Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Ağıt (F. Chaliapin / 1931)

M. Massenet, kendisini kadın ruhunun müzik tarihçisi yapan büyüleyici yeteneğini hiçbir zaman "Werther"de olduğu kadar iyi göstermedi. C.Debussy

Oh nasıl mide bulandırıcı Massenet!!! Ve hepsinden daha can sıkıcı olan şey, bu bulantı Benimle ilgili bir şey hissediyorum. P. Çaykovski

Debussy bu şekerlemeyi (Massenet'nin Manon'u) savunarak beni şaşırttı. I. Stravinsky

Her İtalyan müzisyenin kalbinde biraz Verdi ve Puccini olduğu gibi, her Fransız müzisyenin de kalbinde bir parça Massenet vardır. F. Poulenc

Çağdaşların farklı görüşleri! Sadece zevkler ve özlemler mücadelesini değil, aynı zamanda J. Massenet'in çalışmalarının muğlaklığını da içeriyorlar. Müziğinin ana avantajı, besteci A. Bruno'ya göre "binlerce arasından tanıyacağınız" melodilerde yatmaktadır. Çoğu zaman kelimeyle yakından bağlantılıdırlar, bu nedenle olağanüstü esneklikleri ve ifadeleri vardır. Melodi ve anlatım arasındaki çizgi neredeyse algılanamaz ve bu nedenle Massenet'in opera sahneleri, seleflerinde olduğu gibi, kapalı sayılara ve onları birbirine bağlayan "hizmet" bölümlerine bölünmez - Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Kesişen aksiyonun gereklilikleri, müzikal gerçekçilik çağın gerçek gereklilikleriydi. Massenet, onları birçok yönden JB Lully'ye kadar uzanan gelenekleri yeniden canlandırarak oldukça Fransız bir şekilde somutlaştırdı. Bununla birlikte, Massenet'in anlatımı, trajik aktörlerin ciddi, biraz şatafatlı anlatımına değil, basit bir insanın basit günlük konuşmasına dayanmaktadır. Massenet'in sözlerinin ana gücü ve özgünlüğü budur, klasik tipteki trajediye (P. Corneille'e göre “The Sid”) döndüğünde başarısızlıklarının da nedeni budur. Doğuştan bir söz yazarı, ruhun samimi hareketlerinin şarkıcısı, kadın imgelerine özel şiirler verebilen, genellikle "büyük" operanın trajik ve gösterişli olay örgüsünü üstlenir. Opera Comique'in tiyatrosu onun için yeterli değil, neredeyse Meyerbeeryen çabalar sarf ettiği Grand Opera'da da hüküm sürmesi gerekiyor. Böylece çeşitli bestecilerin müziklerinden oluşan bir konserde Massenet, meslektaşlarından gizlice bestesine büyük bir bando ekler ve seyirciyi sağır ederek günün kahramanı çıkar. Massenet, C. Debussy ve M. Ravel'in bazı başarılarını (operadaki anlatım tarzı, akor vurguları, erken Fransız müziğinin stilizasyonu) tahmin ediyor, ancak bunlara paralel olarak çalışmak, hala XNUMX. yüzyılın estetiği içinde kalıyor.

Massenet'in müzik kariyeri, on yaşında konservatuara kabul edilmesiyle başladı. Yakında aile Chambéry'ye taşınır, ancak Jules Paris'siz yapamaz ve iki kez evden kaçar. Yalnızca ikinci girişim başarılı oldu, ancak on dört yaşındaki çocuk, A. Murger'in (Schoenard ve Musetta'nın prototiplerinin yanı sıra şahsen tanıdığı) Sahneler'de anlatılan sanatsal bohemin tüm huzursuz yaşamını biliyordu. Yıllarca süren yoksulluğun üstesinden gelen Massenet, sıkı çalışması sonucunda kendisine dört yıllık bir İtalya gezisi hakkı veren Büyük Roma Ödülü'nü elde eder. Yurt dışından 1866'da cebinde iki frank ve daha sonra eşi olacak bir piyano öğrencisi ile döner. Massenet'in daha fazla biyografisi, sürekli artan bir başarı zinciridir. 1867'de ilk operası The Great Aunt sahnelendi, bir yıl sonra kalıcı bir yayıncı oldu ve orkestra süitleri başarılı oldu. Ve sonra Massenet giderek daha olgun ve önemli eserler yarattı: operalar Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), oratoryo-opera Mary Magdalene (1873), C. Leconte de Lily'nin Erinyes için müziği (1873), melodisi 1866 gibi erken bir tarihte, Massenet'nin yayınlanan ilk eseri olan On Piyano Parçası'ndan biri olarak ortaya çıkan ünlü “Elegy” ile. 1878'de Massenet, Paris Konservatuarı'nda profesör oldu ve Fransa Enstitüsü'ne üye seçildi. Halkın ilgi odağındadır, halkın sevgisini kazanır, sonsuz nezaketi ve zekasıyla tanınır. Massenet'nin çalışmalarının zirvesi, Manon (1883) ve Werther (1886) operalarıdır ve bugüne kadar dünya çapında birçok tiyatronun sahnelerinde seslendirilirler. Besteci, hayatının sonuna kadar yaratıcı faaliyetini yavaşlatmadı: kendisine veya dinleyicilerine dinlenmeden opera üstüne opera yazdı. Beceri gelişir, ancak zaman değişir ve tarzı değişmez. Massenet hala saygı, onur ve tüm dünyevi nimetlere sahip olmasına rağmen, özellikle son on yılda yaratıcı yetenek gözle görülür şekilde azaldı. Bu yıllarda özellikle F. Chaliapin için yaratılan ünlü Meditasyon, The Juggler of Our Lady (1894) ve Don Quixote (1902, J. Lorrain'den sonra) ile Thais (1910) operaları yazılmıştır.

Massenet sığ, sürekli düşmanı ve rakibi K. Saint-Saens olarak görülüyor, "ama önemli değil." “… Sanatın her türden sanatçıya ihtiyacı vardır… Cazibesi, cezbedici yeteneği ve sığ da olsa gergin bir mizacı vardı… Teorik olarak, bu tür müzikten hoşlanmıyorum… Ama Manon'u ayaklarının dibinde duyunca nasıl direnebilirsin? Saint-Sulpice kilisesindeki de Grieux? Bu aşk hıçkırıkları tarafından ruhun derinliklerine nasıl yakalanmaz? Etkilenirseniz nasıl düşünmeli ve analiz etmelisiniz?

E. Gömlek

Bir demir madeni sahibinin oğlu olan Massenet, ilk müzik derslerini annesinden alır; Paris Konservatuarı'nda Savard, Lauren, Bazin, Reber ve Thomas ile çalıştı. 1863'te Roma Ödülü'ne layık görüldü. Kendini çeşitli türlere adayan sanatçı, tiyatro alanında da özenle çalışmaktadır. 1878'de The King of Lahore'un başarısından sonra, konservatuarda kompozisyon profesörü olarak atandı, 1896'ya kadar bu pozisyonda kaldı ve dünya çapında ün kazandıktan sonra Institut de France'ın müdürü de dahil olmak üzere tüm görevlerden ayrıldı.

“Massenet kendini tamamen anladı ve ona iğne yapmak isteyen, ondan modaya uygun şarkı yazarı Paul Delmay'ın öğrencisi olarak gizlice bahseden kişi, zevksiz bir şaka başlattı. Massenet ise tam tersine çok taklit edilmiş, doğru... Armonileri kucaklar gibi, ezgileri ise kıvrımlı boyunlar gibi... Öyle görünüyor ki Massenet, hayranlarının uzun süre ağzında coşkuyla çırpındığı güzel dinleyicilerinin kurbanı olmuş. performanslar… İtiraf ediyorum, parfümlü, piyanoyu pek iyi çalamayan genç hanımları sevmektense yaşlı hanımları, Wagner aşıklarını ve kozmopolit kadınları sevmek neden daha iyi anlamıyorum. Debussy'nin bu iddiaları, ironik bir şekilde, Massenet'nin çalışmalarının ve onun Fransız kültürü için öneminin iyi bir göstergesidir.

Manon yaratıldığında, diğer besteciler yüzyıl boyunca Fransız operasının karakterini zaten tanımlamışlardı. Gounod'un Faust'unu (1859), Berlioz'un bitmemiş Les Troyens'ini (1863), Meyerbeer'in The African Woman'ını (1865), Thomas'ın Mignon'unu (1866), Bizet'nin Carmen'ini (1875), Saint-Saens'in Samson ve Delilah'ını (1877), “Masalları düşünün. of Hoffmann”, Offenbach (1881), “Lakme”, Delibes (1883). Yüzyıl sonu müziğinde şehvetli-mistik bir atmosfer yaratılmasında böylesine önemli bir rol oynayan César Franck'ın 1880-1886 yılları arasında yazdığı opera prodüksiyonunun yanı sıra en önemli eserleri de anılmaya değerdir. Aynı zamanda Lalo, folkloru dikkatle inceledi ve 1884'te Roma Ödülü'ne layık görülen Debussy, tarzının son oluşumuna yakındı.

Diğer sanat biçimlerine gelince, resimdeki izlenimcilik artık kullanışlılığını yitirdi ve sanatçılar, Cezanne gibi biçimlerin hem natüralist hem de neoklasik, yeni ve dramatik tasvirlerine yöneldiler. Degas ve Renoir daha kararlı bir şekilde insan vücudunun natüralist bir tasvirine yönelirken, Seurat 1883'te figürlerin hareketsizliğinin yeni bir plastik yapıya, belki de sembolist ama yine de somut ve net bir dönüşe işaret ettiği "Yıkanma" adlı resmini sergiledi. . Sembolizm, Gauguin'in ilk eserlerinde gözetlemeye yeni başlıyordu. Doğalcı yön (sosyal bir arka plandaki sembolizm özellikleriyle), aksine, bu dönemde edebiyatta, özellikle Zola'nın romanlarında (1880'de bir fahişenin hayatından bir roman olan Nana çıktı) çok açıktır. Yazarın etrafında, edebiyat için daha çirkin veya en azından alışılmadık bir gerçeklik imajına dönen bir grup oluşur: 1880 ile 1881 arasında Maupassant, "The House of Tellier" koleksiyonundan öyküleri için bir genelev seçer.

Tüm bu fikirler, niyetler ve eğilimler, bestecinin opera sanatına katkıda bulunduğu Manon'da kolayca bulunabilir. Bu çalkantılı başlangıcı, bestecinin erdemlerini ortaya çıkarmak için her zaman uygun malzemenin bulunmadığı ve yaratıcı konseptin birliğinin her zaman korunmadığı uzun bir opera hizmeti izledi. Sonuç olarak, üslup düzeyinde çeşitli çelişki türleri gözlenir. Aynı zamanda, çeşitli vokal bölümleri ve bir orkestra kullanımıyla verismodan çöküşe, bir peri masalından tarihi veya egzotik bir hikayeye geçiş yapan Massenet, mükemmel bir şekilde hazırlanmış ses materyali sayesinde de olsa izleyicilerini asla hayal kırıklığına uğratmadı. Operalarının herhangi birinde, bütün olarak başarılı olamasalar da, genel bağlamın dışında bağımsız bir hayat yaşayan unutulmaz bir sayfa vardır. Tüm bu koşullar, Massenet'in diskografik pazardaki büyük başarısını sağladı. Nihayetinde en iyi örnekleri, bestecinin kendine sadık olduğu örneklerdir: lirik ve tutkulu, hassas ve şehvetli, ana karakterlerin kendisiyle en uyumlu kısımlarına hayranlığını aktaran, özellikleri sofistikeliğe yabancı olmayan aşıklar. kolaylıkla elde edilen ve okul çocuğu sınırlamalarından yoksun senfonik çözümler.

G. Marchesi (E. Greceanii tarafından çevrilmiştir)

Yirmi beş operanın, üç balenin, popüler orkestra süitlerinin (Napoliten, Alsas, Scenes Pitoresk) ve müzik sanatının tüm türlerinde birçok başka eserin yazarı olan Massenet, hayatı ciddi denemeler yaşamamış bestecilerden biridir. Büyük yetenek, yüksek düzeyde profesyonel beceri ve ince sanatsal yetenek, 70'lerin başında kamuoyunda tanınmasına yardımcı oldu.

Kişiliğine neyin uygun olduğunu erken keşfetti; temasını seçtikten sonra kendini tekrar etmekten korkmadı; Tereddüt etmeden kolayca yazdı ve başarı uğruna burjuva kamuoyunun hakim zevkleriyle yaratıcı bir uzlaşmaya hazırdı.

Jules Massenet 12 Mayıs 1842'de doğdu, çocukken 1863'te mezun olduğu Paris Konservatuarı'na girdi. İtalya'da üç yıl konservatuarı ödüllü olarak kaldıktan sonra 1866'da Paris'e döndü. Zafere giden yollar için ısrarlı bir arayış başlar. Massenet, orkestra için hem operalar hem de süitler yazıyor. Ancak bireyselliği vokal oyunlarda ("Pastoral Şiir", "Kış Şiiri", "Nisan Şiiri", "Ekim Şiiri", "Aşk Şiiri", "Anılar Şiiri") daha net bir şekilde ortaya çıktı. Bu oyunlar Schumann'ın etkisi altında yazılmıştır; Massenet'in canlı vokal tarzının karakteristik deposunu özetliyorlar.

1873'te nihayet tanınırlık kazandı - önce Aeschylus "Erinnia" trajedisinin müziğiyle (Leconte de Lisle tarafından ücretsiz olarak çevrildi) ve ardından - konserde gerçekleştirilen "kutsal drama" "Mary Magdalene". Bizet içten sözlerle Massenet'i başarısından dolayı kutladı: “Yeni okulumuz hiç böyle bir şey yaratmadı. Beni ateşe attın, hain! Oh, sen, güçlü bir müzisyen ... Kahretsin, beni bir şeyle rahatsız ediyorsun! ..». Bizet bir arkadaşına "Bu adama dikkat etmeliyiz," diye yazdı. "Bak, bizi kemere bağlayacak."

Bizet geleceği önceden gördü: Kısa bir süre sonra kendisi de kısa bir hayata son verdi ve önümüzdeki yıllarda Massenet, çağdaş Fransız müzisyenler arasında lider bir konuma geldi. 70'ler ve 80'ler, çalışmalarının en parlak ve verimli yıllarıydı.

Bu dönemi açan "Mary Magdalene", karakter olarak bir oratoryodan çok bir operaya daha yakındır ve bestecinin müziğinde modern bir Parisli olarak yer alan, Mesih'e inanan tövbekar bir günahkar olan kadın kahraman aynı renklere boyanmıştır. fahişe Manon olarak. Bu çalışmada Massenet'in en sevdiği imge çemberi ve anlatım araçları belirlendi.

Duma'nın oğlu ve daha sonra Goncourt'lardan başlayarak, zarif ve gergin, etkilenebilir ve kırılgan, hassas ve dürtüsel kadın tiplerinden oluşan bir galeri, Fransız edebiyatında yerini aldı. Genellikle bunlar baştan çıkarıcı tövbekar günahkarlar, "yarı dünyanın hanımları", bir aile ocağının rahatlığını, pastoral mutluluğu hayal ediyor, ancak ikiyüzlü burjuva gerçekliğine karşı mücadelede kırılmış, sevilen birinden hayallerinden vazgeçmeye zorlanmış. hayat … (Bu, Duma'nın oğlunun romanlarının ve oyunlarının içeriğidir: The Lady of the Camellias (roman – 1848, tiyatro sahnesi – 1852), Diana de Liz (1853), The Lady of the Half World (1855); ayrıca bkz. Goncourt kardeşlerin romanları "Rene Mauprin" (1864), Daudet "Sappho" (1884) ve diğerleri.) Bununla birlikte, olay örgüsüne, dönemlere ve ülkelere (gerçek veya kurgusal) bakılmaksızın, Massenet, iç dünyasını hassas bir şekilde karakterize eden burjuva çevresinden bir kadını tasvir etti.

Çağdaşları Massenet'i "kadın ruhunun şairi" olarak adlandırdılar.

Üzerinde güçlü bir etkiye sahip olan Gounod'un ardından Massenet, daha da haklı olarak, "sinir duyarlılığı okulu" arasında yer alabilir. Ancak en iyi eserlerinde (özellikle Faust'ta) yaşam için nesnel bir arka plan oluşturan daha zengin ve çeşitli renkler kullanan aynı Gounod'un aksine, Massenet daha rafine, zerafet ve daha özneldir. Kadınsı yumuşaklık, zarafet, şehvetli zarafet imajına daha yakın. Buna uygun olarak, Massenet, özünde yüksek sesli, metnin içeriğini ince bir şekilde aktaran, ancak çok melodik ve beklenmedik bir şekilde ortaya çıkan duyguların "patlamaları", geniş melodik nefes alma ifadeleriyle ayırt edilen bireysel bir ariöz stil geliştirdi:

Orkestra kısmı da bitişin inceliği ile ayırt edilir. Çoğunlukla, aralıklı, hassas ve kırılgan vokal kısmın birleşmesine katkıda bulunan melodik ilke gelişir:

Benzer bir tarz yakında İtalyan veristlerinin (Leoncavallo, Puccini) operalarında tipik olacak; sadece duygu patlamaları daha huysuz ve tutkulu. Fransa'da vokal kısmın bu yorumu, XNUMX. yüzyılın sonları ve XNUMX. yüzyılın başlarındaki birçok besteci tarafından benimsendi.

Ama 70'lere geri dönelim.

Beklenmedik bir şekilde kazanılan tanınma, Massenet'e ilham verdi. Eserleri genellikle konserlerde icra edilir (Picturesque Scenes, Phaedra Uverture, Third Orchestral Suite, the Sacred Drama Eve ve diğerleri) ve Grand Opera, King Lagorsky operasını sahneye koyar (1877, Hint yaşamından; dini çekişmeler arka plan olarak hizmet eder) ). Yine büyük bir başarı: Massenet, bir akademisyenin defnesiyle taçlandırıldı - otuz altı yaşında Fransa Enstitüsü'ne üye oldu ve kısa süre sonra konservatuara profesör olarak davet edildi.

Bununla birlikte, "King of Lagorsk" ve daha sonra yazılan "Esclarmonde" (1889) 'da, sanatsal olanaklarını uzun süredir tüketmiş olan Fransız müzikal tiyatrosunun bu geleneksel türü olan "büyük opera" rutininden hala çok şey var. Massenet kendini tamamen en iyi eserlerinde buldu - “Manon” (1881-1884) ve “Werther” (1886, prömiyeri 1892'de Viyana'da yapıldı).

Böylece, Massenet kırk beş yaşına geldiğinde arzulanan üne kavuştu. Ancak hayatının sonraki yirmi beş yılı boyunca aynı yoğunlukta çalışmaya devam ederek, yalnızca ideolojik ve sanatsal ufkunu genişletmekle kalmadı, daha önce geliştirdiği teatral etkileri ve ifade araçlarını çeşitli opera olay örgülerine uyguladı. Ve bu eserlerin prömiyerleri sürekli ihtişamla döşenmiş olsa da çoğu haklı olarak unutuluyor. Aşağıdaki dört opera yine de kuşkusuz ilgi çekicidir: Melodik örüntünün inceliği açısından "Manon" a yaklaşan "Thais" (1894, A. France'ın romanının olay örgüsü kullanılır); Gerçekçi etkileri yansıtan “Navarreca” (1894) ve “Sappho” (1897) (son opera A. Daudet'nin romanından uyarlanmıştır, olay örgüsü Dumas'nın oğlunun “Kamelyalı Leydi”ye yakındır ve dolayısıyla Verdi'nin “ La Traviata”; “Sappho”da pek çok sayfa heyecan verici, gerçekçi müzik); Chaliapin'in başrolde seyirciyi şok ettiği "Don Kişot" (1910).

Massenet 13 Ağustos 1912'de öldü.

On sekiz yıl boyunca (1878-1896) Paris Konservatuarı'nda kompozisyon dersi verdi ve birçok öğrenci yetiştirdi. Bunlar arasında besteciler Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Romanya müziğinin klasiği Charles Kouklin, George Enescu ve daha sonra Fransa'da ün kazanan diğerleri vardı. Ancak Massenet ile çalışmayanlar bile (örneğin, Debussy) onun gergin bir şekilde hassas, ifade etmede esnek, yüksek sesli konuşma tarzından etkilenmişti.

* * *

Lirik-dramatik ifadenin bütünlüğü, içtenlik, titreyen duyguların aktarımındaki doğruluk - bunlar, en açık şekilde Werther ve Manon'da ortaya çıkan Massenet'nin operalarının erdemleridir. Bununla birlikte, besteci genellikle hayatın tutkularını, dramatik durumları, çatışma içeriğini aktarmada erkeksi güçten yoksundu ve ardından müziğinde biraz karmaşıklık, bazen salon tatlılığı patlak verdi.

Bunlar, 60'larda şekillenen ve 70'lerde modern edebiyat, resim ve tiyatrodan gelen yeni, ilerici eğilimleri yoğun bir şekilde emen kısa ömürlü Fransız "lirik opera" türünün krizinin belirtileridir. Bununla birlikte, yukarıda belirtilen (Gounod'a adanmış denemede) sınırlamanın özellikleri onda zaten ortaya çıkmıştı.

Bizet'nin dehası, "lirik opera"nın dar sınırlarını aştı. İlk müzikal ve tiyatro bestelerinin içeriğini dramatize ederek ve genişleterek, gerçekliğin çelişkilerini daha doğru ve derin bir şekilde yansıtarak, Carmen'de gerçekçiliğin doruklarına ulaştı.

Ancak Fransız opera kültürü bu seviyede kalmadı, çünkü 60. yüzyılın son on yıllarının en önde gelen ustaları, Bizet'nin sanatsal ideallerini öne sürerken ilkelere tavizsiz bağlılığına sahip değildi. 1877'lerin sonundan itibaren, dünya görüşündeki gerici özelliklerin güçlenmesi nedeniyle Gounod, Faust, Mireil ve Romeo ve Juliet'in yaratılmasından sonra ilerici ulusal geleneklerden ayrıldı. Saint-Saens ise yaratıcı arayışlarında gerekli tutarlılığı göstermedi, eklektikti ve yalnızca Samson ve Delilah'ta (1883) tam bir başarı olmasa da önemli bir başarı elde etti. Bir dereceye kadar opera alanındaki bazı başarılar da tek taraflıydı: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (King of the City of Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Tüm bu eserler farklı olay örgüsünü bünyesinde barındırıyordu, ancak müzikal yorumlarında hem "büyük" hem de "lirik" operaların etkileri bir dereceye kadar kesişti.

Massenet ayrıca her iki türde de elini denedi ve "büyük operanın" modası geçmiş tarzını doğrudan sözlerle, ifade araçlarının anlaşılırlığıyla güncellemeye boşuna çalıştı. En önemlisi, Gounod'un Faust'ta sabitlediği ve Massenet'e erişilemez bir sanatsal model olarak hizmet eden şey onu cezbetti.

Bununla birlikte, Paris Komünü'nden sonra Fransa'nın sosyal hayatı besteciler için yeni görevler ortaya koydu - gerçekliğin gerçek çatışmalarını daha keskin bir şekilde ortaya çıkarmak gerekiyordu. Bizet onları Carmen'de yakalamayı başardı, ancak Massenet bundan kaçındı. Kendini lirik opera türüne kapattı ve konusunu daha da daralttı. Manon ve Werther'in yazarı, büyük bir sanatçı olarak, çağdaşlarının deneyimlerini ve düşüncelerini eserlerine kısmen yansıtmıştır elbette. Bu, özellikle modernliğin ruhuna daha uygun olan, gergin bir şekilde hassas müzikal konuşma için ifade araçlarının gelişimini etkiledi; başarıları hem operanın "tam" lirik sahnelerinin yapımında hem de orkestranın ince psikolojik yorumunda önemlidir.

90'lı yıllara gelindiğinde, Massenet'in bu favori türü kendini tüketmişti. İtalyan opera verismo'sunun etkisi hissedilmeye başlar (Massenet'in kendi çalışmaları dahil). Günümüzde modern temalar, Fransız müzikal tiyatrosunda daha aktif bir şekilde öne sürülüyor. Alfred Bruno'nun (Zola'nın romanına dayanan The Dream, 1891; Maupassant'a dayanan The Siege of the Mill, 1893 ve diğerleri) natüralizmin özelliklerinden yoksun olmayan operaları ve özellikle Charpentier'in Louise operası bu konuda gösterge niteliğindedir. (1900), modern Paris yaşamının resimlerinin pek çok açıdan başarılı, biraz belirsiz olsa da yeterince dramatik tasvirinin yer aldığı.

Claude Debussy'nin Pelléas et Mélisande'sinin 1902'de sahnelenmesi, Fransa'nın müzik ve tiyatro kültüründe yeni bir dönem açar - izlenimcilik baskın üslup eğilimi haline gelir.

Druskin

Kompozisyonlar:

Operalar (toplam 25) "Manon" ve "Werther" operaları dışında sadece prömiyer tarihleri ​​parantez içinde verilmiştir. "Büyükanne", libretto Adeny ve Granvallet (1867) "Ful King's Cup", libretto Galle ve Blo (1867) "Don Cesar de Bazan", libretto d'Ennery, Dumanois ve Chantepie (1872) "King of Lahore" , libretto Galle (1877) Herodias, libretto Millet, Gremont ve Zamadini (1881) Manon, libretto Méliac ve Gilles (1881-1884) "Werther", libretto Blo, Mille ve Gartmann (1886, galası — 1892) " The Sid”, libretto d'Ennery, Blo ve Galle (1885) «Ésclarmonde», libretto Blo ve Gremont (1889) The Magician, libretto Richpin (1891) “Thais”, libretto Galle (1894) “Portrait of Manon”, libretto Boyer (1894) “Navarreca”, libretto Clarty ve Ken (1894) Sappho, libretto Kena ve Berneda (1897) Cinderella, libretto Ken (1899) Griselda, libretto Sylvester ve Moran (1901) “ The Juggler of Our Lady”, libretto Len (1902) Cherub, libretto Croisset ve Ken (1905) Ariana, libretto Mendes (1906) Teresa, libretto Clarty (1907) “Vakh” (1910) Don Kişot, libretto b y Ken (1910) Roma, libretto Ken (1912) "Amadis" (ölümünden sonra) "Cleopatra", libretto Payen (ölümünden sonra)

Diğer müzikal-tiyatro ve kantata-oratoryo eserleri Aeschylus trajedisi için müzik “Erinnia” (1873) “Mary Magdalene”, kutsal drama Halle (1873) Eve, kutsal drama Halle (1875) Narcissus, Collin'in antik idili (1878) “The Immaculate Virgin”, kutsal efsane of Grandmougins (1880) “Carillon”, mimik ve dans efsanesi (1892) “Vaat Edilmiş Topraklar”, oratoryo (1900) Yusufçuk, bale (1904) “İspanya”, bale (1908)

senfonik eserler Pompeii, orkestra süiti (1866) Birinci orkestra süiti (1867) “Macar Sahneleri” (Orkestra için ikinci süit) (1871) “Picturesque Scenes” (1871) Üçüncü orkestra süiti (1873) Uvertür “Phaedra” (1874) “ Shakespeare'e göre dramatik sahneler” (1875) “Napoliten Sahneler” (1882) “Alsas sahneleri” (1882) “Büyüleyici Sahneler” (1883) ve diğerleri

Ayrıca piyano için pek çok farklı beste, yaklaşık 200 romans (“İç Şarkılar”, “Pastoral Şiir”, “Kış Şiiri”, “Aşk Şiiri”, “Anıların Şiiri” ve diğerleri), oda enstrümantal için eserler vardır. topluluklar.

edebi yazılar “Anılarım” (1912)