da üç büyük dönem açıkça belirtilmiştir. Bestecinin kaleminden tek bir tamamlanmış eser çıkmadığında, az çok uzun geçici duraklamalar, şüphe, yansıma ve tereddüt şeritleriyle birbirlerinden ayrılırlar. 90. yüzyılın XNUMX'lı yıllarına denk gelen ilk dönem, erken yaşta doğal etkilerin üstesinden gelmekle yoluna çıkan yeteneğin yaratıcı gelişim ve olgunlaşma dönemi olarak adlandırılabilir. Bu dönemin eserleri genellikle henüz yeterince bağımsız değildir, biçim ve doku bakımından kusurludur. (Bazıları (Birinci Piyano Konçertosu, Elegiac Trio, piyano parçaları: Melodi, Serenat, Humoresque) daha sonra besteci tarafından revize edilmiş ve dokuları zenginleştirilmiş ve geliştirilmiştir.), bazı sayfalarında (genç opera “Aleko”nun en iyi anları, PI Çaykovski anısına Elegiac Trio, C diyez minördeki ünlü prelüd, bazı müzikal anlar ve romanslar), bestecinin bireyselliği zaten yeterince kesin olarak ortaya konmuştur.

1897'de, bestecinin çok fazla çalışma ve manevi enerji harcadığı, çoğu müzisyen tarafından yanlış anlaşılan ve basın sayfalarında neredeyse oybirliğiyle kınanan, hatta alay konusu olan Rachmaninov'un İlk Senfonisinin başarısız performansından sonra beklenmedik bir duraklama gelir. bazı eleştirmenler tarafından. Senfoninin başarısızlığı Rachmaninoff'ta derin bir zihinsel travmaya neden oldu; daha sonra kendi itirafına göre, "felç geçirmiş ve uzun süre hem kafasını hem de ellerini kaybetmiş bir adam gibiydi." Sonraki üç yıl, neredeyse tamamen yaratıcı sessizliğin olduğu, ancak aynı zamanda daha önce yapılan her şeyin eleştirel bir şekilde yeniden değerlendirildiği, yoğun yansımaların olduğu yıllardı. Bestecinin kendisi üzerindeki bu yoğun iç çalışmasının sonucu, yeni yüzyılın başında alışılmadık derecede yoğun ve parlak bir yaratıcı yükseliş oldu.

23. yüzyılın ilk üç veya dört yılında Rakhmaninov, yaratıcı hayal gücünün zenginliği ve yazarın "el yazısının" orijinalliğini içeren derin şiirleri, tazelikleri ve ilhamlarının yakınlığı ile dikkat çeken çeşitli türlerde bir dizi eser yarattı. yüksek bitmiş işçilik ile birleştirilir. Bunlar arasında İkinci Piyano Konçertosu, iki piyano için İkinci Süit, çello ve piyano için sonat, “Bahar” kantatı, On Prelüd op. XNUMX, “Francesca da Rimini” operası, Rachmaninov'un vokal sözlerinin en iyi örneklerinden bazıları (“Leylak”, “A. Musset'ten Alıntı”), Bu eser dizisi, Rachmaninoff'un en büyük ve en ilginç Rus bestecilerinden biri olarak konumunu belirledi. zamanımızın, sanatçı entelijansiya çevrelerinde ve dinleyici kitleleri arasında ona geniş bir tanınma sağladı.

1901'den 1917'ye kadar nispeten kısa bir süre, çalışmalarında en verimli olanıydı: Bu on buçuk yılda, Rachmaninov'un ulusal müzik klasiklerinin ayrılmaz bir parçası haline gelen olgun, stil açısından bağımsız eserlerinin çoğu yazıldı. Neredeyse her yıl, görünüşü müzik hayatında dikkate değer bir olay haline gelen yeni eserler getirdi. Rachmaninoff'un aralıksız yaratıcı faaliyetiyle, çalışmaları bu dönemde değişmeden kalmadı: ilk yirmi yılın başında, içinde bir demleme vardiyasının belirtileri göze çarpıyor. Genel "jenerik" niteliklerini kaybetmeden, tonda daha şiddetli hale gelir, rahatsız edici ruh halleri yoğunlaşırken, lirik duygunun doğrudan dışa vurumu yavaşlar gibi görünür, bestecinin ses paletinde, müziğin genel rengi olan açık şeffaf renkler daha az görünür koyulaştırır ve kalınlaştırır. Bu değişiklikler, piyano prelüdlerinin ikinci serisinde göze çarpar, op. 32, iki döngü etüt-resim ve özellikle insan varlığının ve bir insanın yaşam amacının derin, temel sorularını ortaya koyan "Çanlar" ve "Bütün Gece Nöbeti" gibi anıtsal büyük kompozisyonlar.

Rachmaninov'un yaşadığı evrim, çağdaşlarının dikkatinden kaçmadı. Eleştirmenlerden biri The Bells hakkında şunları yazdı: “Rakhmaninov yeni ruh halleri, düşüncelerini ifade etmenin yeni bir yolu aramaya başlamış gibi görünüyor … Burada Rachmaninov'un Çaykovski'nin üslubuyla hiçbir ortak yanı olmayan yeniden doğmuş yeni üslubunu hissediyorsunuz. ”

1917'den sonra, Rachmaninov'un çalışmalarında bu sefer öncekinden çok daha uzun yeni bir ara başlar. Ancak on yıl sonra besteci, koro ve orkestra için üç Rus halk şarkısı düzenleyerek ve Birinci Dünya Savaşı arifesinde başlayan Dördüncü Piyano Konçertosu'nu tamamlayarak müzik bestelemeye geri döndü. 30'lu yıllarda (piyano için birkaç konser transkripsiyonu dışında) yalnızca dört tane yazdı, ancak ana eserler fikri açısından önemliydi.

* * *

XNUMX. yüzyılın ilk yarısında müzik sanatının gelişimini karakterize eden karmaşık, genellikle çelişkili arayışlar, keskin, yoğun bir yön mücadelesi, olağan sanatsal bilinç biçimlerinin çöküşü ortamında, Rachmaninoff büyük klasiğe sadık kaldı. Glinka'dan Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov'a ve onların en yakın, doğrudan öğrencileri ve Taneyev, Glazunov'a kadar Rus müziğinin gelenekleri. Ancak kendisini bu geleneklerin koruyucusu rolüyle sınırlamadı, ancak onları aktif, yaratıcı bir şekilde algıladı, canlı, tükenmez güçlerini, daha fazla gelişme ve zenginleşme yeteneklerini öne sürdü. Hassas, etkilenebilir bir sanatçı olan Rachmaninov, klasiklerin ilkelerine bağlı kalmasına rağmen, modernitenin çağrılarına sağır kalmadı. XNUMX. yüzyılın yeni üslup eğilimlerine karşı tavrında, sadece bir yüzleşme anı değil, aynı zamanda belirli bir etkileşim anı da yaşandı.

Yarım asırlık bir süre boyunca, Rachmaninov'un çalışması önemli bir evrim geçirdi ve yalnızca 1930'ların değil, 1910'ların eserleri de hem figüratif yapıları hem de dilleri, müzikal ifade araçları erken dönemden, henüz değil, önemli ölçüde farklılık gösteriyor. bir öncekinin sonundan tamamen bağımsız eserler. yüzyıllar. Besteci, bazılarında izlenimcilik, sembolizm, neoklasizm ile temas kurar, ancak son derece tuhaf bir şekilde, bu eğilimlerin unsurlarını bireysel olarak algılar. Tüm değişikliklere ve dönüşlere rağmen, Rachmaninov'un yaratıcı imajı, müziğinin popülaritesini en geniş dinleyici yelpazesine borçlu olduğu temel, tanımlayıcı özellikleri koruyarak, dahili olarak çok bütünsel kaldı: tutkulu, büyüleyici lirizm, doğruluk ve ifade samimiyeti, dünyanın şiirsel vizyonu. .

Yu. Hadi

Rachmaninoff şefi

Rachmaninov, faaliyetinin bu tarafı çok uzun ve yoğun olmamasına rağmen, tarihe sadece bir besteci ve piyanist olarak değil, aynı zamanda zamanımızın seçkin bir şefi olarak da geçti.

Rachmaninov, 1897 sonbaharında Moskova'daki Mamontov Özel Operası'nda şef olarak ilk çıkışını yaptı. Bundan önce bir orkestrayı yönetmesi ve şeflik eğitimi alması gerekmiyordu, ancak müzisyenin parlak yeteneği Rachmaninoff'un ustalığın sırlarını hızla öğrenmesine yardımcı oldu. İlk provayı zar zor tamamlamayı başardığını hatırlamak yeterli: şarkıcıların tanıtımları belirtmesi gerektiğini bilmiyordu; ve birkaç gün sonra Rachmaninov, Saint-Saens'in Samson ve Delilah operasını yöneterek işini mükemmel bir şekilde yapmıştı.

"Mamontov operasında kaldığım yıl benim için büyük önem taşıyordu" diye yazdı. "Orada, daha sonra bana çok yardımcı olacak gerçek bir orkestra şefliği tekniği edindim." Rachmaninov, tiyatronun ikinci şefi olarak çalıştığı sezon boyunca dokuz operadan yirmi beş performans sergiledi: Gluck'tan “Samson ve Delilah”, “Denizkızı”, “Carmen”, “Orpheus”, Serov'dan “Rogneda”, “ Mignon”, “Askold's Grave”, “Düşmanın gücü”, “Mayıs gecesi”. Basın, şefinin tarzının netliğini, doğallığını, duruş eksikliğini, sanatçılara aktarılan demirden bir ritim duygusunu, hassas zevkini ve harika bir orkestra renk duygusunu hemen fark etti. Tecrübenin kazanılmasıyla birlikte, Rachmaninoff'un bir müzisyen olarak bu özellikleri, solistlerle, koroyla ve orkestrayla çalışırken güven ve otorite ile tamamlanarak kendilerini sonuna kadar göstermeye başladı.

Sonraki birkaç yıl içinde, beste ve piyanist faaliyetlerle meşgul olan Rachmaninoff, yalnızca ara sıra çaldı. Şeflik yeteneğinin altın çağı 1904-1915 dönemine denk geliyor. İki sezondur, Rus operaları yorumunun özellikle başarılı olduğu Bolşoy Tiyatrosu'nda çalışıyor. Tiyatro hayatındaki tarihi olaylar, eleştirmenler tarafından Glinka'nın doğumunun yüzüncü yılı şerefine yönettiği Ivan Susanin'in yıldönümü performansı ve Rachmaninov'un Maça Kızı, Eugene Onegin, Oprichnik'i yönettiği Çaykovski Haftası olarak adlandırılıyor. ve baleler.

Daha sonra Rachmaninov, St. Petersburg'da Maça Kızı performansını yönetti; eleştirmenler, operanın tüm trajik anlamını ilk kavrayan ve seyirciye aktaranın kendisi olduğu konusunda hemfikirdi. Rachmaninov'un Bolşoy Tiyatrosu'ndaki yaratıcı başarıları arasında ayrıca Rimsky-Korsakov'un Pan Voevoda'sını ve kendi operaları The Miserly Knight ve Francesca da Rimini'yi üretmesi yer alıyor.

Senfoni sahnesinde, ilk konserlerden Rachmaninov, büyük ölçekte tam bir usta olduğunu kanıtladı. "Parlak" lakabı kesinlikle bir orkestra şefi olarak performanslarına ilişkin incelemelere eşlik etti. Çoğu zaman Rachmaninoff, Moskova Filarmoni Derneği konserlerinin yanı sıra Siloti ve Koussevitzky orkestralarıyla şefin standında yer aldı. 1907-1913'te yurtdışında - Fransa, Hollanda, ABD, İngiltere, Almanya şehirlerinde çok şey yönetti.

Rachmaninov'un orkestra şefi olarak repertuarı, o yıllarda alışılmadık şekilde çok yönlüydü. İşin tarzı ve karakteri bakımından en çeşitli olanlara nüfuz edebildi. Doğal olarak Rus müziği ona en yakın olanıydı. Borodin'in o zamana kadar neredeyse unutulmuş olan Bogatyr Senfonisini sahnede yeniden canlandırdı ve Lyadov'un olağanüstü bir parlaklıkla icra ettiği minyatürlerinin popülaritesine katkıda bulundu. Çaykovski'nin müziğine (özellikle 4. ve 5. senfonilere) ilişkin yorumu, olağanüstü önem ve derinlikle işaretlendi; Rimsky-Korsakov'un eserlerinde seyirci için en parlak renk gamını ortaya çıkarmayı başardı ve Borodin ve Glazunov'un senfonilerinde epik genişlik ve dramatik yorum bütünlüğü ile seyirciyi büyüledi.

Rachmaninov'un şeflik sanatının doruklarından biri, Mozart'ın Sol minör senfonisinin yorumuydu. Eleştirmen Wolfing şunları yazdı: “Rachmaninov'un Mozart'ın g-moll senfonisini icra etmesinden önce yazılı ve basılı birçok senfoni ne anlama geliyor! ... Rus sanat dehası, bu senfoninin yazarının sanatsal doğasını ikinci kez dönüştürdü ve sergiledi. Sadece Puşkin'in Mozart'ından değil, Rachmaninov'un Mozart'ından da bahsedebiliriz…”

Bununla birlikte, Rachmaninov'un programlarında pek çok romantik müzik buluyoruz - örneğin, Berlioz'un Fantastik Senfonisi, Mendelssohn ve Franck'ın senfonileri, Weber'in Oberon uvertürü ve Wagner'in operalarından parçalar, Liszt'in şiiri ve Grieg'in Lirik Süiti… Ve yanında - modern yazarların muhteşem bir performansı - R. Strauss'un senfonik şiirleri, Empresyonistlerin eserleri: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse ... Ve elbette Rachmaninov, kendi senfonik bestelerinin eşsiz bir yorumcusuydu. Rachmaninov'u bir kereden fazla dinleyen ünlü Sovyet müzikolog V. Yakovlev şöyle hatırlıyor: “Sadece halk ve eleştirmenler, deneyimli orkestra üyeleri, profesörler, sanatçılar onun liderliğini bu sanattaki en yüksek nokta olarak kabul etmedi ... Çalışma yöntemleri bir gösteriye değil, ayrı açıklamalara, ortalama açıklamalara indirgendi, sık sık şarkı söyledi veya daha önce düşündüklerini şu veya bu şekilde açıkladı. Konserlerinde bulunan herkes, sadece fırçadan değil, tüm elin o geniş, karakteristik hareketlerini hatırlıyor; Bazen bu hareketleri orkestra üyeleri tarafından abartılı bulunsa da ona tanıdık geliyordu ve onlar tarafından anlaşılıyordu. Hareketlerde, duruşlarda yapaylık yoktu, efekt yoktu, el çizimi yoktu. Sınırsız bir tutku vardı, öncesinde düşünce, analiz, anlayış ve icracının tarzına dair içgörü vardı.

Orkestra şefi Rachmaninoff'un da eşsiz bir topluluk oyuncusu olduğunu ekleyelim; konserlerinde solist olarak Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals gibi sanatçılar, opera performanslarında ise Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

1913'ten sonra Rachmaninoff, diğer yazarların eserlerini icra etmeyi reddetti ve sadece kendi bestelerini yaptı. Ancak 1915'te Scriabin anısına bir konser vererek bu kuraldan saptı. Bununla birlikte, daha sonra bile bir orkestra şefi olarak ünü dünya çapında alışılmadık derecede yüksekti. 1918'de Amerika Birleşik Devletleri'ne geldikten hemen sonra, Boston ve Cincinnati'deki ülkenin en büyük orkestralarının liderliği teklif edildiğini söylemek yeterli. Ancak o zamanlar artık şefliğe zaman ayıramıyordu, bir piyanist olarak yoğun konser faaliyeti yürütmek zorunda kaldı.

Ancak 1939 sonbaharında, New York'ta Rachmaninov'un eserlerinden bir dizi konser düzenlendiğinde, besteci bunlardan birini yönetmeyi kabul etti. Philadelphia Orkestrası daha sonra Üçüncü Senfoni ve Çanları seslendirdi. Aynı programı 1941'de Chicago'da tekrarladı ve bir yıl sonra Egan Arbor'da “Ölüler Adası” ve “Senfonik Danslar” performansını yönetti. Eleştirmen O. Daune şunları yazdı: “Rakhmaninov, piyano çalarken gösterdiği orkestraya liderlik ederek performans, müzikalite ve yaratıcı güç üzerinde aynı beceri ve kontrole sahip olduğunu kanıtladı. Oyunculuğunun yanı sıra karakteri ve tarzı, sakinliği ve kendine güveni ile dikkat çekiyor. Aynı gösterişten tamamen yoksunluk, aynı haysiyet duygusu ve bariz kısıtlama, aynı takdire şayan buyurgan güç. O dönemde yapılan Ölüler Adası, Vocalise ve Üçüncü Senfoni kayıtları, bizim için parlak Rus müzisyenin şeflik sanatının kanıtlarını korudu.

L. Grigoriev, J. Platek